Fluster Magazine is working on the new 2013 calendar!

Next year`s theme will be: ” The World I Wish…‘

All you need to do to be selected for the new calendar is to send your picture in JPG format  (at least) 640 pixel on the longest side to 2013calendar@flustermagazine.com

The deadline is the 7th December 2012

The best 13 photos will be featured in Fluster Magazine 2013 calendar. The calendar will be available for free in PDF format and also as a printed edition.

Submitting your picture(s) you accept the following rules:

• A maximum of 3 photos per author may be submitted
• Copyright of any photos remains with the author and the photographer will be fully credited but the photo(s) must be available for publication in the calendar. Fluster Magazine has the unrestricted right to publish the winning photographs in its magazine, on its website, and in any related material for PR purposes.
• The judges’ verdict is final
• Judges are unable to comment on individual entries
• Judging is fair and unbiased.

[Italiano]

Fluster Magazine sta lavorando al nuovo Calendario 2013.

Il tema di quest’anno è “Il mondo che Vorrei“

Se vuoi partecipare alla creazione del nuovo Calendario, inviaci le tue foto alla seguente mail 2013calendar@flustermagazine.com  in formato JPG con una risoluzione di almeno 640 pixel sul lato piu` lungo

Puoi inivarci le tue foto entro il 07.12.2012.

Il gruppo di Fluster sceglierà 13 foto che meglio rappresenteranno il tema Il mondo che Vorrei.

Il Calendario sarà disponibileil 15.12.2012 sia in formato  PDF scaricabile gratuitamente che in formato cartaceo. Ulteriori dettagli seguiranno nei prossimi giorni.

Partecipando alla selezione si accettano le seguenti condizioni:

• Ogni fotografo puo` inviare un massimo di 3 foto
• Il copyright di ogni photo resta con l`autore ma le foto restano a disposizione per la pubblicazione su Fluster Magazine, il suo sito web e su pubblicazioni relative al concorso inclusa il calendario 2013.

Gregg Bucken-Knapp is a portrait photographer based in Glasgow, Scotland.  His work reflects an interest in creating images that depict a subdued sense of drama, and where the attempt by subjects to navigate powerful and conflicting emotions in moments of uncertainty are often central components.

[Traduzione in italiano in basso]

Hi Gregg! How did you come to photography?

In 2001, I was living in a small town in Southern Denmark, near the German border. It was incredibly scenic, but with little to do. I would go on long walks, headphones on, camera in hand. At first I was just documenting the town for friends far away, but gradually, composition and thematic intent became important. However, it wasn’t until I moved to Göteborg, Sweden that my interest in making images of people emerged. Everyday people were often fantastically striking, and I fell into street fashion photography, which led to images being published here and there over the years. But at some point, I felt the spontaneous nature of street photography was too unsettling and uncertain. I think the shift into portraiture reflected a greater confidence about the types of images I wanted to make and how much more control over the process I would require.

Are there photographers who influenced you?

Erwin Olaf: His perfect ability to construct an elegant mise en scéne where subjects are so clearly alone with their thoughts is mind-bogglingly impressive. George Hoyningen-Heune: His image “Divers”, featuring his partner Horst positioned almost symmetrically with another model, facing away from the viewer, is bold and powerful, but also very serene. That image always makes me think how I need to be more deliberate and rigorous in my approach. Then, in all fairness, any number of medium format film portrait photographers who post their work on Flickr: Such dedication, such persistence, such imagination. Instant inspiration!!

Why do you take so many female portraits?

Here too, I think it comes down to recent influences. Over the past few years, my work has increasingly taken inspiration from contemporary female fashion magazines such as Lula, Material Girl and Oh Comely. They often present models in a very prim or twee manner, with images having both fashion and portraiture contexts. On some intuitive level, this styling and aesthetic just immediately resonates with me. In terms of the history of fashion photography, I am very fond of Lillian Bassman’s work for both Junior Bazaar and Bazaar in the post-WWII era. Her high-contrast black and white images of female models are iconic: hints of beauty shots and portraiture, abstract elements and strong graphic shapes. And of course, I’m a fan of costume drama films, rich with historically accurate styling and long quiet shots of characters lost in thought. These influences and interests go a long way towards explaining both my choice of subjects, and how they are portrayed in my images.

You decided to show us just black and white portraits, but I notice on your site that you realized also a number of colour pictures. Why did you make this choice?

My initial portraiture was largely in colour, and I made heavy use of artificial light. That earlier work is still important to me in that I can see that I was learning a great deal about light and shadow. Somehow though, colour began to feel like a distraction to me, as did all of the emphasis on artificial light. I became intrigued by the possibility of trying to construct images that were smaller in scale, quieter somehow, and that managed to communicate a very introspective mood. Some of my colour portraits danced around this mood a bit, but I think I was missing the mark. For whatever reason, the switch to black and white has helped me to isolate that feeling. At the end of the day, this more recent black and white work is simply a better reflection of who I am now as a photographer.

You are also a sport and concerts photographer. Which differences can you find between portrait photography (where you presumably pose people) and a kind of photography where you cannot control people’s movements?

There was a period five or six years ago where I shot as much as could, of almost anything that I could, and this included concerts, sports, political rallies, etc. Casting the net widely back then was useful in that it helped me gain an understanding of the type of photography that was important to me. Concerts and sports were interesting in that I approached them with my earlier training as a journalist in the back of my mind: find the story, document it. But, it was frustrating that I couldn’t intervene and direct the subjects to hold a specific pose or to alter their gaze or body language, etc. More often that not, I’d think how specific shots would’ve been great if only I had the ability to construct them, detail by detail. My ability to control the narrative is simply greater when making portraits.

Who are your models?

Fine arts students in photography and film, students pursuing undergraduate and advanced degrees in the social sciences, stay at home parents, world travellers and presumably countless other identities. In general though, I find that individuals who have well-developed reference points when it comes to the visual arts, music and literature are ideal when it comes to collaboration. I work very closely with a talented make up artist here in Glasgow, Sarah Michael, and it helps for us to be able to put our plans for any given shoot into a broader cultural context that will immediately be understood. Subjects who get those reference points, and who have similar ones of their own to draw on while making the images, bring a great deal to the table.

I was struck by your series “Streets of Göteborg”, because it shows different people but nothing about architecture or urban spaces. Why?

Guilty as charged! First and foremost, when I walk down a street, I don’t see the architecture, I see faces, or rather, I’m looking for faces that strike me as interesting. To the extent that I take notice of urban space, I chiefly regard it as secondary, and whether/how it can be of service to a portrait in terms of texture, pattern, shape or backdrop. Some of the Göteborg images are the product of candid street photography, and others come from assignments shot for a local magazine. I look back at them now and it is the emotion in the faces that still matters most to me: the pride of a newly-naturalized Swede, the intense focus of youth practicing their break dancing, the tired gaze of a Social Democrat alone in a crowd on May Day.

Analogue or digital?

The manual focus aspect of working with most medium format analogue cameras probably isn’t as easy for my eyes now as it used to be… Digital is my primary tool though I will generally shoot at least one roll of film during most portrait sessions for the variation that can result. Analogue and digital images from the same shoot do often have substantially different looks, and I like having those different options at hand when trying to assemble a final set.

Who would you be if you weren’t a photographer?

I’d be a substantially less happy person!

A question you would never answer is…

I suppose that I am diplomatic enough to provide answers to most questions. On the other hand, whether people are satisfied with the content of those answers is beyond my control.

Any advice to young artists?

Decide what aspects of your craft are important to you and know them well. Accept that you may periodically re-evaluate those decisions. Become well-acquainted with the history of your chosen art form, as well that of cognate fields, and don’t shy away from looking to utterly unconventional sources for inspirations that can be integrated into your work.

Tell us something about your upcoming projects.

I’m currently quite fascinated by historical cases where the state was active in determining what was permitted in terms of women’s fashion. As I become more immersed in this topic, I’m hoping to be able to pick some of these instances and illustrate them with a series of fashion portraits.

More of Gregg Bucken-Knapp’s work here

(Images © Gregg Bucken-Knapp,  Make up and hair on images 3, 4, 5, 6, 7, 9, 12 © Sarah Michael, Design on images 3, 4, 5 © Rachael Forbes)

**Italian Translation**

Ciao Gregg! Come sei arrivato alla fotografia?

Nel 2001, vivevo in una piccola cittadina nel sud della Danimarca, vicino la frontiera tedesca. Era incredibilmente pittoresca, ma c’era poco da fare. Andavo a fare lunghe passeggiate con le cuffie nelle orecchie e la fotocamera in mano. All’inizio, si trattava solo di documentare la città per gli amici lontani, ma piano piano, la composizione e l’intento contenutistico sono diventati importanti. A ogni modo, non è stato fino al mio trasferimento a Göteborg, in Svezia, che il mio interesse nel produrre immagini di persone è emerso. Le persone della vita di tutti I giorni erano spesso fortemente impressionanti, mi sentivo trascinato verso la fotografia di moda di strada, che mi ha condotto a pubblicare le mie immagini qua e là nel corso degli anni. Ma a un certo punto, ho sentito che la natura spontanea della fotografia di strada era troppo traumatizzante e incerta. Penso che il passaggio alla ritrattistica abbia riflesso una maggiore confidenza nei tipi di immagine che volevo creare e quanto maggiore controllo sul processo volevo esigere.

Ci sono fotografi che ti hanno influenzato?

Erwin Olaf: la sua abilità perfetta nel costruire una messa in scena elegante dove i soggetti sono così chiaramente soli con i loro pensieri colpisce in maniera sbalorditiva. George Hoyningen-Heune: la sua immagine “Divers”, che ritrae il suo compagno Horst collocato quasi simmetricamente con un altro modello, con il viso lontano dallo spettatore, è audace e potente, ma anche molto serena. Quella immagine mi fa pensare sempre di come abbia bisogno di essere più cauto e scrupoloso nel mio modo di lavorare. Infine, in tutta onestà, un gran numero di ritrattisti che usano pellicola di medio formato e che postano i loro lavori su Flickr: una tale dedizione, una tale tenacia, una tale capacità immaginativa. Ispirazione instantanea!

Perché scatti così tanti ritratti femminili?

Anche qui, credo che derivi da influenze recenti. Durante gli ultimi pochi anni, il mio lavoro ha man mano tratto ispriazione dalle riviste di moda femminile contemporanee, come Lula, Material Girl e Oh Comely. Spesso questi giornali presentano le modelle in maniera molto sussiegosa o affettata, con immagini che presentano un contesto sia legato alla moda, sia alla ritrattistica. A livello abbastanza intuitivo, mi posso identificare immediatamente con questo stile, questa estetica. In termini di storia della fotografia di moda, amo molto il lavoro di Lillian Bassman sia per Junior Bazaar e Bazaar nell’epoca post-WWII. Le sue immagini di modelle in bianco e nero, fortemente contrastate, sono iconiche: accenni di scatti di bellezza e ritrattistica, elementi astratti e forme grafiche forti. E sicuramente, sono un fan dei film drammatici in costume, ricchi di elementi stilistici storicamente accurati e lunghe riprese di personaggi persi nei loro pensieri. Queste influenze e interessi spiegano per esteso sia la mia scelta dei soggetti, sia come sono ritratti nelle mie immagini.

Hai deciso di mostrarci solo ritratti in bianco e nero, ma vedo sul tuo sito che hai realizzato anche una quantità di foto a colori. Perché hai fatto questa scelta?

I miei primi ritratti erano per lo più a colori, e facevo un uso molto pesante della luce artificiale. Quel primo lavoro è ancora importante per me, perché posso notare che stavo imparando molto sulle luci e le ombre. In qualche modo comunque, ho iniziato a percepire il colore come una distrazione, così come tutta quella enfasi sulla luce artificiale. Sono rimasto affascinato dalla possibilità di provare a costruire immagini che erano più piccole in scala, più calme in qualche maniera, e che riuscivano a comunicare uno stato d’animo molto introspettivo. Alcuni dei miei ritratti a colori si avvicinavano un po’ a questa sensazione, ma penso che stessi mancando il bersaglio. Per una qualche ragione, il passaggio al bianco e nero mi ha aiutato a isolare quel sentimento. In conclusione, questo lavoro in bianco e nero più recente è semplicemente un riflesso migliore di chi sono come fotografo.

Sei anche un fotografo di sport e concerti. Che differenze puoi rintracciare tra la ritrattistica (dove probabilmente metti in posa le persone) e un genere di fotografia in cui non puoi controllare i movimenti della gente?

C’è stato un periodo, cinque o sei anni fa, in cui scattavo a più non posso, qualsiasi soggetto mi capitasse, e questo includeva concerti, sport, manifestazioni politiche eccetera. Analizzando la cosa a distanza di tempo, mi è stato utile perché mi ha aiutato ad acquisire consapevolezza del tipo di fotografia che mi interessava. I concerti e lo sport erano importanti perché mi ci accostavo tenendo in mente il mio precedente approccio da giornalista: trova la storia, documentala. Ma era frustrante perché non potevo intervenire e portare i soggetti a mantenere una posa specifica o modificare il loro sguardo o linguaggio corporeo, e così via. In sostanza, penserei a quanto determinati scatti sarebbero stati eccellenti se solo avessi avuto l’abilità di costruirli, dettaglio per dettaglio. La mia capacità di controllare la narrazione è semplicemente più grande quando realizzo dei ritratti.

Chi sono i tuoi modelli?

Studenti di arti figurative, fotografia e cinema, studenti che stanno conseguendo lauree triennali e magistrali in scienze sociali, che stanno a casa dei genitori, viaggiatori in giro per il mondo e presumibilmente innumerevoli altre personalità. In generale comunque, trovo che gli individui che hanno punti di riferimento molto sviluppati quando si tratta di arti visive, musica e letteratura sono ideali per una collaborazione. Lavoro a stretto contatto con una make up artist di talento, qui a Glasgow, Sarah Michael, e ci aiuta essere in grado di mettere i nostri progetti per ogni determinato scatto all’interno di un contesto culturale più ampio, che sarà capito subito. I soggetti che rientrano in questi punti di riferimento, e che ne hanno di simili per conto loro, su cui lavorare mentre si crea l’immagine, portano un grande contributo al progetto.

Sono rimasta colpita dalla tua serie “Streets of Göteborg”, perché mostra diverse persone ma nulla riguardo l’architettura o gli spazi urbani. Perché?

Mi dichiaro colpevole! Per prima cosa, quando passeggio lungo una strada, non guardo l’architettura, vedo i volti, o piuttosto, sto cercando dei volti che mi colpiscano in quanto interessanti. Nella misura in cui prendo nota dello spazio urbano, lo considero soprattutto come secondario, e se/come possa essermi utile a un ritratto in termini di struttura, disegno, forma o sfondo. Alcune delle immagini di Göteborg sono il prodotto di pura fotografia di strada, e altre provengono da lavori su commissione per una rivista locale. Le riguardo ora ed è l’emozione sui volti che ancora adesso mi importa di più: l’orgoglio di una Svezia naturalizzata di fresco, l’intenso concentrarsi dei giovani che fanno breakdance, lo sguardo stanco di un socialdemocratico solo nella folla il primo maggio.

Analogico o digitale?

L’aspetto principale e manuale del lavorare per lo più con fotocamere dal formato medio analogico probabilmente non è così semplice ai miei occhi come soleva essere… Il digitale è il mio strumento principale, sebbene scatti di solito almeno un rullino in pellicola durante la maggior parte delle sessioni di ritratti, siccome il risultato può variare. Immagini analogiche e digitali, provenienti dalla stessa inquadratura, spesso hanno sguardi profondamente diversi, e mi piace avere quelle diverse opzioni a disposizione quando provo ad allestire il set definitivo.

Chi saresti se non fossi un fotografo?

Sarei di sicuro una persona meno felice!

Una domanda alla quale non risponderesti mai è…

Ritengo di essere abbastanza diplomatico da dare risposta alla maggior parte delle domande. D’altro canto, se le persone restino soddisfatte dal contenuto di quelle risposte è al di là del mio controllo.

Qualche consiglio per giovani artisti?

Decidere quali aspetti della tua arte sono importanti per te e conoscerli bene. Accettare che periodicamente potresti riconsiderare quelle decisioni. Essere bene consapevole della storia della forma d’arte che hai scelto, così come dei campi correlati, e non rifuggire dal guardare a forme radicalmente non convenzionali per trarne ispirazione che possa essere integrata nel tuo lavoro.

Dicci qualcosa dei tuoi progetti futuri.

Al momento sono abbastanza affascinato dai casi storici, in cui lo stato era parte attiva nel determinare cosa era permesso in termini di moda femminile. Man mano che mi addentro in questo campo, spero di essere in grado di cogliere alcune di queste circostanze e di illustrarle con una serie di ritratti di moda.

Davide Battaglia nasce a Genova nel 1982. Si laurea all’Accademia Ligustica di Belle Arti. Parallelamente agli studi comincia l’attività di pittore e illustratore. Nel 2007 vince il Primo Premio Arti Visive al CercaTalenti di Genova e lavora come assistente pittore di scena sul set del film “Giorni e Nuvole” di Silvio Soldini. L’anno dopo si trasferisce prima a Roma, dove lavora nell’ambito della scenografia teatrale e cinematografica, e poi a Parigi per un progetto internazionale di Residenze d’Artista. Tornato a Genova nel 2009 realizza l’imponente galleria pittorica “SampGallery”, mostra tributo patrocinata dall’U.C.Sampdoria. Nel 2011, in occasione del Concorso Internazionale d’Arte Contemporanea “Odierna”, vince a Roma il Primo Premio, a cui seguono un terzo premio e un premio della critica ai concorsi internazionali “Saturaprize2011” e “Saturarte2012”. Nel 2012 torna al cinema e firma le scenografie del film “Extreme Jukebox” di Alberto Bogo [clicca qui per leggere l`articolo di FM sul film].

 Ciao Davide! Come ti sei avvicinato all’arte?

Mio padre è un pittore e da piccolo lo guardavo dipingere; mi comprava i fumetti e io li divoravo (più che altro, come si dice, “guardavo le figure”). Iniziai a copiare i disegni, riempiendo fogli interi di improbabili tavole del mio personaggio preferito: Tex Willer. Insomma, vedevo il disegno come una componente basilare del vivere, un po’ come mangiare, niente di straordinario. Poi iniziai a comprendere la particolarità della cosa, approfondii il mezzo, frequentai gli studi (Liceo Artistico e Accademia di Belle Arti, entrambi a Genova) e iniziai a conoscere altri artisti più o meno giovani, a confrontarmi con loro.

 Ti definisci: “pittore, illustratore e pittore di scena”. Mi incuriosisce in particolare l’ultima definizione, che non conosco. Immagino abbia a che fare con la scenografia. Puoi spiegarmela?

Il pittore di scena interviene sulla decorazione degli elementi scenici, dai fondali all’oggettistica, che richiedono un trattamento pittorico; è un mestiere che spesso passa inosservato ma è assolutamente indispensabile non solo nel teatro ma anche nel cinema. Per fare esempi pratici, quando ho lavorato sul set di “Giorni e nuvole” di Silvio Soldini dovevamo “invecchiare” le pareti bianche di un salone e farvi affiorare un affresco, che sarebbe poi stato riportato alla luce dalla protagonista che era Margherita Buy. Fu allora che conobbi Paola Bizzarri, grande scenografa di cinema che ha recentemente vinto il David di Donatello, e Giorgio Barullo, abilissimo pittore di scena con cui lavorai nuovamente a Cinecittà su “Io, Don Giovanni” di Carlos Saura; in quell’occasione, ad esempio, un giorno mi recapitarono quasi cento sedie uscite grezze dalla falegnameria, da laccare e dorare in una giornata di lavoro. Naturalmente feci notte…

Dal tuo sito, nonostante tu sia molto giovane, emerge un ricco curriculum! Hai lavorato anche nel campo del cinema. Quali differenze e analogie ravvedi tra i diversi campi di cui ti occupi?

L’approccio rimane sempre una questione personale, ma chiaramente lavorare con una troupe significa tenere conto dell’integrazione reciproca tra mansioni e reparti (la scenografia, che è a sua volta un’integrazione di decoratori, costruttori, arredatori, attrezzisti, va a braccetto con altri reparti come fotografia, costumi, trucco) e spesso vuol dire sottostare a dettami precisi del regista. Ho appena concluso la lavorazione sul film “Extreme Jukebox” di Alberto Bogo, un horror girato a Genova dove per la prima volta ho preso direttamente io il controllo delle scenografie, mettendo in pratica tutta una serie di apprendimenti passati e potendo sfogare un po’ di libera creatività in sintonia con la colorita sceneggiatura del film. Studiare così a fondo lo spazio tridimensionale in termini di allestimento porterà sicuramente linfa nuova anche alle mie future pitture “bidimensionali”.

Acqua, luce e non luoghi metropolitani sono elementi dei tuoi lavori che mi hanno colpito molto. Dico non luoghi, perché anche le scene in interno mi ricordano più una camera d’albergo che un’intimità domestica. Da dove nasce la predilezione per questi elementi?

Istintivamente sono portato ad esprimermi rispettando i canoni di quello che vedo, cioè la realtà così come mi appare, nelle sue proporzioni, prospettive, luci ecc… Allo stesso tempo, però, ho sempre ammirato le potenzialità espressive di quella pittura meno legata al dato reale o riconoscibile (l’astrattismo, l’informale). Per questo, per non “rinchiudermi” a copiare banalmente la realtà, tento di indagare le possibilità che essa offre se riprodotta nelle sue dinamiche meno lampanti, nei suoi giochi di luci, riflessi, ombre, spesso nascoste in microcosmi di forme che, se ampliati, si rivelerebbero parte di oggetti e situazioni che quotidianamente ci circondano. L’acqua offre innumerevoli spunti sotto questo profilo. Nei miei lavori maggiormente iperrealisti, quelli ambientali per intenderci, emerge in parte lo stesso discorso (giochi di specchi e ombre che, seppur non complicando la riconoscibilità degli oggetti, mettono in gioco la percezione dello spettatore in termini di punto di vista, fonte delle immagini, ecc…), in parte tutta la mia predilezione per la composizione pulita, equilibrata, che blocca e raffredda le figure in un “non-tempo” (e di conseguenza in un “non-luogo”). L’assenza di tempo diventa un in un certo senso un corrispettivo dei microcosmi di cui parlavo prima; è l’infinitesimale, del tempo e dello spazio, la base di questo iperrealismo personale, non “da cartolina” o “da ritratto”.

 Che ruolo hanno le persone che compaiono nei tuoi lavori? Sento un senso di straniamento anche quando sono in gruppo.

Le figure escono dalla continuità e vanno ad interpretare una situazione topica in una composizione troppo “giusta” per essere vera, con i segni (per “segno” intendo tutto ciò che viene raffigurato) che concorrono ad una rappresentazione scenica artificiosa e volutamente significante in ogni singolo elemento. Dal punto di vista strettamente pratico, mi piace coinvolgere persone più o meno vicine a me nei miei lavori. Famigliari, affetti, conoscenze occasionali, persone scelte “ad hoc” e che gentilmente si sono offerte, come il grande Don Gallo che comparirà nel ruolo de “Il pescatore” in una mostra tributo a Fabrizio De Andrè che sto preparando e che probabilmente verrà inaugurata nella tarda primavera del 2013.

 Mi è piaciuta molto “La casa di sabbia”. Parlamene.

“La casa di sabbia” è uno dei quadri più “caldi” che io abbia mai realizzato, qualcuno ha detto addirittura “rinascimentale”, riferendosi alla composizione e alla silhouette della figura femminile. E’ un quadro molto piccolo (40x40cm) ma molto completo, perché oltre all’aspetto figurativo ha anche un secondo livello di studio in cui ho analizzato la resa del riflesso su di una vetrata in controluce; all’interno della sagoma di donna si può intravedere ciò che sta al di qua del vetro, cioè un cucinino (vi si possono scorgere le piastrelle al muro, una bottiglia di vino, una tendina sotto il piano cucina dove presumibilmente sta la spazzatura). Per quel che concerne il titolo, si riferisce alla costruzione in riva al mare appena visibile all’estremità destra del quadro, nella direzione dello sguardo della donna; non saprei dirvi se la casa è davvero di sabbia o no, ma l’idea che lo sia mi evoca una sorta di “metafisica del tempo”, tra l’inafferrabile e l’eterno, che trovo affascinante.

 In “Reality” un uomo è su un divano, le mani a coprire il volto e vediamo tutto ciò nello schermo di un televisore. E’ il riflesso di un interno domestico, un programma proiettato in quel momento, o forse entrambe le cose? Perché?

E’ il riflesso su un televisore spento, come suggerito dalla lucetta rossa. Ma che sia spento o acceso, in termini di messaggio, poco importa; mi interessava la confusione tra immagine reale e immagine nella scatola, che è una confusione in atto ogni qualvolta si accende la tv e la si segue nell’abbandono delle personali facoltà critiche.

Chi sono gli artisti che ti hanno influenzato? Cosa devi loro?

Ogni forma d’arte mi influenza e tendo ad ammirare qualunque artista. Ho scelto di preparare la mostra tributo a De Andrè perché ascoltando i suoi versi avevo formulato una valanga di immagini mentali. Così come il cinema, in termini di composizione visiva, non smette mai di ispirarmi (penso alle splendide immagini di un Kubrick, un Kieślowski). Tra i grandi della storia della pittura, chi mi soccorre continuamente tra le complessità della resa tonale e del colore sono gli Impressionisti; ho anche (inevitabilmente) studiato i grandi del realismo americano come Edward Hopper e tutta la successiva scuola dell’Iperrealismo che ho scoperto con le opere di Richard Estes. In generale, apprezzo molto gli innovatori, anche se non strettamente legati alla pittura (un nome per tutti è quello di Marcel Duchamp) e tra i grandi classici, se devo scegliere due quadri, dico il “Cristo morto” del Mantegna (1475 ca.) e “La zattera della medusa” di Géricault (1819).

L’arte ha migliorato la tua vita? In che modo?

Credo di sì, perlomeno sono felicissimo di avere sviluppato una certa sensibilità, non solo dal punto di vista tecnico ma soprattutto nel guardare, nel “vivere” le cose, alla ricerca della bellezza anche laddove sembrerebbe non esserci.

Chi saresti se non fossi un artista?

Domanda difficile. Non saprei. Ma se proprio dovessi pensare a una vita senza arte, allora dovrei cercare un modo per meravigliarmi lo stesso. Torno bambino e dico: vorrei fare l’astronauta!

Dai un consiglio a qualcuno che si stia avvicinando al tuo stesso mondo.

Osservare, osservare, osservare. Chi guarda bene è a metà dell’opera. “Fare” non è difficile, guardare bene invece sì, perché nell’economia generale di ciò che vediamo l’occhio nasconde sempre qualche insidia, facendoci sembrare inclinate linee che invece non lo sono, raddrizzandone altre che sono curve, restringendo ciò che è grande o ingrandendo ciò che è piccolo. Inoltre bisogna allenarsi, avere il bagaglio tecnico più ampio possibile perché esso non è mai ampio abbastanza, che si vogliano fare minuziose riproduzioni realiste oppure violenti buchi nelle tele. Infine, essere curiosi e scovare meraviglie ovunque.

C’è qualcosa che manca nella tua vita?

Ho l’attitudine ad assorbire tutto come un arricchimento; perciò raramente mi è capitato di sentire un vuoto, perché tendo ad essere positivo e soprattutto propositivo. Talvolta ho una strana nostalgia che rimanda ad epoche che non ho vissuto, come la Parigi degli impressionisti o l’America dei “Born to be Wild”; se avessi lavorato sul set di “Ritorno al futuro”, probabilmente avrei rubato la DeLorean!

(Images  © Davide Battaglia)

More of Davide Battaglia’s work here

Text and photos by Sandra van Hoek

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Over thousands of years, bears have been pointed out as dangerous beasts.
Meat eaters, ruthless, rampaging camps, backyards and homes only in search of food, killing everything that comes in their way. The coliseum in Rome most likely has a graveyard with hundreds if not thousands bone parts of large animals, including brown and black bears. Who at one point possibly staged a fight against one of the most highly educated men: the Gladiators as an entertainment sport for the public. Even the Norsemen often called “berserker” would dress in a bears fur in order to seem powerful and immortal, only provoking war on small villages onto innocent lives, thus making these villagers believe that bears are vicious creatures? Over centuries the bear in general has been pointed out only as this, nothing less or more. However, what if all this is misinformation to justify our actions and make people believe they can shoot an animal or lesser their behavior in which to run away and fear such an animal? What if this does not truly describe their social behavior? Or the facts that they tend to have the intelligence as some zookeepers are claiming of the great Ape?
I don’t think each human posesses the gift to communicate/sense with an animal, nor being able to feel their emotions of a wild animal. In part, we are becoming too consumed in our lives to even pay attention to the behavior and antics and what they truly interpret of any animal. But this is exactly that. While I did not anticipate a black visitor this last summer, it was an extraordinary moment between two living things on this planet. The respect, patience and acceptance of one another, without either one feeling in danger or a threat, made this possible to come this close to a wild black bear. Admit tingly I do live in the forest of New Hampshire (USA) which gives me opportunities often not given in more rural areas or where these bears do not exist. Thus, I tend to let the animals come to me, instead hunting them down like some wild scavenger in the deep forest. Feeding is also a sensitive issue, as having given him peanuts on several occasions, I feel it is not a good example nor human food the best natural diet any animal should consume. It’s not so much to say, that they become dependent on our feeding frenzy, but rather they become bait and easy prey for licensed/poachers hunters whom often feed bears to trap them in order to shoot the animal or people not
seeing nor sensing the so called boundary each living species has around them. Which by the way, we humans also have. Eventually an animal does tend to attack if a human crosses this so called “radius” around them. We can easily ask ourselves; would you enjoy others meddling and coming too close into your personal life, deciding and harassing you? Only for you to endure all this without acting on it? One can abide this rule to each living “thing” easily and this includes a bear.

That said, how would an animal for instance survive. If humans encroach and take away their natural food source for our own survival, only for the animal to be forced to locate the honey or corn in the fields that we in turn are dependent on likewise and eventually kill the bear because we feel threatened by it, as he can no longer find nor seek what they should be consuming in the wild. The so-called cycle is broken on the planet and sadly this had been going on for a very long time from all aspects. Because, each of us uses a plane, which in turn needs fuel. Again the fuel being harvested possibly in protected nature areas, just to reach our destination. We drive a vehicle and continue to exploit without even knowing or sensing. A total chain reaction in which each of us is involved.

On a hot summer day, as I was sitting outside in the morning hours. Enjoying my cup of coffee, when the bear came walking right up to the house. Which by the way, he had been doing so for the past weeks. A young bear with some behavioral problems I assumed, as usually they tend to learn from their mothers, right from wrong and being educated to fear humans. However, there was no mother bear anywhere to be seen. On several occasions he would try to get into the chicken coop or play with the doorbell of the house, using his front paws, while standing on his back legs so humanlike, it reminded me of a Mike Tyson training for the big game.  Boredom and curiosity obviously won and I could not help but sit nearby on a tree stump with my camera at hand on a constant basis, making sure he would not try anything more ridiculous. Trying to get closer meant he would attempt to climb a tree out of fear I would get too close and cause him harm, natural instinct kicking in, as it seemed he even could understand the tone of my voice. Crawling up several meters onto a pine tree, only realizing I was still on the same spot
as before, he would slide back down with his plump bum onto the ground. Hide and peek around the tree, looking where I was and what I’d do next. Eventually after 30 min. he would go about his curiosity of exploration while keeping a comfortable distance from me by giving him the choice of distance between the two of us. Sometimes he would even visit during heavy rains, sitting nearby a tree, licking off the wet substance from his snout and fur and continue his route further deep into the forest only to reappear the following day. Slurping from the Pond filled with water, we created nearby on our private property.

On a different occasion he would be so warm and dehydrated he actually went under the water hose to cool off. But mostly we both would just sit there, keeping our invisible distance and he’d do his thing, from scratching his ears and tummy, to him being bitten by mosquitoes and lashing out around himself towards invisible midgets, just like what a human would do. Giving me rather the chance to show a bear for a short moment, that is in fact harmless and content and more respectful towards humans then previously assumed. That if you give him the space and the natural source they need. There is in fact no danger to be considered. Animals, in particular bears were not created on this earth, to be
hunted by humans nor them attacking us on constant basis. The meat needs to be processed in ways not typical to regular livestock meat. Each year hundreds of bears become victims to poaching, due to Gallbladders and fur. A bear paw can legally be sold in NH for several hundred dollars. Roads that cause collisions in which several people this year alone already were killed due to bears crossing the roads. With their excellent memory, having one bad experience with one single human can cause any bear to become weary and distrusting towards every human. Overall I’m not a licensed Bear expert but one does not need to be in order to understand or have compassion. It entirely depends on our concept and how we are able to interact with nature and her creatures. But most importantly, attempting to appreciate their body language and their needs and understanding that we actually do not need to destroy nor force something on such majestic creature in the wild.-

At time of publishing Sandra informed us she was afraid this one particular bear has been shot and is no longer with us. “We had some target shooting and hunting season and suddenly stopped coming. I am hoping he managed to find a good place in the forest.  Only spring will tell..”

Sandra van Hoek is a nature photographer originally from Germany and currently residing in New Hampshire and out West of the US whenever possible. She’s traveled to the Arctic in hopes of catching a glimpse of Polar bears at Churchill Canada and traveled around the globe to Kamchatka, Russia. Scaling active volcanoes and wandering between brown bears. Visited many national parks within North America and travelled throughout Europe. Her images have been presented in National Geographic, Nature’s best photograph magazine online, Wilderness Society and Merzeta online.

More of Sandra`s work HERE

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 Keiko McCartney is 19 years old. She is Spanish and she studies German Studies at University. In her free time she is  a photographer and a writer. 

[Traduzione in italiano in basso]

Hi Keiko! How did you come to photography?

Hi! Well, when I was a child I used to see my father taking pictures. One day I told myself: “hey, why not go nuts with this?” and that was the way I started taking photos. Who would imagine it?

Are there photographers and other artists who influenced you?

Of course there are! In my everyday I get inspired by a lot of artists and photographers, even by the people who are around me!

On your site you wrote: <<Music, cinema and literature are the big components of my infinite imagination! >>. You study German studies and you are Spanish. Do all these cultural elements play a role in your art?

Definitely yes. I am a girl who is always looking for new things. I’m obsessed with the stuff that is beyond my reach. I feel much fascination by the power of creativity. I think that if you wanna create something unique and extraordinary, you just have to combine contrary elements and catch the perfect way to make them flawless. Perhaps that’s why I mix magic with realism or absurdity with beauty.

I love your works because there is something uncanny in them: dolls, feathers, a tornado, a man with a schythe who presumably has punched the sky with it! Tell us more about them.

Well, actually is very easy: when I have an idea I must recreate it as I conceive it in my mind. But to be honest, I never want to make  it perfect. I just want to show what is going on in my head. The pictures I usually show are products of a momentary inspiration. I just try to write a story with images. I am a girl with a punch of imagination and I feel the constantly desire from express everything with weirds pictures and screwy words.

Why do you pose many models in abandoned houses or upsetting natural places?

Because I love that kind of creepy places: they are pretty awesome and so inspiring!

I noticed many models of yours shut their eyes or someone does it. Sometimes they wear a mask or a bandage. Sometimes they look down. Why?

Because most of my ideas are the meaning of melancholy thoughts and longings. With photography I like to manifest the fears of the human being.

By the way, who are your models?

I love to exploit my friends, my dear muses, people who want to be photographed by me and sometimes myself.

Analogue or digital?

Digital, although I am recently interested in analogue.

I love your series <<Magic realism>>, it reminds me of German literature, I also studied it, I think about E.T.A. Hoffmann. Am I right in thinking you drew your inspiration from it?

Hmmm, I actually stole the real concept from the writer Gabriel García Márquez. He is one of my favourites writers and whenever I read a book of his I get so inspired. But I have always loved the romantic era, I feel very identified with it. Hoffmann was a superb romantic writer, I can’t deny that one day I will be pleased to recreate something based on ‘Die Elixiere des Teufels’ or ‘Lebensansichten des Katers Murr’ (or both).

What do you miss the most in your life?

Something I have never met.

What are your goals for the future?

To live doing what I love the most!

A question you will never answer to, is…

I have to keep the secret!

(Images © Keiko McCartney)

More of Keiko McCartney’s work here

**Italian Translation**

Keiko McCartney ha 19 anni. E’ spagnola e studia germanistica all’università. Nel tempo libero è fotografa e scrittrice.

Ciao Keiko! Come sei arrivata alla fotografia?

Ciao! Beh, quand’ero bambina vedevo spesso mio padre scattare delle foto. Un giorno dissi a me stessa: “Ehi, perché non darci dentro con questa roba?” e questo fu il modo in cui iniziai a scattare foto. Chi avrebbe potuto immaginarlo?

Ci sono fotografi e altri artisti che ti hanno influenzato?

Naturalmente! Nella mia vita di tutti i giorni traggo ispirazione da un sacco di artisti e fotografi, oltre che dalle persone che mi circondano!

Sul tuo sito hai scritto: “Musica, cinema e letteratura sono i grandi ingredienti della mia infinita immaginazione!” Studi germanistica e sei spagnola. Tutti questi elementi culturali giocano un ruolo nella tua arte?

Assolutamente sì, sono una ragazza che cerca costantemente cose nuove. Sono ossessionata con ciò che è al di là della mia portata. Mi sento molto attratta dal potere della creatività, penso che se vuoi creare qualcosa di unico e straordinario, devi solo combinare elementi opposti e afferrare la maniera perfetta di renderli impeccabili. Forse questa è la ragione per cui mescolo magia e realismo o assurdità e bellezza.

Amo i tuoi lavori perché hanno qualcosa di perturbante: bambole, piume, un tornado, un uomo con una falce che ha apparentemente forato il cielo con quella! Dicci di più a riguardo.

Beh, in verità è piuttosto facile: quando ho un’idea devo ricrearla così come l’ho concepita nella mia mente. Ma per essere onesta, non voglio mai renderla perfetta. Voglio solo mostrare cosa sta accadendo nella mia testa. Le foto che mostro di solito sono prodotti di un’ispirazione momentanea. Provo solo a scrivere una storia con le immagini. Sono una ragazza con pugno di immaginazione e sento il desiderio costante di esprimere ogni cosa con immagini strane e parole caotiche.

Perché metti in posa molti modelli in case abbandonate o luoghi naturali inquietanti?

Perché amo quel genere di posti spaventosi: sono parecchio eccitanti e così ispiranti!

Ho notato che molti dei tuoi modelli chiudono gli occhi o qualcuno glieli chiude. A volte indossano una maschera o delle bende. Altre volte guardano verso il basso. Perché?

Perché gran parte delle mie idee sono la trasposizione di pensieri malinconici e voglie. Con la fotografia mi piace rendere visibili le paure dell’essere umano.

A proposito, chi sono i tuoi modelli?

Amo sfruttare i miei amici, le mie care muse, persone che vogliono essere fotografate da me e a volte me stessa.

Analogico o digitale?

Digitale, anche se di recente mi sono interessata all’analogico.

Amo la tua serie “Realismo magico”, mi ricorda la letteratura tedesca, l’ho studiata anch’io, penso a E.T.A. Hoffmann. Ho ragione a credere che tu abbia tratto ispirazione da là?

Hmmm, in verità ho rubato la vera idea dallo scrittore Gabriel García Márquez. E’ uno dei miei scrittori preferiti e ogni volta che leggo un suo libro ne sono così ispirata. Ma ho sempre amato l’età romantica, mi ci identifico molto. Hoffmann era uno scrittore romantico superlativo, non posso negare che un giorno sarei molto felice di ricreare qualcosa di basato su “Gli elisir del diavolo” o “Il gatto Murr” (o entrambi).

Cosa ti manca di più nella vita?

Qualcosa che non ho mai incontrato.

Quali sono i tuoi obiettivi per il futuro?

Vivere facendo ciò che amo di più!

Una domanda alla quale non risponderai mai, è…

Devo mantenere il segreto!

Kevin Bauman was born in 1972 in metropolitan Detroit, Michigan. Raised by an artist and an architect, he was introduced to art and creativity at an early age. In 1996 he discovered photography, and have been working in the medium ever since. He has worked in the traditional darkroom in both black and white, and color, as well as digitally. Currently his personal projects are done primarily with an old Hasselblad using color negative film, which is then scanned, and printed out using inkjet or LightJet style printers.

His current projects include 100 Abandoned Houses, focusing on abandoned houses in Detroit, Michigan, and Detroit’s Small Churches, a series on the adaptive reuse of small structures as small churches. Other photographic topics include industrial Detroit, and Detroit night scenes. Much of his work has focused on his former hometown of Detroit. His interest in Detroit developed early as a basic curiosity of the economic on social hardships the city has faced for decades. In an attempt to understand the state of the city, he has continued to photograph the area as its economic decline has accelerated.

[scroll down for italian translation]

 The abandoned houses project began innocently enough a little over ten years ago. I actually began photographing abandonment in Detroit in the mid 90’s as a creative outlet, and as a way of satisfying my curiosity with the state of my home town. I had always found it to be amazing, depressing, and perplexing that a once great city could find itself in such great distress, all the while surrounded by such affluence.

Brush Park, on the outskirts of Detroit’s entertainment district had always been an area of interest to me. For as long as I can remember, the area, filled with large houses and mansions, sat largely abandoned just a stones throw away from the Fox Theater, and not far from Wayne State University, the Masonic Theater, and even the central business district. How could an area that was, obviously, once a wealthy enclave in the city become an example of the downfall of American cities?

For years the area had signs advertising the redevelopment that was about to take place. Around 2000 it finally began to happen with the construction of the new ballpark for the Tigers, and Ford Field for the Lions. New condos and town homes began to appear amidst the rubble of burned out mansions turned apartments. Some of the houses were so large they became “loft condos”.

As the entertainment district flourished, and Brush Park began to transform into something new, I realized the other approximately 135 square miles of Detroit was largely ignored. The excitement about Detroit’s “rebirth” took center stage, while much of the rest of the city was becoming largely abandoned. Even Brush Park itself was still largely abandoned, but with the remaining tenants of Brush Park buildings being pushed out, and many of the old houses torn down, I moved on to other areas, where Detroiters were attempting to make a life among abandoned and burned out houses.

Often times, the neighborhoods were almost completely abandoned. In those neighborhoods I encountered concerned citizens, packs of wild dogs, 20 foot high piles of toilets, and houses with the facades torn off, filled with garbage.

Often times only one or two houses remain in entire neighborhood blocks. In other areas all of the houses are abandoned, and some of the blocks now resemble prairies more than the neighborhoods they once were.

It is sadly ironic, that a city with such poverty, and a major homeless problem would have so many abandoned houses. It would seem that cheap empty homes could house the poor and  homeless, but the situation is difficult. Some of the houses are foreclosed on by the banks that own the mortgages, while others are abandoned after crime, vandalism, and arson drive the occupants out. 

When the owners decide to get out, selling is often not an option. The houses are often run down and surrounded by others in even worse shape. The houses are often worth less than the amount owed on them, and even if they aren’t, it’s possible nobody will buy them. 

Fixing up houses, and giving them to needy families seems like an obvious solution, but many areas are dangerous, have no grocery stores, and are not patrolled by police. Furthermore maintaining a house in Detroit is not cheap. It’s hot and humid in the summer, and very cold, and often wet, in the winter. Houses, if not maintained, will decay fairly quickly.

Some of the more recently abandoned houses were, in fact, Habitat for Humanity types of low income housing. While the idea of housing the poor and homeless in cheap houses is appealing, it is much more difficult in practice.

Early on, as the number of images grew, and a documentary style emerged, I switched from mostly black and white, to color, and decided to name the series 100 Abandoned Houses. At the time, 100 seemed like a lot, although the number of abandoned houses in Detroit is more like 12,000. Encompassing an area of over 138 square miles, Detroit has enough room to hold the land mass of San Francisco, Boston, and Manhattan Island, yet the population has fallen from close to 2 million citizens, to just over 700,000. With such a dramatic decline, the abandoned house problem is not likely to go away any time soon.

(Images © Kevin Bauman)

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***Traduzione Italiana***

Kevin Bauman è nato nel 1972 nella metropoli di Detroit, Michigan. Cresciuto da un artista e da un architetto, è entrato in contatto con l’arte e la creatività fin dall’infanzia. Nel 1996 ha scoperto la fotografia e ha lavorato con questo mezzo da allora. Ha lavorato in camera oscura sia con il bianco e nero che con il colore, e allo stesso modo con il digitale. Al momento, i suoi progetti personali sono realizzati per lo più con una vecchia Hasselblad, usando pellicola negativa a colore, che è poi scannerizzata, e stampata usando stampanti a getto d’inchiostro o modello Lightjet. I suoi progetti attuali includono 100 Abandoned Houses (100 case abbandonate), in cui si focalizza sulle case abbandonate di Detroit, Michigan, e Detroit’s Small Churches (le piccole chiese di Detroit), una serie sul riutilizzo adattivo di piccole strutture come piccole chiese. Altri soggetti fotografici comprendono la Detroit industriale e scene di vita notturna a Detroit. Gran parte del suo lavoro è stato mirato sulla sua vecchia città natale, Detroit. Il suo interesse per Detroit si è sviluppato all’inizio come curiosità di base per le difficoltà economiche e sociali che la città ha affrontato per decenni. Nel tentativo di capire la condizione della città, ha continuato a fotografare la zona man mano che il suo declino economico è avanzato.

Il progetto “abandoned houses” è iniziato in sordina poco più di dieci anni fa. A dire il vero, ho iniziato con il fotografare lo stato di abbandono di Detroit della metà degli anni Novanta come sfogo creativo, e come un modo di soddisfare la mia curiosità riguardo la condizione della mia città natale. Ho sempre pensato che fosse sorprendente, deprimente e sconcertante che una città una volta grande si ritrovasse in una tale condizione di emergenza, tutto mentre era circondata da una tale ricchezza.

Brush Park, alla periferia del distretto del divertimento di Detroit, è sempre stata una zona di grande interesse per me. Per quanto io riesca a ricordare, la zona, piena di grandi case e ville, si trovava in gran parte abbandonata, proprio come una pietra gettata via dal Fox Theater, e non lontano dalla Wayne State University, il Masonic Theater, e persino il distretto centrale degli affari. Come poteva una zona che una volta, ovviamente, era una opulenta enclave, divenire un esempio del tracollo delle città statunitensi?

Per anni la zona ha avuto segnali che indicavano la ricrescita che stava per avvenire. Intorno al 2000, finalmente iniziò a succedere, con la costruzione del nuovo stadio per i Tigers, e Ford Field per i Lions. Nuovi condomini e villette a schiera cominciarono ad apparire in mezzo ai detriti delle ville bruciate e trasformate in appartamenti. Alcune delle case erano così grandi che divennero “condomini loft”. Man mano che il distretto del divertimento prosperava, e Brush Park iniziava a trasformarsi in qualcosa di nuovo, capii che gli altri circa 217 km2 di Detroit venivano per lo più ignorati. L’eccitazione per la “rinascita” di Detroit aveva catturato il centro della scena, mentre larga parte del resto della città era diventato sempre più deserto. Persino lo stesso Brush Park era ancora ampiamente abbandonato, ma con i restanti inquilini dei palazzi di Brush Park buttati fuori, e molte delle vecchie abitazioni buttate giù, mi spostai in altre zone, mentre i cittadini di Detroit cercavano di vivere in mezzo a edifici abbandonati e bruciati. Spesso, i quartieri erano deserti quasi per intero. In quei quartieri incontravo cittadini preoccupati, branchi di cani randagi, cumuli di gabinetti alti sei metri e case con le facciate buttate giù, piene di spazzatura.

Un sacco di volte solo una o due case restavano per interi isolati del quartiere. In altre zone, tutte le case erano state abbandonate e alcuni isolati sembravano praterie più che i quartieri che una volta erano.

E’ tristemente ironico che una città con una tale povertà e un serio problema di senzatetto abbia così tanti edifici abbandonati. Sembrerebbe che case vuote ed economiche potrebbero ospitare i poveri e i senzatetto, ma la situazione è difficile. Alcune case sono state pignorate dalle banche che detenevano le ipoteche, mentre altre sono state abbandonate dopo crimine, vandalismo, e incendio doloso che hanno buttato fuori gli occupanti. Quando i proprietari decidono di andarsene, spesso vendere non è una scelta contemplabile. Le case di solito sono svalutate e circondate da altre ridotte in condizioni se possibile peggiori. Le case spesso sono stimate meno di quel che è stato pagato per acquistarle, e anche se non lo sono, è facile che nessuno voglia comprarle. Sistemare le abitazioni e darle a famiglie bisognose sembra una soluzione scontata, ma molte zone sono pericolose, non hanno negozi di alimentari, e non sono sorvegliate dalla polizia. Inoltre, mantenere una casa a Detroit non è economico. Fa caldo ed è umido in estate, e molto freddo, spesso piovoso, in inverno. Le case, se non sottoposte a una continua manutenzione, si rovinano molto rapidamente. Alcune delle più recentemente abbandonate case erano, in effetti, l’habitat per tipi umani dalle poche entrate. Mentre l’idea di ospitare i poveri e i senzatetto è interessante, nella pratica essa è molto più complicata da realizzare.

Agli inizi, mentre la quantità di immagini cresceva, e veniva fuori uno stile documentaristico, sono passato da foto per lo più in bianco e nero al colore, e ho deciso di chiamare la serie 100 Abandoned Houses. All’epoca, 100 sembravano un sacco, sebbene il numero delle case abbandonate a Detroit sia di circa 12000. Abbracciando una zona di circa 222 km, Detroit ha abbastanza spazio per contenere la popolazione di San Francisco, Boston e dell’isola di Manhattan, nonostante la popolazione sia decresciuta da circa 2 milioni di abitanti a poco sopra i 700000. Con un declino così drammatico, il problema delle case abbandonate non sembra destinato a trovare una soluzione molto presto.

Ruedi Beckmann studied communication designs at a private school in 1991-1994 and illustration at University of Applied Sciences in 1995-2005 in Hamburg. Since then he is living and working as a graphic designer there. Since 1998 he has been seriously working as an artistic photographer.

[scroll down for italian translation]

In 2010 he published Beyond Vanity-Jenseits von Eitelkeit, a photographic book. As Ruedi wrote on his site, “The main objective has been to capture a real possible emotion.
Usually, photographers deal with surfaces, but it has become more and more important to go beyond that.” In order to achieve that, Ruedi does not force his models and let them free to express themselves in front of his camera. He focuses on the moment rather than on concepts and themes: he prefers seizing the day and capturing the soul of his models.

Ruedi Beckmann thinks photography should not only focuses attention on something superficial, it should be something deeper. For this reason he observed a group of women between 16 and 25 (some older) during years. His aim was to portray 12 years of human life, not only his models’ but also autobiographically. In fact Ruedi realized an important book (268 pages) whose goal is not to be just a “coffee table book” but a tool to taking some time to think about its concept: exploring “everyone’s very own personal beauty”.

“I like the idea that a picture only shows a single moment of a person’s life”, Ruedi writes on page 10 of his book. He wrote also his diploma thesis about “internal and external view”: he is very interested in capturing a single moment in a person’s life through his camera, being aware of the uninterrupted development of human personality. Moreover that frozen moment allows to tear down our own walls of prejudice, achieving a new self-understanding by analizing the photograph: usually women who were asked by Ruedi to be portrayed answered they were not such a beauty and not at all photogenic.

People instead should go beyond that, reaching a different layer. For Beckmann it is interesting to see how much cleverer and stronger people feel after a period of crisis: this involves also a transformation of their self-image. Going deeper, people are able to find differences between what education forced them to do and what they really think: “Fears and complexes vanish, and you evolve to be an equal partner with respect and love for your match.”

Often this new self-image brings people to feel lost for a while. They are not accustomed to deal with this new form of ego, so they trick their vanity or they are blocked up. But in the end everyone a natural curiosity to find out more about her/himself. For this reason during every session Ruedi coped with approximation and distance but he finds interesting what he learned about himself and others: “people stick to the first obstacle of allowing your own beauty for such a long time. It reminds me a little of being new at school: you know absolutely nothing and are terrified that someone might realize that. After a while you acknowledge this problem you are having with yourself, you start to think ahead and finally manage to liberate yourself from this problem.“

(Images © Rüdiger Beckmann)

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***Traduzione Italiana***

Ruedi Beckmann ha studiato design e comunicazione in una scuola privata dal 1991 al 1994 e illustrazione all’Università di Scienze Applicate di Amburgo. Da allora ha vissuto e lavorato là come designer grafico. Dal 1998 lavora seriamente come fotografo d’arte.

Nel 2010 ha pubblicato Beyond Vanity-Jenseits von Eitelkeit, un libro fotografico. Come Ruedi ha scritto sul suo sito: “l’obiettivo principale è stato di catturare una emozione vera e possibile. Di solito, i fotografi hanno a che fare con le superfici, ma è diventato sempre più importante andare al di là di questo”. Per arrivare a ciò, Ruedi non forza le sue modelle e le lascia libere di esprimere se stesse davanti alla sua fotocamera. Si focalizza sul momento piuttosto che sui concetti e le tematiche: preferisce cogliere l’attimo e carpire l’anima delle sue modelle.

Ruedi Beckmann pensa che la fotografia non dovrebbe concentrare l’attenzione su qualcosa di superficiale, dovrebbe essere qualcosa di più profondo. Per questo motivo, ha osservato un gruppo di donne tra i 16 e i 25 anni (alcune più anziane) nel corso degli anni. Il suo scopo era ritrarre dodici anni di vita umana, non solo quella delle sue modelle ma anche in senso autobiografico. In effetti Ruedi ha realizzato un libro importante (268 pagine), il cui obiettivo non è di essere solo un libro di lusso, bensì uno strumento per prendersi del tempo per riflettere sulla sua ragion d’essere: indagare “la reale bellezza personale di ognuno”.

“Mi piace l’idea che una fotografia mostri soltanto un singolo momento della vita di una persona”, scrive Ruedi a pagina 10 del suo libro. Ha scritto anche la tesi del suo diploma su “visione interna e esterna”: è molto interessato a catturare un singolo momento nella vita di una persona attraverso la sua fotocamera, essendo consapevole dello sviluppo continuo della personalità umana. Inoltre, quel momento congelato consente di abbattere le nostre barriere di pregiudizio, ottenendo una nuova consapevolezza di sé, analizzando la fotografia: di solito le donne cui Ruedi ha chiesto il permesso di ritrarle hanno risposto che non erano una gran bellezza e che non erano per niente fotogeniche.

Le persone invece dovrebbero andare al di là di questo, raggiungendo un livello ulteriore. Per Beckmann è interessante vedere quanto più intelligenti e forti le persone si sentano dopo un periodo di crisi: questo implica anche una trasformazione della loro immagine di sé. Andando più a fondo, le persone sono in grado di tracciare differenze tra ciò che l’educazione le forza a fare e ciò che davvero pensano: “Le paure e i complessi svaniscono, e ti evolvi per divenire un compagno alla pari con rispetto e amore per l’altra metà della coppia”.

Spesso questa nuova immagine di sé porta le persone a sentirsi per un po’ perse. Non sono abituate a venire a patti con questa nuova forma di ego, così scherzano con la loro vanità oppure si bloccano. Ma alla fine ognuno ha una curiosità naturale verso la scoperta ulteriore di se stessa/o. Per questo motivo, durante ogni sessione Ruedi ha avuto a che fare con approssimazione e lontananza, ma trova interessante ciò che ha imparato riguardo se stesso e gli altri: “le persone si fermano al loro primo ostacolo per molto tempo, prima di lasciar fuoriuscire la loro vera bellezza. Mi ricorda un po’ di quando si è nuovi a scuola: non sai assolutamente nulla e sei terrorizzato che qualcuno possa accorgersene. Dopo un po’, ti rendi conto di questo problema che hai con te stesso, inizi a pensare in prospettiva e alla fine riesci a liberartene”.

Andrea Torelli, fotografo e trentino anomalo, come lui stesso ama definirsi. “Sento la necessità di confrontarmi in nuove sfide stimolanti quindi girare l’Italia e il mondo per ogni tanto tornare a casa e bere l’acqua buona. Ora mi dedico alla fotografia a tempo pieno, in passato ho anche lavorato in palestra e cucinato.”    

Intervista di Lucia Ferrazzano

Come ti sei avvicinato alla fotografia?

Mio padre me l’ha fatta scoprire, lui sviluppava e stampava in casa, mentre io vivo in un’epoca digitale e più comoda. Credo però che il mio breve passato analogico si possa vedere nelle mie scelte fotografiche. Un amico poi mi ha aperto altri orizzonti. L’evoluzione e l’involuzione in un fotografo sono fattori naturali, guardando i lavori nel tempo si possono notare molti cambiamenti ma anche molti punti fermi. Possono cambiare i gusti ma non la sensibilità. Un po’ come ascoltare la discografia di una band.

Ricordi quale è stato il tuo primo scatto? E quando? 

Da bambino scattavo con un paio di 6×6 di mio padre, mi affascinava guardare dall’alto e vedere il mondo al contrario. La prima foto digitale invece dev’essere stato sicuramente un autoscatto nudo.

Qual è la tua attrezzatura?

Prediligo visuali ampie e amo il risultato di focali 35mm, quindi ultimamente non la stacco più dal corpo. Inoltre ho sempre con me una vecchia analogica p&s 35mm e una bottiglia di vino rosso.

Qual è l’artista  che maggiormente influenza i tuoi lavori?

Tra i fotografi, Juergen Teller non mi stufa mai

Quante e quali sono i fattori che influenzano il tuo modo di scattare?

Due fattori: la quotidianità influenza sempre il mio modo di scattare, nel senso che propone nuove idee e impulsi. Non sono uno da studio e noiose pose standard, quelle le lascio ai ceramisti. Quindi mi sono fondamentali l’atmosfera che si crea con chi ho davanti e l’umore della giornata. Inoltre conoscere e collaborare con fotografi di vari settori (reportage, moda, eventi…) mi ha dato modo di rubare dei piccoli dettagli e modellarli nella mia testa per arricchire la mia tecnica.

Nella maggior parte delle tue fotografie sono ritratte delle donne, come scegli i tuoi soggetti?

Fotografare donne è più facile: sono suggestive, sensuali, narcise. Recentemente sto ritraendo anche molti ragazzi, dopotutto sono narcisi anche loro. Generalmente non scelgo solo in base alla bellezza, mi interessa di più che chi ritraggo sia interessante, attivo, sexy.

Molti dei tuoi scatti sono all’interno di abitazioni, é una scelta precisa o legata a delle necessità? 

E’ una scelta precisa: mi piace l’idea di ritrarre le persone nel loro habitat e al tempo stesso rivoluzionarlo. Uno dei momenti più stuzzicanti è frugare nel loro guardaroba e scegliere abbinamenti a cui non avrebbero mai pensato. Un altro dei segni caratterizzanti dei tuoi scatti é la luce. Utilizzi spesso luce artificiale e fondale naturale o poco illuminato. Nella mia testa esistono due emisferi: luce naturale (le mie origini, che porto avanti tutt’ora in maniera minore o concerti e scatti privati) e flash dritto nudo e crudo. Trovo più drammatico e provocante il risultato di ombre e colori dati dal flash montato direttamente sulla mia camera. Inoltre ti liscia la pelle.

Come nasce un tuo scatto?

Se ne ho la possibilità incontro prima la persona e a seconda di cosa mi trasmette decido il mood degli scatti. Poi improvviso, mi muovo attorno al soggetto e sudo. 

Non parlo mai di nudo, ma mi piace la pelle e se c’è sintonia viene naturale. Voglio decidere io tutto, il risultato deve piacere prima a me e di conseguenza a chi ritraggo. Se poi trasmette qualcosa anche agli altri, meglio.

Se potessi scegliere una collaborazione con un grande artista, con chi ti piacerebbe realizzarla?

Prince.

Se dovessi scegliere una definizione per i tuoi lavori, come ti piacerebbe venissero definiti?

Stimolanti.

Progetti per il futuro?

Conoscere gente, fare in modo che si piaccia fotografandola. Dopo diversi mesi passati in Indonesia ora mi metterò nuovamente in viaggio sperimentando due culture nuove per me e molto diverse tra loro.

More of Andrea’s work here

Mathieu Goussin and Hortense Le Calvez form an artist duo dedicated to creating submerged art installation. They live and work on their 40 years old sailing boat in the Mediterranean.  Mathieu Goussin before taking part in this adventure worked ten year in the merchant navy laying fiber optic cable. Hortense studied fine art at the Rietveld Academy of Amsterdam and Wimbledon College of Art of London. She is also a scuba diving instructor. 

[Traduzione in italiano in basso]

Interviewed by Chiara Costantino

Hi Hortense! Forlane 6 is not only where you and your partner Mathieu Goussin realize your works, but also where you live: what is it and why did you make this choice?

 Forlane 6 is the name of our 40 years old sailing boat we live on in the Mediterranean. We are currently based in Crete for the winter. It is from our sailing together that came the idea to work underwater. This is why we named our studio Forlane 6. Living on the boat to find places to work underwater is ideal, it gives us some much possibilities.

What are “submerged art installations” and where did you get the idea?

 The idea came from our discussion regarding all the random things we would see at the bottom of the sea such as plastic bags, old boots or dishes. We talked about what these objects would become and how they would eventually be a part of this underwater environment. At one point we decided to bring these thoughts to life. The Mediterranean is a very clear sea, with stunning rock formations and very little sea life, it was a perfect spot to install these imaginary creatures.

On your site you wrote that your work is inspired by Roman Signer and Susanna Majuri, by sculpture and photography. Why?

 Since the beginning of my studies I have always been mesmerized by the action sculpture concept of Roman Signer. I believe his work can speak to anyone on very different levels. Our work is inspired by his ephemeral works and the use of domestic objects activated by natural elements such as air or water. We also like the absurdity of his pieces that always bring a very humourous touch. The work of Susanna Majuri was a more recent find. We are interested in the fact she stages her work to really create a world of her own using photography.

 How do you use different media?

 Our work is a mix of sculptures, installation and photography. We very much enjoy this freedom of using a variety of ideas and materials to bring our concept across.

 There are some drawings on your site too. Tell us something about them.

 Drawing is something I have done since a very young age and it is still a moment of total freedom to me. I like to see these works as a necessary space of fantasy where I can let go of the conceptual and technical considerations. Most of time the sculptures will come from the drawings, but it also happens that I draw from work we previously did in order to step back and reflect from what was previously done.

I was struck with your “Air Spray”. How did you create that bubble effect?

 The air pumped into the sculpture comes from Mathieu’s air tank that he uses while diving. The air pressure is regulated and let into a hose, which goes into the metal structure. That is when the shower’s head activate and rise in the water.

 Which is the role of photomanipulation in your art?

 We use the raw format to shoot, which enable us to correct the white balance or exposure when the visibility underwater wasn’t crystal clear. Occasionally when we decide the image needs it, we remove some backscatter. However the sculptures are what they are and we do not alter the image on that level.

 You wrote that “objects seems to metamorphose and become organic creatures”. In fact “Blueberry Shake” has nothing to do with blueberries or something eatable but with a new generation of creatures: plastic glasses brought to life. Why?

 Blueberry Shake is made from an accumulation of plastic to-go cups surrounding LED lights. It is a representation of the left overs surrounding the typical natural healthy fruit shake. When we make the work it looks just like a pile of garbage but when submerged the structure underwater appears in a snake like shape. This is what we mean when we say the work seems to metamorphose in organic creatures. The shape of the work will be determined when placed underwater. This is when the sea becomes in control of the work and we are just capturing this moment with photography.

Is there no place left for humans in your art?

If you look at the current underwater imagery most of its artistic side reside in human representation like in fashion or even with the underwater sculpture park of Jason DeCaires. Our works aims to imagine what will be left of human activity rather then the people themselves. It is always so disturbing to think of the fact that a random plastic bag used for half a day will last more then 10 time longer than an average human life. To compare the time the object served its function to the time it takes to disintegrate is astounding. Humans are surrounded by an endless variety of mass produced objects. We are not doing this work from a particular political engagement; we are just trying to replace these objects in the context where they spend most of there existence.

 An interesting section of your site is “Making of”: why do you let other people see how you work?

 Our work is the outcome of an exchange and is not about personal introspection. Therefore we think our process and lifestyle is also a part of the work and we believe it is worth sharing. We are open to suggestions and collaborations so we don’t want our work to be obscure or unnecessarily mysterious. Furthermore, we enjoy seeing how other people’s work is made so why not do it ourselves.

 What are your goals as an artist?

 As an artist I guess we would like to participate to the idea that freedom is essential and that imagination is the heart of freedom. It might sound cheesy but we do believe that dreams are a necessary driving force.

Tell us something about your upcoming projects.

 We are making more works including lights and movements. Mathieu is building his own ROV (remote operated vehicle), and with this idea in mind we would like to make a series of autonomous sculptures with propellers that could be controlled by iPad to exhibit them in aquariums. We also would love to find an old shipwreck where we could build a large light and sound installation for divers. These are currently dreams but we hope that if we find the right venues and collaborators it could happen!

(Images © Hortense Le Calvez and Mathieu Goussin)

More of Hortense Le Calvez and Mathieu Goussin’s work here

**Italian Translation**

Forlane 6 è non solo il luogo dove tu e il tuo compagno Mathieu Goussin realizzate I vostri lavori, ma anche dove vivete: cos’è e perché avete fatto questa scelta?

Forlane 6 è il nome della nostra barca vecchia di 40 anni, su cui viviamo nel Mediterraneo. Al momento siamo ormeggiati a Creta per l’inverno. E’ stato dal nostro navigare insieme che è nata l’idea di lavorare sott’acqua. Per questo abbiamo chiamato il nostro atelier Forlane 6. Vivere su una barca per andare alla scoperta di posti dove lavorare sott’acqua è ideale, ci fornisce molte più possibilità. 

Cosa sono le “installazioni d’arte sommersa” e da dove avete preso l’idea?

L’idea è nata da una nostra conversazione su tutte le cose varie che avremmo visto in fondo al mare come buste di plastica, vecchi stivali o piatti. Abbiamo parlato di come questi oggetti sarebbero diventati e come sarebbero probabilmente diventati parte di questo ambiente sott’acqua. A un certo punto, abbiamo deciso di dar vita a questi pensieri. Il Mediterraneo è un mare molto limpido, con incredibili formazioni rocciose e molta poca vita marina, era un luogo perfetto per collocare queste creature immaginarie. 

Sul vostro sito avete scritto che il vostro lavoro è ispirato da Roman Signer e Susanna Majuri, da scultura e fotografia. Perché?

Dall’inizio dei miei studi, sono sempre stata ipnotizzata dal concetto di scultura in azione di Roman Signer. Credo che il suo lavoro possa parlare a chiunque su livelli molto diversi. Il nostro lavoro è inspirato dalle sue opere fugaci e l’uso di oggetti domestici attivato da elementi naturali come aria o acqua. Ci piace anche l’assurdità dei suoi pezzi, che portano sempre un tocco molto ironico. Il lavoro di Susanna Majuri è stato una scoperta più recente. Siamo interessati al fatto che metta in scena il suo lavoro per creare sul serio un mondo suo, usando la fotografia. 

In che modo usate media diversi?

Il nostro lavoro è un misto di sculture, installazioni e fotografia. Ci piace molto questa libertà di usare una gamma di idee e materiali per esprimere ciò che abbiamo dentro. 

Ci sono anche alcuni disegni sul vostro sito. Parlacene un po’.

Disegnare è qualcosa che ho fatto da quando ero molto giovane ed è ancora un momento di libertà totale per me. Mi piace vedere questi lavori come uno spazio necessario di fantasia, dove posso spogliarmi delle considerazioni concettuali e tecniche. Il più delle volte, le sculture derivano dai disegni, ma succede anche che tragga dei disegni da lavori che abbiamo fatto in precedenza, in modo da fare un passo indietro e riflettere rispetto ciò che è stato fatto prima. 

Sono rimasta colpita dal vostro “Air Spray”. Come avete creato quell’effetto con le bolle?

L’aria pompata nella scultura viene dalla bombola d’aria di Mathieu, che usa mentre fa immersioni. La pressione dell’aria è regolata e rilasciata dentro un tubo per annaffiare, che sfocia nella struttura di metallo. Così la pigna della doccia viene attivata e sgorga l’acqua. 

Qual è il ruolo della fotomanipolazione nella tua arte?

Scattiamo in formato raw, che ci consente di corregge il bilanciamento del bianco o l’esposizione quando la visibilità sott’acqua non era limpida e cristallina. A volte, quando decidiamo che l’immagine ne ha bisogno, rimuoviamo alcune radiazioni di ritorno. Comunque, le sculture sono ciò che sono e non alteriamo l’immagine da quel punto di vista. 

Hai scritto che “gli oggetti sembrano avere una metamorfosi e diventare creature organiche”. In effetti “Blueberry Shake” non ha nulla a che fare con I mirtilli o con qualcosa di commestibile, ma con una nuova generazione di creature: bicchieri di plastica che diventano vivi. Perché?

Blueberry Shake è fatto di una raccolta di tazze di plastica da asporto, circondate da luci LED. E’ una rappresentazione degli avanzi che circondano il classico, naturale e sano frappe di frutta. Quando facciamo il lavoro sembra giusto un cumulo di spazzatura, ma quando immergiamo la struttura sott’acqua, appare in una forma simile a quella di un serpente. Questo è ciò che intendiamo quando diciamo che il lavoro sembra trasformarsi in creature organiche. La forma del lavoro sarà definita quando sarà piazzato sott’acqua. Questo accade quando il mare prende il controllo del lavoro e noi stiamo semplicemente immortalando questo momento con la fotografia. 

Non è rimasto spazio per gli esseri umani nella vostra arte?

Se guardi all’attuale immaginario sott’acqua, la maggior parte del suo lato artistico consiste nella rappresentazione umana, come nella moda o persino con il parco di scultura acquatica di Jason DeCaires. Il nostro lavoro punta a immaginare cosa resterà dell’attività dell’uomo, piuttosto che le persone stesse. E’ sempre così allarmante pensare al fatto che una qualsiasi busta di plastica, usata per mezza giornata, durerà più che dieci volte tanto rispetto a una vita umana media. Fare un paragone tra il tempo che l’oggetto ha servito alla sua funzione e il tempo che ci vuole a degradarsi, lascia senza fiato. Gli esseri umani sono circondati da una varietà infinita di oggetti di produzione di massa. Non stiamo facendo questo lavoro per un particolare coinvolgimento politico: stiamo solo provando a rimpiazzare questi oggetti nel contesto in cui trascorrono la maggior parte della loro esistenza. 

Una sezione interessante del vostro sito è “Making of”:  perché lasciate che altre persone vedano come lavorate?

Il nostro lavoro è il risultato di uno scambio e non riguarda l’introspezione personale. Perciò pensiamo che il nostro processo e stile di vita sia anche una parte del lavoro e riteniamo che valga la pena condividerli. Siamo aperti ai consigli e alle collaborazioni, per cui non vogliamo che il nostro lavoro sia nascosto o misterioso senza motivo. Inoltre, ci piace vedere com’è fatto il lavoro degli altri, dunque perché non mostrare anche noi il nostro. 

Quali sono i vostri obiettivi come artisti?

Come artista, penso che ci piacerebbe partecipare all’idea che la libertà sia essenziale e che l’immaginazione sia il cuore della libertà. Potrebbe suonare banale, ma pensiamo che I sogni siano una forza trainante imprescindibile. Dicci qualcosa riguardo I vostri prossimi progetti. Stiamo facendo più lavori sulle luci e I movimenti. Mathieu sta costruendo il suo ROV (veicolo comandato a distanza), e con questa idea in mente ci piacerebbe realizzare una serie di sculture autonome con eliche che potrebbero essere controllate tramite iPad per esporle negli acquari. Ci piacerebbe anche trovare un vecchio relitto di nave, dove poter costruire una grande installazione di luci e suoni per subacquei. Al momento questi sono sogni, ma speriamo di trovare le giuste sedi e collaboratori per realizzarli! 

Once a month Fluster  will present again some of the best contris appeared on the magazine in the past years. here again for you Micha`s underwater world!

Micah Camara is 20 years old. Micah claims that the island of Kauai, Hawaii (where is currently living) is the most beautiful place in the world and looking at his pictures we think he is probably right…

When did you start taking pictures?

-I started when I was 18, about two years ago, when my sister found a Nikon D50 sitting at a scenic lookout, with no one around to claim it. I started toying around with it, taking it with me everywhere I went, and the rest is history.

What is photography for you?
-Photography for me is going about life in the best way I can, meeting all kinds of people along the way… sharing fun moments with them, and having the best possible time, and if I’m lucky enough I’ll be there to capture one of those moments. I think that life is so beautiful all around us, the beauty of nature is just BEGGING to be photographed, and sometimes we’re lucky enough to enjoy it.

Who/what is your inspiration?

-I’ve been an artist since the day I could hold a pencil in my hand. Ever since I was a little kid, I’ve been fascinated with the Earth and the beautiful things that can come from it. I’m in a constant love affair with nature, and I’m always being inspired by it. Sometimes I’m inspired by the photos I see in magazines and fancy books, other times the only inspiration I need is going for a walk and appreciating some natural beauty.

You often portrait beautiful girls in extraordinary locations. How do you set up your work?

-All the girls I photograph are either my family, or good friends. Everywhere I go, I carry a camera with me; whether it’s to lunch, the beach, or on a hike. Most of the time, they’ll be standing there and the light is hitting them just right, and I just have to snap a couple photos. I don’t ever make appointments for shoots, so every picture I take is natural and was captured while we were just having fun or shooting the breeze.

I tried to get into Model Mayhem to get in touch with a few professional models in my area, but they denied my application for an account haha… So until the day I can be more professional with my work, I’ll continue to use the beautiful girls who I already know on a day to day basis.

What kit do you use for your underwater photography and how did you start with it?

-I own a custom SPL housing, for my D90. A friend of mine just had his first daughter and is working full time at the local fire station, so he didn’t have much time for taking pictures. He wanted to get into underwater photography but never had the time or passion for it, so he sold his whole set up to me. So far that’s the only set up I have ever got to use, so it’s my favorite! The quality craftsmanship will probably keep me as a lifetime customer of SPL though.

(Images © Micah Camara – More of his work here)

Jessica Donnellan was born in Brooklyn, New York twenty years ago. Her love for art began at a very young age.  She grew up surrounded by artists, allowing her to become exposed to  many different mediums of art.  At the age of eleven she received her first camera though, and was instantly hooked.  For her, photography is a way to document her life and to showcase the world around her.  Her subjects are her family and friends, ultimately those who serve an importance to her.  She is inspired by her past. Change and time are typical themes within her work and she often express how she is learning to handle both of these elements in life.  She is studying at the School of Visual Arts for her BFA in Photography and is currently living on Long Island, New York.  Her images have been shown in exhibitions world wide, including Photo Vogue’s “Best 101 Photographs/Artists” at 10 Corso Como (Milan, Italy), as well as published in magazines such as, Italian Vogue and Photo District News (PDN).

[Traduzione in italiano in basso]

( Images © Jessica Donnellan)

More of Jessica Donnellan’s work here

**Italiano**

Jessica Donnellan è nata vent’anni fa a Brooklyn, New York. Il suo amore per l’arte è iniziato quand’era molto piccola. E’ cresciuta circondata da artisti, ciò le ha consentito di entrare in contatto con diversi media artistici. All’età di sette anni, ha ricevuto la sua prima fotocamera e ne è rimasta immediatamente catturata. Per lei, la fotografia è un modo per tener traccia della sua vita e per mostrare il mondo che la circonda. I suoi soggetti sono la famiglia e gli amici, di recente coloro che assumono un qualche rilievo per lei. E’ inspirata dal suo passato. I cambiamenti e il tempo sono tematiche caratteristiche nel suo lavoro e spesso trasmette le modalità con cui sta imparando a gestire entrambi questi elementi nella sua vita. Sta studiando alla Scuola di Arti Visive per conseguire una laurea in Belle Arti in fotografia e al momento vive a Long Island. Le sue fotografie sono state esposte in mostre in tutto il mondo, tra cui “Best 101 Photographs/Artists” di Photo Vogue a 10 Corso Como (Milano), così come sono state pubblicate su riviste quali Vogue Italia e Photo District News (PDN).

There isn´t much of a difference between the “artist” and the real person but there is definately a difference between the character I play in my own work and who I really am. This is my work might well be personal but it is not autobiographic.
Personally I am somewhat like many others, I am very analytic and sensitive which can be a burden frequently, I love dark humour, and I am extroverted and nervous.

Dreams, fantasies, inform me that all that goes in my head and so I use them to inspire my images. 

I find pornography very interesting. Aside my personal preferences what I mean is that pornography is a vast and ever growing arena that can challenge your mind almost daily. From the 70´s porn to what can be easily found now days in any porn website its almost difficult to adapt. You find such an endless list of very strange behaviours and I use my images to reflect upon it, trying to understand what is that we are doing, where are we going with all of it.
But pornography is only one aspect of human beings sexuality. Human sexuality relates to gender, identity, physicality, emotions, cognition and I try to reflect this too in my work.

It is true that I have never liked obedience too much and perhaps many of my artistic decisions disobey various rules but I would not consider this to be my motto.

Being behind or in front of the camera its simply a different experience.
When I portray myself it is frequently a more raw, honest, bold, personal and intimate experience, also a more complicated one. Frequently I shoot my pictures completely by myself and lately I even find the presence of others intrusive and annoying. Only when I need people I use people and all the latest works from experimental photography, downfall of the dream, essay on fear, I have shot them completely by myself.
Then some other series and works require people in front of and behind the camera, like for Estranged Sex that have become large productions with 12- 15 people involved. Although I am still acting on them, and when it comes to posing I feel embarrassment I appreciate the work that everyone does in helping me out.
And finally there is when I shoot others, then I am more relaxed and its definitely easier, because I can be more emotionally detached and also because I can see everything (whereas when I pose, I need to go back and forth to see what I shot).
So there are two aspects to take into account about being in front of the camera or behind, one is emotional and the other one is technical, and being in the pictures is always more difficult, but it has its advantages: I can fully be myself, free from embarrassment, free from judgments, free from boundaries, fully free, and i can do it any time because I only have to count on myself.
In regards to my relationship with my body, I have my issues like everyone, but I use them to create something out of them.
Also i like to think that I am a body and when my body is gone, I will be gone so I dont believe in the dichotomy soul vs body that demeans the body, without a body we simply aren´t. So i like my body for allowing me to do things.

I have many photography idols, from Gregory Crewdson obviously to Erwin Olaf, Nathalie Daoust, and many others.

Answer to the question  you would never want to answer?

Any question I don’t know the answer to and I should!
There are many questions I would not want to answer, eg. if I was asked about my private or intimate life. I mean I can address some aspects, but as I said, I am not doing an autobiography and I like my private life to remain private.
 Then there is one question that pops out in every workshop, conference, opening that I don’t want to carry on answering: if I am the author of my work when I use a photography assistant to help me shooting…It is beginning to be somewhat annoying to explain every time and it often puzzles me the enthusiasm some people seem to have in harvesting value from people´s work or successes.

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( Images © Sandra Torralba)

More of Sandra’s work here

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***Italiano***

Come descriveresti l’artista Sandra Torralba?

Non c’è molta differenza tra l”artista” e la persona reale, ma c’è sicuramente una differenza tra il personaggio che impersono nel mio lavoro e chi sono davvero. Questo mio lavoro può anche essere personale ma sicuramente non è autobiografico.

Personalmente, sono un po’ come molti altri, sono molto analitica e sensibile, il che può spesso diventare un problema, amo lo humor nero e sono estroversa e nervosa.

Alcune delle tue foto riguardano “il sonno e il sognare”, qual è la tua relazione con questi due aspetti della vita? Quale aspetto vuoi esplorare? 

Per qualche ragione sono sempre stata attratta dai sogni e dagli incubi. E’ come se li avessi sempre trascritti e ho sogni e disegni che ho fatto a 7, 10 anni, ed ero piuttosto sistematica. Avevo sempre gli incubi, e forse è quello che ha reso il sognare ancora più importante per me, perché non erano quasi mai sogni felici. Poi, avendo studiato psicoterapia ed essendo andata in analisi io stessa, i sogni sono rimasti importanti, come indizio per suggerirmi ciò che stava succedendo dentro di me, le cose che non potevo capire coscientemente. Mi sono ritrovata a fare la mia dissertazione finale su quelli che vengono chiamati “sogni di contro-transfert”, e riguardava come possa un terapista utilizzare i propri sogni in relazione al paziente e a beneficio del paziente, così mi sono trovata più di una volta a registrare ed analizzare i sogni.

I sogni, le fantasie, mi informano di ciò che succede nella mia testa, e quindi li utilizzo come ispirazione per le mie immagini.

Alcune delle tue fotografie affrontano una particolare visione del sesso, ci puoi dire qualcosa al riguardo?

Non sono sicura che rappresentino una particolare visione del sesso o se piuttosto non rappresentino tematiche sessuali in un un modo particolare che è distaccato, strano, quotidiano eppure insolito. Faccio del mio meglio per non compiacere l’osservatore, per non trasmettere giudizi o indicazioni, ma più per presentare un fatto o un’azione, una realtà tra tante realtà. Solo il modo in cui lo faccio è strano.

Oggi, con internet è rimasto davvero poco da vedere, tutto è già stato fatto ed è stato fatto da migliaia di persone, ma lo dico senza alcun intento critico. Quando ti abitui a qualcosa smetti semplicemente di pensarci.

Ho scelto di presentare le mie immagini nel modo in cui lo faccio per provocare questa situazione in cui devi fermarti a riguardarle perché c’è qualcosa che non va in loro, come qualcosa che hai già visto prima ma con qualcosa che stona, e poi inizia un dialogo dove l’argomento dell’immagine può essere discusso e ri-affrontato.

Qual è la tua relazione con la pornografia? In generale, esiste ancora la pornografia? (In relazione alla società odierna che tende a confondere ciò che è pornografico con ciò che è erotico e facilmente mescola i diversi aspetti della sessualità)

Trovo la pornografia molto interessante. Oltre alle mie personali preferenze, intendo dire che la pornografia è una vasta arena che continua a svilupparsi come una sfida quasi ogni giorno. Dal porno degli anni ’70 a ciò che può facilmente essere reperito al giorno d’oggi in qualsiasi sito porno è difficile adattarsi. Si trova una lista infinita di comportamenti davvero strani, e io utilizzo le mie immagini per riflettere proprio su questo, nel tentativo di comprendere che cosa stiamo facendo, cosa ce ne faremo di tutto questo.

Ma la pornografia è solo un aspetto della sessualità umana. La sessualità umana è legata ai sessi, all’identità, alla fisicità, alle emozioni, alla cognizione, e io cerco di riflettere anche su questo attraverso il mio lavoro.

Qual è il tuo rapporto con la “provocazione”/la “sconfitta”? Ti consideri un artista provocatore? Secondo te, è ancora possibile provocare artisticamente, disobbedire per “svegliare le coscienze dormienti”?

Certa gente crede che io sia una provocatrice, altri credono che ormai sia impossibile provocare. Io credo sia ancora possibile provocare una reazione l’uno nell’altro. Detto questo non mi sento poi così interessata alla provocazione di per sé, ma ciò che voglio è parlare di ciò di cui non si parla, di ciò che succede al di sotto o di ciò che è nascosto e che ancora rimane pervasivo per le nostre vite, pur operando su di esse ad un qualche livello.

E’ vero che non mi è mai piaciuta troppo l’obbedienza, e forse molte delle mie decisioni artistiche disobbediscono a varie regole, ma non considererei questa la mia bandiera.

Sei spesso ritratta nelle tue fotografie. E’ più difficile stare davanti o dietro alla macchina fotografica? Qual è la tua relazione artistica e personale con il tuo corpo?

Essere dietro o davanti alla macchina è solo un’esperienza diversa. Quando ritraggo me stesso è spesso un’esperienza più cruda, onesta, più audace, più intima e più personale, ed è anche più complicata. Spesso scatto le mie fotografie completamente da sola, e ultimamente sento la presenza di altre persone come invadente e fastidiosa. Solo quando mi servono le persone le utilizzo, e tutti gli ultimi lavori, dalla fotografia sperimentale, la caduta dei sogni, il saggio sulla paura, li ho realizzati completamente da sola.

Poi ci sono altre serie e lavori che richiedono delle persone davanti all’obiettivo e dietro, come per Estranged Sex, che è diventata una larga produzione con 12-15 persone coinvolte. Anche se continuo ad avere una parte in queste, e quando viene il momento di posare mi sento imbarazzata, apprezzo il lavoro che tutti fanno per aiutarmi. E infine c’è quando ritraggo gli altri, allora sono più rilassata e è decisamente più facile, perché posso essere più distaccata emotivamente, e anche perché posso vedere ogni cosa (mentre quando poso devo andare avanti e indietro per vedere cosa ha scattato).

Ci sono dunque due aspetti di cui tenere conto riguardo all’essere davanti o dietro alla macchina fotografica, uno è emozionale e l’altro è tecnico, ed essere nelle fotografie è sempre più difficile, ma ha anche i suoi vantaggi: posso essere completamente me stessa, libera dall’imbarazzo, libera dai giudizi, libera da costrizioni, completamente libera, e posso farlo in qualsiasi momento perché devo contare solo su me stessa.

Riguardo al rapporto con il mio corpo, ho i miei problemi come tutti, ma li uso per creare qualcosa. Inoltre, mi piace credere di essere un corpo e che quando il mio corpo non ci sarà più, io non ci sarò più, quindi non credo nella dicotomia anima vs corpo che sminuisce il corpo, senza il corpo noi semplicemente non esisteremmo. Quindi mi piace il mio corpo perché mi permette di fare delle cose.

Chi è la tua fonte di ispirazione/riferimento in fotografia (o in qualsiasi altra area dell’arte)?

Ho diversi idoli in fotografia, da Gregory Crewdson ovviamente a Erwin Olaf, Nathalie Daoust, e molti altri.

Rispondi alla domanda che vorresti non ti fosse mai posta?

Qualsiasi domanda di cui non sappia la risposta anche se dovrei saperla!”

Raised in the state of Kentucky in the United States of America and Connecticut, Agent X’s artwork has been exhibited in London, Spain, Los Angeles, and New York City. He studied art in New Haven, Vancouver and Atlanta, and was a semi-finalist in the New York Art Marathon (2011). Agent X currently lives and works in Vancouver, Canada and his artwork has been featured in many magazines and currently in famous art galleries in New York City, Spain and London.

[Traduzione in italiano in basso]

Hi, Agent X! How did you come to art?

First thank you so much and I love the magazine!! How I first came to art really is around high school. I wanted to be a filmmaker and I was always visual since then. Also all my friends were into rapping, producing music and stuff so I got the best of both worlds. I use to do big collages in college and then after I moved from Atlanta to Vancouver and went to the art institute and then got more serious after that. I started entering my artwork into contests and got semi-finalist in New York Art Marathon. After that, like French Montana says, everything a go!

What about your nickname? What is its meaning?

My name Agent X means that I am a agent of the unknown. I never make the same artwork twice which is a mystery, also that I’m always on a mission to create. A agent always has to be someone different, that why I always make something new. The adventure.

You wrote on your site that your work is influenced by pop culture from the 1920s to the present. Who has most influenced you and why?

Hmmm well I would say mostly I love Romare Bearden, Giacomo Balla, Andy Warhol, Bansky, Takashi Murakami, Dondi, Antonio Sant’Elia, Jacques Villegle, Damien Hirst and Syd Mead. Most of these artists invoke a sense of social commentary, unique artistry, Futurism and Commercialism. You can see all of there influences in my artwork. Also pop culture as in music, news and film as well. I am influenced by all energy and thought.

Did Internet change people’s attitude toward art? And yours?

I think with the internet it’s all in the consumers hands, or should I say click. Just like the music business ,artists these days have more control with their artwork and the way that it is sold. Look at the deal Jay Z did with Samsung. You have to look forward. The relationship in the future and now is better for the artist. I still think it is really cool to go to a gallery, but the gallery needs to be cool as well.

How would you describe your way of working? Do you plan it?

Well my way of working is mostly this: lots of music and time. Even the simplest artwork. I usually have tons of magazines and paint, then I just go from there. It also depends on how I feel and what statement I want to make or not. I will make pieces like “Golden Girlz” or “Ice Cream” as they are like my Norman Rockwell type of artworks or something like “2320″ with a Sim card, steel wool, Memory card reader, key chain, watercolor, oil, and magazine clippings. I never make the same thing twice. Always spontaneous with extreme execution.

You’re African-American and Canadian. How does this impact your work?

Well I grew up in Louisville, K.Y, Vancouver, New Haven and Atlanta. The African-American side of my artwork is adventurous and traditional. The Canadian side is very futuristic and multicultural just like Canada. Also in the future I see myself doing some more nature themes which is very Canadian as well. It impacts my artwork always because I am thinking about these cultures in society and the technology that brings us together, or brings us apart.

What do you want to communicate through your art?

Mostly futurism and Pop Art with thought. I love the medium of collage because I can do anything and any topic. I try to do themes that are timeless and not over used. I like it fresh. Also I like to communicate a high level of skill in the artwork.

What can you suggest  a young artist?

Just make sure that you study the greatest artist and also develop your own artistic style. These days it’s so easy to just follow something that is popular, but to me it’s the best artist that make their own lane. Also I suggest to make lots of artwork because sometimes even the old is new and the new is old.

Are you interested in other forms of art besides collage?

Yes I love music. All my friends did music. Rapping, Producing, DJ’s, Spoken word. If you didn’t do something you weren’t down. In my teens living in the New Haven area, near Yale University. I was always exposed to seeing the finest artworks and free lectures on art theory and film, which when I was in high school was my thing. So also would love to do film as well.

There’s a work of yours, named “Stelle d’Italia”. I’m Italian and I was struck with that name. What does this work mean?

The translation “Stelle d’Italia” means the “Stars of Italy”. If you see the colors in the artwork they are in White, Red and Green. The piece is also abstract which is a honor to the Italian abstract painters. I have many friends that are Italian where I’m from in the New Haven/Hamden area in America . So I also have been influenced by them and Italian culture growing up.

I know it’s not a simple question… Which is your favorite work of yours and why?

Well you are right not a simple question but I guess I like my piece”KingZ” because it has themes of every style of collage that I use. The piece has themes of futurism, history, abstraction, pop art and music which are all things that I love.

What are your plans for future works?

Well I just started showing my exclusive prints and original artworks at the New Blood Art gallery from London and I will be in the next group show at the SoHo Gallery for Digital Art in New York in August. Lastly I am planing a solo show next year in Spain at the Can-Pop gallery. I hopefully would love to have a gallery in Italy as well to show my artwork. Thank you so much!

( Images © Agent X)

More Agent X’s work here

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**Italiano**

Cresciuto nello stato del Kentucky (USA) e nel Connecticut, il lavoro di Agent X è stato esposto a Londra, in Spagna, a Los Angeles e a New York. Ha studiato arte a New Haven, Vancouver e Atlanta, ed è stato semi-finalista alla New York Art Marathon (2011). Al momento, Agent X vive e lavora a Vancouver (Canada) e il suo lavoro è stato pubblicato su molti giornali e attualmente è esposto in famose gallerie d’arte di New York, Spagna e Londra.

Ciao Agent X! Come sei arrivato all’arte?

Innanzitutto, grazie mille, amo la rivista! Sono arrivato all’arte quando frequentavo le superiori. Volevo diventare un filmmaker e da allora ho sempre avuto un approccio visivo. Tutti i miei amici facevano rap, producevano musica e cose del genere, così ho preso il meglio da entrambi i mondi. Di solito, facevo grandi collage quando frequentavo il college, e dopo mi sono trasferito da Atlanta a Vancouver e sono andato all’istituto d’arte, da allora l’ho presa molto più sul serio. Ho iniziato a iscrivere i miei lavori a dei contest e sono arrivato in semifinale alla New York Art Marathon. Dopo, come dice French Montana, è tutto un andare! 

E il tuo nickname? Che significato ha?

Il mio nome, Agent X, significa che sono un agente dell’ignoto. Non faccio mai due volte la stessa opera d’arte, che è un mistero, vuol dire anche che sono sempre in missione, per creare. Un agente dev’essere sempre qualcun altro, questa è la ragione per cui faccio sempre qualcosa di nuovo. L’avventura.

Hai scritto sul tuo sito che il tuo lavoro è influenzato dalla cultura pop, dagli anni ’20 al presente. Chi ti ha influenzato maggiormente e perché?

Hmmm beh direi che più di tutti amo Romare Bearden, Giacomo Balla, Andy Warhol, Bansky, Takashi Murakami, Dondi, Antonio Sant’Elia, Jacques Villegle, Damien Hirst e Syd Mead. Gran parte di questi artisti evoca un senso di testimonianza sociale, maestria unica, Futurismo e spirito commerciale. Puoi vedere tutte le loro influenze nelle mie opere. Poi la cultura pop nella musica, notizie e film allo stesso modo. Sono influenzato da tutta l’energia e il pensiero.

Internet ha cambiato l’atteggiamento delle persone verso l’arte? E il tuo?

Penso che internet è tutto nelle mani dei consumatori, o dovrei dire nel loro click. Proprio come l’industria musicale, gli artisti di questi tempi hanno più controllo nei confronti delle proprie opere d’arte e del modo in cui sono vendute. Guarda l’affare che ha fatto Jay Z con la Samsung. Devi guardare avanti. La relazione in futuro e ora è migliore per l’artista. Penso ancora che sia molto figo visitare una galleria d’arte, ma la galleria stessa dev’essere figa.

Come descriveresti il tuo modo di lavorare? Lo pianifichi?

Beh, il mio modo di lavorare consiste per lo più in: un sacco di musica e tempo. Anche il lavoro più semplice. Di solito ho tonnellate di riviste e vernice, e parto proprio da là. Dipende anche da come mi sento e che messaggio voglio che passi o no. Faccio pezzi come “Golden Girlz” o “Ice Cream”, dal momento che sono il mio genere di lavori alla Norman Rockwell, o qualcosa del tipo “2320″ con una sim card, lana d’acciaio, un lettore di memory card, portachiavi, acquerelli, olio e ritagli di giornale. Non faccio mai due volte la stessa cosa. Sempre spontaneo, una realizzazione estrema.

Sei afro-americano e canadese. Come incide questo sul tuo lavoro?

Sono cresciuto a Louisville, K. Y., Vancouver, New Haven e Atlanta. Il lato afro-americano del mio lavoro è avventuroso e tradizionale. Il lato canadese è molto futuristico e multiculturale, proprio come il Canada. Anche nel futuro mi vedo dedicarmi a temi  più naturali, cosa che è allo stesso modo molto canadese. Influisce sul mio lavoro sempre, perché sto pensando a queste culture nella società, e la tecnologia che ci tiene insieme, o che ci divide.

Cosa vuoi comunicare attraverso la tua arte?

Per lo più il Futurismo e la Pop Art con il pensiero. Amo il mezzo del collage perché posso fare quel che voglio e di qualsiasi argomento. Cerco di realizzare tematiche che sono senza tempo e non abusate. Mi piace la roba fresca. Amo anche comunicare un alto livello di abilità nell’opera d’arte.

Cosa puoi suggerire a un giovane artista?

Assicurati solo di studiare il più grande artista e sviluppa anche il tuo stile artistico personale. Di questi tempi non è così semplice seguire soltanto qualcosa che è popolare, ma per me è il miglior artista che traccia il suo percorso. Suggerisco anche di fare tantissimi lavori, perché a volte anche il vecchio è nuovo e il nuovo è vecchio.

Ti interessano altre forme d’arte oltre il collage?

Sì, amo la musica. Tutti i miei amici facevano musica. Rap, produzione, DJ, spoken word. Se non facevi qualcosa non eri nessuno. Quand’ero adolescente vivevo nella zona di New Haven, vicino l’Università di Yale. Ero sempre nella condizione di vedere le migliori opere d’arte e conferenze gratuite di teoria dell’arte e del cinema, che erano le mie materie quando andavo alle superiori. Così mi piacerebbe anche realizzare dei film.

C’è un tuo lavoro, chiamato “Stelle d’Italia”. Sono italiana e sono stata colpita da quel nome. Che significa quel lavoro?

“Stelle d’Italia” è la traduzione di “Star of Italy”. Se vedi i colori nell’opera, sono bianco, rosso e verde. Il pezzo è anche astratto, che è un tributo ai pittori astratti italiani. Ho molti amici italiani, della zona di cui sono originario, New Haven/Hamden in America. Dunque sono stato influenzato da loro e dalla cultura italiana, crescendo.

So che non è una domanda facile… qual è il tuo lavoro preferito e perché?

Beh, hai ragione, non è una domanda facile, ma credo che la mia opera preferita sia “KingZ”, perché ha tracce di ogni genere di collage che uso. L’opera ha tracce del Futurismo, storia, Astrattismo, Pop Art e musica, che sono tutte cose che amo. 

Quali sono i tuoi piani per lavori futuri?

Beh, ho iniziato da poco a esporre le mie stampe esclusive e opere originali presso la New Blood Art Gallery di Londra e sarò presente alla prossima mostra collettiva alla SoHo Gallery for Digital Art di New York a agosto. Infine, sto organizzando una mostra personale l’anno prossimo in Spagna, alla Can-Pop gallery. Spero che avrò anche l’occasione di trovare una galleria in Italia e di esporre il mio lavoro. Grazie mille!

Fábio Roque  was born 1985 and is a photographer born and based in Lisbon, Portugal. He studied photography at I.P.F. (Portuguese Institute of Photography), Lisbon between 2004 and 2007. Then he attended the workshop of History of Photography Contemporary at Ar.Co., Lisbon 2010. His work is mainly on documentary photography, more recently Fábio discovered his passion for a more conceptual kind of photography.

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[Traduzione in italiano in basso]

Interviewed by Chiara Costantino

Hi Fábio! How did you come to photography?

My entry in the photograph was not something that happened from one day to the other, was a long process that began still very young, with the old camera Kadoc of my parents, my curiosity came up here, which was increasing with time. I spent my teenage years photographing my friends and it ended up doing my first photography course, from here there was no turning back.

Are there photographers who influenced you?

Well, I think we are always influenced in one way or another. Yes there are several photographers who have influenced me since I started shooting. I think also here as we go forward we gain some references and losing others. I like the work of several photographers but are preferred, Paulo Nozolino, António Júlio Duarte, Antoine D’Agata, Josef Koudelka, W.Eugene Smith, Daido Moriyama and Nan Goldin.

You mostly work on documentary photography, but lately you have been focusing on a more conceptual style. Why and what is the difference?

My work is mainly documentary, this aspect was always fascinated me most in photography. I like photography as a way of telling stories. When I say now that I have dedicated myself to a more conceptual kind of photography, what I mean is that I stopped looking only out, and started looking inside also. While I intend to explore documentary photography in the subjects that interest me in society, through conceptual photography I want to explore more personal matters. It’s what happens on my last project “Awake”.

Analogue or digital?

Well, this question is complex, I think both. Currently by several factors I use the digital, because these days it is very expensive photographing always on the analog. I honestly like both, despite using more digital, I think in the future if I get a chance, I will use more analog, especially in more complex works. I would like having a mini home lab.

I noticed you prefer black and white photos, even if you also shoot in colour. Why?

Yes, I definitely prefer the black and white. I think some work should be photographed in color, with some particularities that these works may have, for example, no one’s imagines the work of Steve McCurry black and white. Taking these specific cases, I like much of black and white, I think it adds drama, excitement and a dramatic charge that would not in color photography.

You realized a work called “Can you predict spring?” about recent Tunisian social changes. Tell us more about.

The “Can you predict spring?” project happened by chance. Was not the case I travel there after things happened. I just chose Tunisia for a holiday with my family. What happened is that it was only a few months before the Arab Spring began and then decided, saw files that I had photographed there and looked for something that made sense to me. I think the project reflects a little of what happened next. I really enjoyed this trip.

What do you think artists can do for social change? Should they become spokespeople for civil movements or not?

I sincerely believe that artists have more social responsibilities than ordinary citizens. I say this because I think artists in general, from photographers, musicians, actors have obligations to society, at least in those cases where societies are not fair with the freedoms of its citizens, here I think you should report things.

I was struck by your project “Forgotten”, about Portuguese mines, which are now abandoned places. Why did you decide to show that situation?

The idea for the project began with W. Eugene Smith and his project Miners Pittsburgh. I always liked his project and I thought to do something like this in Portugal, but when I started my research for the project, I began to realize that things were very different. So I tried another approach, and tried to show what the mines wer, through what was left behind. Remains of which were major industries, which moved many men.

If you could go anywhere in the world for your next job, where would you like to go?

Well, this question is really hard. I enjoyed doing many things to do many jobs. Today would be hesitating between two things; try a project on the reconstruction of Japan after the tsunami tragedy, a tragedy that will mark many generations, or a photographic reconstruction of the voyages of Jack Kerouac through the twenty-first century America.

What are your goals for the future?

In the future I would like to be able to live exclusively on photography. And when I say this, I say to can regularly publish in good journals, can exhibit my work regularly in galleries and being able to publish some of my books. I hope to get all this.

Who would you be if you weren’t a photographer?

Well it is hard to say now, I hope that if it was not the photograph, could also do something useful. I always liked History and Archaeology, could perhaps be the way, but I do not know, today is difficult to say.

How did Internet help you in your work?

The Internet is an important tool in my work, as I think it should be for all young photographers. It is an easy but crucial way; we can show all our work and projects. We can show everyone our value.

(Images © Fábio Miguel Roque)

More of Fábio Miguel Roque here

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**Italiano**

 Ciao Fábio! Come sei arrivato alla fotografia?

Non sono approdato alla fotografia da un giorno all’altro: è stato un lungo processo che è iniziato quand’ero ancora molto giovane, con una vecchia fotocamera Kadoc dei miei genitori, la mia curiosità è nata allora, e con il tempo è cresciuta. Ho trascorso gli anni della mia adolescenza fotografando gli amici ed è finita che ho frequentato il mio primo corso di fotografia, che ha rappresentato una sorta di punto di non ritorno.

Ci sono fotografi che ti hanno influenzato?

Beh, penso che siamo sempre influenzati, in un modo o nell’altro. Sì, ci sono diversi fotografi che mi hanno influenzato da quando ho iniziato a fare scatti. Ritengo anche che man mano che andiamo avanti, acquisiamo nuovi punti di riferimento e ne perdiamo altri. Mi piace il lavoro di molti fotografi, ma quelli che preferisco in assoluto sono Paulo Nozolino, António Júlio Duarte, Antoine D’Agata, Josef Koudelka, W.Eugene Smith, Daido Moriyama and Nan Goldin.

Lavori prevalentemente con la fotografia documentaria, ma di recente ti sei focalizzato su uno stile più concettuale. Perché e qual è la differenza?

Il mio lavoro è per lo più documentario, quest’aspetto nella fotografia mi ha sempre affascinato. Mi piace la fotografia come mezzo per raccontare delle storie. Quando dico adesso che mi sono dedicato a un genere più concettuale di fotografia, ciò che voglio dire che è ho smesso di guardare solo all’esterno, e ho iniziato a guardare anche dentro. Mentre voglio esplorare, con la fotografia documentaria, i soggetti che mi interessano nella società, con la fotografia concettuale ciò che desidero è indagare più a fondo aspetti intimi, questo è ciò che succede con il mio ultimo progetto, “Awake”.

Analogico o digitale?

Beh, questa domanda è complessa. Penso entrambi. Al momento, per diverse ragioni, uso il digitale, perché di questi tempi è diventato molto costoso fotografare sempre con l’analogico. Onestamente mi piacciono entrambi i modi, nonostante usi di più il digitale, penso che in futuro se ne avrò la possibilità, userò maggiormente l’analogico, in particolar modo per lavori più complessi. Mi piacerebbe avere un piccolo laboratorio di sviluppo casalingo.

Ho notato che preferisci le foto in bianco e nero, nonostante realizzi anche scatti con il colore. Perché?

Sì, preferisco di sicuro il bianco e nero. Penso che alcuni lavori dovrebbero essere realizzati a colori, con alcuni dettagli che questi lavori possono avere, per esempio, nessuno immagina il lavoro di Steve McCurry in bianco e nero. Considerando questi casi specifici, mi piace molto di più il bianco e nero, penso che aggiunga pathos, passione e una carica emotiva che non trasparirebbe dalla fotografia a colori.

Hai realizzato un lavoro chiamato “Can you predict Spring?” riguardo gli ultimi cambiamenti sociali in Tunisia. Raccontaci qualcosa di più.

Il progetto “Can you predict Spring?” è capitato per caso. Non ho deciso di andare là dopo che era accaduto tutto. Ho semplicemente scelto la Tunisia per una vacanza con la mia famiglia. Quel che è successo, è che è stato solo pochi mesi prima che iniziasse la Primavera araba e allora ho deciso, vedendo le foto che avevo scattato là, cercando qualcosa che avesse un senso per me. Penso che il progetto rifletta un po’ quel che è accaduto in seguito, mi è veramente piaciuto quel viaggio.

Cosa credi che gli artisti possano fare per il cambiamento della società? Dovrebbero diventare portavoce dei movimenti civili o no?

Penso sul serio che gli artisti abbiamo più responsabilità sociali dei comuni cittadini. Lo dico perché ritengo che gli artisti in generale, dai fotografi, ai musicisti, agli attori abbiano dei doveri verso la società, almeno nei casi in cui le società non sono eque riguardo la libertà dei propri cittadini, qui credo che si debba documentare la realtà dei fatti.

Sono stata colpita dal tuo progetto “Forgotten”, riguardo le miniere portoghesi, che sono ora dei luoghi abbandonati. Perché hai deciso di testimoniare questa situazione?

L’idea per il progetto è nata con W. Eugene Smith e il suo progetto Miniere di Pittsburgh. Mi è sempre piaciuto quel lavoro e ho pensato di farne uno analogo sul Portogallo, ma quando ho iniziato la mia ricerca per il progetto, ho iniziato a capire che le cose erano molto diverse. Così ho tentato un approccio differente, e ho provato a mostrare cos’erano le miniere, attraverso ciò che ne era rimasto. Resti che una volta erano grandi industrie, e mobilitavano molti uomini.

Se potessi andare in un posto qualsiasi al mondo per il tuo prossimo lavoro, dove vorresti andare?

Beh, questa domanda è molto difficile. Mi è piaciuto fare molte cose per fare molti lavori. Oggi esiterei tra due cose: o provare a realizzare un progetto sulla ricostruzione del Giappone dopo la tragedia dello tsunami, una tragedia che segnerà molte generazioni; oppure fare una ricostruzione fotografica dei viaggi di Jack Kerouac attraverso l’America del 21esimo secolo.

Quali sono i tuoi obiettivi per il futuro?

In futuro, vorrei poter vivere esclusivamente della mia fotografia. E quando lo dico, intendo poter pubblicare in modo regolare su buoni giornali, poter esporre il mio lavoro spesso nelle gallerie ed essere in grado di pubblicare alcuni libri. Spero di poter ottenere tutto questo.

Chi saresti se non fossi un fotografo?

Beh, è difficile da dire adesso, mi auguro che se non fosse la fotografia, sarebbe qualcosa di altrettanto utile. Ho sempre amato la storia e l’archeologia, forse quella potrebbe essere la strada, ma non lo so, oggi è difficile dirlo.Internet come ha aiutato il tuo lavoro?Internet è uno strumento importante per il mio lavoro, come penso dovrebbe essere per tutti i giovani fotografi. E’ una strada semplice ma fondamentale: possiamo esporre tutto il nostro lavoro e i nostri progetti. Possiamo mostrare a tutti quanto valiamo.

Pretty In Mad: film adventures. Her motto is “cats and cameras. What else?”.

I say: rolls, a lot of rolls, experiments and poppy fields.

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Interview by Giulia Bertelli

[Traduzione in italiano in basso]

Hi Pretty in Mad, I’m going to admit something right away: I’ve been following your adventures around the web for a while, but I’ve never really stopped to get a good look at your blog. Could we say that it collects everything you do analogically?

Hi Giulia, it’s a pleasure to be here and I’m flattered by the fact that you already knew me a little! As for my blog you got it right: it is the collection of everything I do, experiment and happens to me related to the analog world. You could say that it is some sort of diary, that I try to update as often as possible, that it helps me to keep in mind the point at issue and that it also has the goal to let know the great world of film photogarphy and its unlimited possibilities, to everyone who wants to read me.

How was Pretty in Mad born?

Pretty in Mad was born from the need to put black on white what happened to me, from the desire to share my photographic experiences and from the inspiration that came from the old blog (that I often refer to if I need practical advices) of Giuseppe Di Cillo, one of the first, if not the first, to open this kind of blog in Italy.
At the beginning mine was a hybrid blog, I used to publish both digital and analogue pictures, then, when I understood that the way of the film was my favourite one, I decided to make it more “thematic” keeping out digital shots of any kind: DSLR, point and shoots or smartphones.

Why the Thursday picture?

I frequently make regular columns to keep up the rhythm: when you blog it is easy to give up  to the laziness and start publishing less and less until you reduce the blog to a minimum. I’m hopelessly lazy, if I didn’t give myself some rules, I`d risk this kind of thing every two or three days.
I chose the Thursday because it’s in the middle of the week, a day when I didn’t use to publish anything and it was a “box” on the calendar that was frequently empty.
The column Thursday picture is an occasion to publish pictures I like but that were not previously published because they had no connection with the other ones. It might look like a common idea but I like it very much, it lets me value shots that would otherwise lay on my desktop, without ever “seeing the light”.

One has just to take a look at your work to see your love for film. The best thing is that you’re not afraid of it, how you play with it and how you enjoy it. How did you come to using film? Was it love at first sight or was there a lot of flirting?

I enjoy film, I like to try, mess it up and see what comes out of it. This is why I never take myself too seriously, I don’t have neither the claim to do artistic pictures nor to do art. Analog photography makes me happy during and after doing it. Maybe it is just for this reason that, as you say, I’m not afraid of it.
My love was born gradually, it was cultivated for months, after I bought my first Diana F+ by chance.
The first disappointments, the hesitations, getting aware that it’s not a cheap hobby. Then, at some point, I understood I could never lose it and that if I wanted to be really happy I would have had to continue and grow up with this passion.

Tell me something about the Film Soups, I was fascinated.

The Film Soups are essentially swills (that can be made with the most different substances) in which the films are plunged to then be left to dry and then shot with. It’s a technique for the real bumblings… I think those who are trying to find the perfect pictures will never be satisfied with any of these soups!
At this moment I have different experiments going on and I opened a column on my blog just dedicated  to this kind of experiences.

4Seasons disposable cameras: what is it about?

Those who have been following me for some time know how much I love disposable cameras. For this project I asked the collaboration of some blogger friends of mine: Holga My Dear, Mustolina, TWTGE, La lele Goes to.., Fotografica Mente Luna, Guchippai Takes polaroid, Diary Of a messy lady, Italida Photography.
The 4SEASONS project is very simple: every season we pass to each other, via mail, one disposable camera with which we  take three pictures each. The Spring Edition 2013 was already published here and the disposable camera for the Summer Edition is already on the road!

I’m going to ask to you a difficult question, maybe: tell us all your analog cameras you have used? From the very first one up to the last one you just put down to answer to this questions.

The question would be very difficult if I didn’t have my lovely blog! On the sidebar there is the “Shooting With” section which contains the names of all of my cameras with which I shot until now, if you click on the names you can go to the posts with the relative pictures. Anyway, to reply to your question, the first camera I used when it started my adventure on the blog was, as I said before, a Diana F+ while the last one is a Rollei Redbird Creative edition disposable camera that I used around Bologna with me this morning, with which I will give my second contribution to a wonderful world wide photographic project called Indisposable Concept  that started in Australia! If anyone is interested I talk about it here.

Do you have a favourite camera?

As matter of fact I have many, but if I have to say one on top of everyone I’ll say my lovely Pentax MX… now sadly is broken. I have many others to replace it with, but this one stays in my heart so as soon as I have the financial chance I will fix it.

Other than weekly and seasonal projects, you have a monthly one, if I’m correct. A Bunch of black and white. What is it about?

You are not mistaken! A bunch of black and white every month is born from the need to improve my way of shooting in black and white. I love colour films and I rarely shoot with the black and white ones. This is not because I don’t like  b/w photography, on the contrary, it fascinated me very much… it is just less natural for me. So, when I had in my hands a Tmax400 kodak film, a very versatile film and one great in every light condition, I decided to impose to myself to shoot one roll every month for a year and to publish the results. And I have to say with satisfaction that there is some sort of improvement.

Do you have a favourite subject to photograph? And a moment of the day which you would always like dedicate a shot at?

I have to say that regarding the subjects I have phases, in any case what I never get bored to photograph are for sure poppies, cats and the country landscape.
The light in the early morning is my favourite, even though it doesn’t actually happen often that I can take advantage of it!

Rediscovered films: as I can see on your blog it happened to you often. Is it better  to discover your own forgotten films or someone else’s treasures?

For me I have to say someone else’s treasures.
If I discover pictures I had forgotten they sure didn’t have much importance to me, or in any case, I know where they have been taken, in what contest, in what moment. But to find a roll taken by strangers and still not developed and to go to take the negatives is something that always excited me very much every time!
I spend hours to imagine stories and to ask me who are these people!
These are what I collected until now.

To you, is  analog photography  for those who want to start to take pictures maybe playing with films and lights or is it more for someone who already is a digital photographer?

I think analog photography is for anyone who has the desire to put themselves to the test, to experiment and to find again, in the age of the “everything now”, the pleasure of the wait, the magic of the surprise and, why not, also the sadness of some delusions!
In one word, I think that analog photography, now more than ever, is for who still has the pleasure of GETTING EXCITED.

What do you think about film swapping?

I love very much fim swapping, it often happened to me to “swap” (these are the results) and I have to say that it’s a collaborative technique I like very much: I find the fact that places so distant can “mix” in the same pictures very emotional… that people who never met can find one another in the same shot. And it’s not like putting together two images with photoshop because with film swapping the film had actually travelled! The roll was really there, in that place!
What can I say… so much love for the film swap!

-I heard the news that you will soon be again one of us here on Fluster Magazine. Can you tell us something about what you will do or  is it an analog secret?

Ohhh yes yes yes, I will absolutely be here again!
I have been asked  to collaborate with Fluster Magazine and I accepted with joy!
Let’s say that I was given the chance to do many different things and I’m eager to see how it will work out!
I will be the editor for a selection of photos (analog, of course – I don’t even have to tell you that!!) that will published regularly on FM. The feature will be called Pretty In Fluster. The photos will be selected from the Flickr pool with the same name, I am inviting  you all to join Pretty in Fluster Flickr group and upload your best analog photos, they might be selected and  published on FM!

Also, I will join forces with Fluster Magazine for an important project that will involve analog photographers from all around the World!
Together with FM team I will be part of the jury of a very interesting contest revolving around the FILM SWAP tecnique, which I love so much! The contest winners will be published in a photo-book and there will be also many other prizes offered by well renowned sponsors!

Are you curious? You will have to wait until Thursday  1st of August to know all about it!

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More about PIM`s work here.

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ITALIANO

Intervista di Giulia Bertelli

Ciao Pretty in Mad, ammetto subito una cosa: è da un po’ che seguo le tue avventure in giro per il web, ma non mi ero mai soffermata veramente per bene sul tuo blog. Si può dire che racchiuda tutto quello che fai in campo analogico?

Ciao Giulia, è un piacere essere qui e il fatto che già un pochino mi conoscessi mi lusinga! Per quanto riguarda il mio blog hai azzeccato un pieno il concetto: è il contenitore di tutto ciò che faccio, sperimento e che mi capita che abbia a che fare con il mondo della fotografia analogica. Si può dire che sia una sorta di diario, che cerco di aggiornare più spesso possibile, che mi aiuta a tenere ben presente il punto della situazione e che ha anche lo scopo di far conoscere il meraviglioso mondo della pellicola e le sue infinite possibilità, a chi ha voglia di leggermi.

Come è nato Pretty in Mad?

Pretty in Mad è nato dall’esigenza di mettere nero su bianco ciò che mi accadeva, dalla voglia di condividere le mie esperienze fotografiche e dall’ispiranzione che mi è arrivata dal vecchio blog (che ancora spesso consulto se mi servono consigli pratici) di Giuseppe Di Cillo, uno dei primi, se non il primo, ad aprire un blog di questo tipo in Italia.
Inizialmente il mio era un blog ibrido, nel senso che pubblicavo foto sia digitali che analogiche, poi, quando ho capito che la strada del rullino era la mia strada del cuore, ho deciso di renderlo più “tematico” escludendo scatti con digitali di qualsiasi tipo, che fossero reflex, point and shoots o smartphones.

Come mai proprio La foto del Giovedì?

Spesso apro rubriche a cadenza regolare per tenere il ritmo: nel blogging è facile lasciarsi andare alla pigrizia e cominciare a pubblicare sempre meno fino a ridurre il blog ai minimi termini. Io che sono una pigra cronica, se non mi do delle regole, rischio questa cosa ogni due o tre giorni.
Ho scelto il giovedì perché è al centro della settimana, un giorno in cui non sempre pubblicavo ed era quindi una “casella” in calendario che spesso rimaneva vuota.
La rubrica La foto del Giovedì è un’occasione per pubblicare foto che mi piacciono che però sono rimaste inedite perché senza alcun filo logico con altre. Può sembrare un’idea banale ma a me piace molto, mi permette di valorizzare scatti che altrimenti rimarrebbero sul desktop senza mai “vedere la luce”.

Basta guardare un po’ fra i tuoi lavori per accorgersi del tuo amore per la pellicola. La cosa bella da vedere è di come tu non ne abbia paura, di come ci giochi, ti diverta e dei risultati. Come sei arrivata alla pellicola? E’ un amore a prima vista o è stato un corteggiamento lungo?

La pellicola mi diverte e mi appassiona, mi piace sperimentare, pasticciare e vedere cosa ne esce. Questo perché non mi prendo mai sul serio, non ho né la pretesa di fare foto artistiche né quella di fare arte. La fotografia a pellicola mi rende felice prima durante e dopo averla fatta. Forse è proprio per questo motivo che, come dici tu, non la temo.
L’amore è nato gradualmente, è stato coltivato per mesi, dopo aver comprato la prima Diana F+ assolutamente per caso.
Le prime delusioni, le incertezze, il rendersi conto che non è un hobby a buon mercato.
Poi a un certo punto ho capito che non avrei più potuto farne a meno e che se volevo essere veramente felice avrei dovuto continuare e crescere insieme a questa passione.

Raccontami qualcosa sulle Film Soups, io ne sono rimasta affascinata.

Le Film Soups, letteralmente “zuppe di pellicola”, sono sostanzialmente intrugli (che possono essere composti dalle sostanze più diverse) nei quali vengono immersi i rullini per poi essere lasciati asciugare ed infine scattati.

E’ una tecnica adatta solo ai veri pasticcioni… chi cerca immagini perfette non credo resterà mai soddisfatto da una di queste zuppe!

Attualmente ho diversi esperimenti in corso e ho aperto una rubrica sul blog dedicata proprio a questo tipo di esperienze.

4Seasons disposable camera project: di cosa si tratta?

Chi mi segue da un po’ sa quanto io sia amante delle fotocamere usa e getta.
Per il progetto in questione ho chiesto la collaborazione di bloggers amici: Holga My Dear, Mustolina, TWTGE, La lele Goes to.., Fotografica Mente Luna, Guchippai Takes polaroid, Diary Of a messy lady , Italida Photography.
Il progetto 4SEASONS è molto semplice: per ogni stagione ci “passiamo”, spedendocela, una usa e getta della quale scattiamo 3 foto a testa. La Spring Edition 2013 è già stata pubblicata qui e la disposable per la Summer Edition è già in viaggio!

Sto per farti una domanda difficile, forse: quali sono TUTTE le macchine fotografiche a pellicola che hai usato? Dalla prima che hai preso in mano a quella che hai posato per rispondere a queste domande.

La domanda sarebbe davvero difficile se non avessi il mio amato blog! Nella sidebar c’è la sezione “Shooting With” che contiene i nomi di tutte le fotocamere con cui ho scattato fino ad ora, cliccando sui nomi si viene indirizzati ai post in cui sono pubblicate le rispettive foto.
Comunque, per rispondere in pieno alla domanda, la prima fotocamera con cui ho scattato da quando è cominciata la mia avventura nella blogosfera è, come ho detto poco sopra, Diana F+ mentre l’ultima è la usa e getta Rollei Redbird Creative edition che mi sono portata in giro Bologna stamattina, con la quale darò il mio secondo contributo ad un progetto fotografico globale bellissimo chiamato Indisposable Concept che parte dall’Australia! Per chi fosse interessato, ne ho parlato qui.

Hai una macchina fotografica del cuore?

Ne ho tante per la verità, ma se devo dirne una su tutte dico la mia adorata Pentax MX.. che purtroppo attualmente è rotta. Ne ho molte altre con cui sostituirla, ma questa mi è rimasta nel cuore quindi appena ne avrò la possibilità economica la porterò a far riparare.

Oltre a progetti settimanali e stagionali, ne hai anche uno mensile, se non sbaglio. A Bunch of black and white.Di cosa si tratta?

Non sbagli! A bunch of black and white every month nasce dall’esigenza di migliorare il mio modo di scattare in bianco e nero.
Amo le pellicole a colori e scatto raramente in bianco è nero. Questo non perché la fotografia in bianco e nero non mi piaccia, anzi, mi affascina moltissimo.. semplicemente mi risulta meno naturale. Così, quando mi è capitata tra le mani una bobina di kodak tmax400, una pellicola super versatile ed ottima praticamente in ogni condizione di luce, ho deciso si impormi di scattarne un rullino al mese per un anno e di pubblicarne i risultati. E devo dire che con soddisfazione che qualche progresso si è visto!

 Hai un soggetto preferito da fotografare? E un momento del giorno che vorresti sempre dedicare a uno scatto?

Devo dire che con i soggetti vado a periodi, in ogni caso ciò che non mi stanco mai di fotografare sono sicuramente i papaveri, i gatti e i paesaggi di campagna.
La luce del primo mattino è la mia preferita, anche se in realtà non capita spesso che possa approfittarne!

Pellicole ritrovate: da quello che vedo sul tuo blog ti capita spesso. E’ più bello ritrovare foto proprie dimenticate o tesori altrui?

Per quanto mi riguarda dico assolutamente tesori altrui.
Se ritrovo foto che avevo dimenticato sicuramente non avevano grande importanza per me, o in ogni caso, so dove sono state fatte, in quale contesto, in quale momento.
Ma trovare un rullino esposto da sconosciuti e non ancora sviluppato e andarne a ritirare i negativi è qualcosa che mi emoziona sempre tantissmo!
Passo ore ad immaginare storie e a chiedermi chi siano quelle persone!
Queste quelle che ho collezionato fino a questo momento.

Secondo te, la fotografia analogica, è più per chi vuole iniziare a fotografare magari giocando con pellicole e luci o per chi è già abituato a fotografare in digitale?

Penso che la fotografia analogica sia per tutti quelli che hanno voglia di mettersi alla prova, di sperimentare e di riscoprire, in un epoca del “tutto subito”, il gusto dell’attesa, la magia della sorpresa e perchè no, anche l’amaro di qualche cocente delusione!

In una parola, credo che la fotografia analogica, oggi più che mai, sia per chi ha ancora voglia di EMOZIONARSI.

Cosa ne pensi del film swap?

Amo molto i film swap, mi è capitato di “swappare” spesso (questi i risultati) e devo dire che è una tecnica di collaborazione che mi piace moltissimo: trovo davvero emozionante il fatto che luoghi così lontani possano “incrociarsi” in una stessa foto… che persone che mai si son viste si ritrovino nello stesso scatto. E non è come mettere insieme sue immagini con photoshop perchè con il film swap la pellicola ha viaggiato! Il rullino, in quel posto, ci è stato davvero!
Che dire… tanto amore per i film swap!

L`intervista e` quasi finita… e ci sono grosse novita` da annunciare come la notizia che prossimamente sarai ancora dei nostri qui su Fluster Magazine. Ci puoi dire qualcosa di quello che farai o è un segreto analogico?

It has been almost a year since “Tell Me A Tale” competition and we thought it was time for a new contest and again it will be involving people from all over the world so it is now time for…

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SWAPPA: Shoot, Swap and Win!

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What is it?

Swappa is an analogue (or analog if you prefer) photography contest

How does it work?

Simple! Fill the form below with your details and we will link you to a Swap Buddy from a different Country.

Shoot your photos on a film roll (yes, one of those things to put in old cameras…) and rewind. Then post the roll to your Swap Buddy who will re-shoot again over the same roll (within 7 days from receipt) and process it. Expect the unexpectable, the results will be something like this.

Can you still find film rolls?

Oh yes! You can find them everywhere both new and expired. Check your local photo shop, Ebay or supermarket. If you want something really cool our sponsor REVOLOG will offer a 10% discount on their film rolls for all SWAPPA contestants (we will send you the discount code with your application confirmation)

But I don`t have a film camera, what can I do?

Don`t worry , finding one is easier than you think. Go to a charity shop or your local market and get the cheapest you can find or check your auntie and uncle`s loft, there is always one there!

Is there any prize?

Of course! The best photos will be selected by FM team and PIM and will be published in a photobook and that`s not all!

We will randomly choose between the selected photographers the winners of a film supply for a year*, a FIGOSA neck strap, and a LOMOGRAPHY Diana Mini!

Do I need to pay to enter the contest?

No, it`s completely FREE

How long does the contest last?

You can enter until Sunday 29th of September and you have time until the 31st of October to send us your photos

Once I have sent you the photos, can I enter again?

Yes, just re-enter the entry form and we will link you to a new Swap Buddy

Have you got any tips on how to get a good photo and load/unload the film?

Sure, check our tutorial here but don`t worry too much about the technical stuff, just shoot and enjoy yourself!

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*Read the full Terms and Conditions here

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Fill the form below to enter:

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SWAPPA is sponsored by:

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in collaboration with:

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Pascal Fellonneau is a French photographer exploring the landscapes of Europe from Iceland to Spain, from his hometown Bordeaux to Paris where he now lives. An important part of his work questions the urban scene as we inhabit it. His pictures depict strange yet familiar landscapes often devoid of humanity. After living in Iceland for a few years, he was beneficiary of a grant from French ministry of Culture in 2005, and began exhibiting in several countries across Europe (France, Greece, Germany, Sweden). 

From Febuary till March 2012, he has been regularly wandering the streets of Paris searching for electoral posters of French presidential election 2012. The series Candidates is the result of this work and the exhibition CAMPAGNE shows a selection of it.

Some images from this series were shown in a solo exhibition at Plataforma, Bordeaux, France 2013 and published in several magazines and newspapers.

[traduzione in italiano in basso]

“Photographers have long been entranced by the effects of time, be it the slow crumbling of a cathedral, or the erosion of time on a face. Pascal Felloneau noticed that an image can quickly become the future without even pausing in present time with his photographs of French political posters. Architecture ages slowly but nothing ages faster than a political poster. One moment, they are potent images of hope and persuasion, the next forlorn mockeries of ambition. Pascal’s images of various political candidates, photographed weeks before the event, reveal how the erosion of weather and time turns both victor and the vanquished into rueful souvenirs of the past before the event has even occurred.”

Mark Power in Simulacra

(Images © Pascal Fellonneau)

More on Pascal Fellonneau’s work here

***Traduzione Italiana***

Pascal Fellonneau è un fotografo francese che si dedica all’esplorazione dei paesaggi europei, dall’Islanda alla Spagna, dalla sua città natale Bordeaux a Parigi, dove oggi vive. Una parte fondamentale del suo lavoro scandaglia la scena urbana, così come la abitiamo. Le sue foto mostrano paesaggi strani ma al contempo familiari, spesso privi di umanità. Dopo aver vissuto alcuni anni in Islanda, ha ottenuto una borsa dal Ministero francese della Cultura nel 2005, e ha iniziato a esporre in diversi paesi europei (Francia, Grecia, Germania, Svezia).

Da febbraio a marzo 2012, ha percorso le strade di Parigi alla ricerca dei manifesti della campagna elettorale per le elezioni presidenziali francesi 2012. La serie Candidates è il risultato di questo lavoro e la mostra CAMPAGNE ne espone una selezione.

Alcune immagini di questa serie sono state esposte in una personale a Plataforma, Bordeaux (Francia) nel 2013 e pubblicate in diverse riviste e quotidiani. 

“I fotografi sono stati a lungo affascinati dagli effetti del tempo, che sia il lento sgretolarsi di una cattedrale, o l’erosione del suo trascorrere su un volto. Pascal Felloneau ha notato che un’immagine può divenire velocemente futuro senza nemmeno soffermarsi nel tempo presente, e ha fatto questo con le sue fotografie dei manifesti politici francesi. L’architettura invecchia lentamente, ma nulla invecchia in modo più lento di un manifesto politico. Un momento prima sono potenti immagini di speranza e persuasione, quello successivo divengono misere parodie dell’ambizione. Le immagini di Pascal di diversi candidati politici, fotografati settimane prima delle elezioni, rivelano come l’erosione degli agenti atmosferici e del passare del tempo renda sia i vincitori che gli sconfitti meste vestigia del passato, del prima che l’evento si verificasse.”

Mark Power in Simulacra

Quenby Sheree is 30, grew up in Eugene Oregon and now lives in Maitland Florida. She graduated from the Southeast Center of Photography in Daytona Beach in 2012. Quenby was previously a freelance and documentary photographer and now she is the curator/founder of Curating the Unseen, a photography blog featuring emerging and unknown artists. No Shelter Here Project was exhibited earlier this year at The Southeast Museum of Photography.

[Traduzione in italiano in basso]

Hi Quenby! How did you come to photography?

How I started photography is a bit of a funny story. My boyfriend at the time had a very expensive digital camera that he would not let me play with, so out of spite; I signed up for a collage photography class on a whim. I bought a Canon Rebel film camera with a kit lens and a bunch of slide film. I was in my early 20’s and it was the first camera I would ever use. Two weeks into the class I came home very excited and told him I knew now I was going to be a photographer. He replied, “But you don’t even like photography!” and I answered, “Yeah, but I love DOING it!” Since then, of course, I love photography. But he was right that in the beginning, I was only interested in the process of taking the photo and cared little for the end result.A few years later we had a bad breakup and I would pick up and leave for the Southeast Center of Photography across the country, on another whim. I tend to make quick decisions, but I also stick with them.

You told us your favourite work of yours is the No Shelter Here project. What is it and why did you realize it?

No Shelter Here are portraits of dogs in the animal shelter environment with text stating the reason they were abandoned by their owners. I think it started as an emotional outlet for me because I have been volunteering at shelters on and off since I was a teenager, but the experience is very emotionally draining. I continued the project because their story needs to be told. People need to understand the reality of what they are doing when they abandoned their pets and the general population needs to see that these dogs are not broken or inadequate just because someone else didn’t want them.

What would you tell those people who abandoned their dogs, if you could talk to them right now?

I would tell them that there is no good reason to abandon their dog. That the dog was scared, confused, and most likely put to death. That I don’t care how inconvenient they became- when you take a dog in it is for life, not just as long as the dog is convenient or fun.

Is there a happy ending for those dogs? Did they find a new home and people who really care for them?

None of those dogs, as far as I know, found homes.

Do you think laws can do anything for abandoned animals or is it just a matter of education?

We need more strict laws punishing those that abuse and neglect animals. And education about the importance of spaying and neutering pets, how to properly train them, how expensive it is to care for them, the dangers of “backyard breeding” where uneducated amateurs that do not pay for gene testing breed and sell dogs, the fact that there is NO REASON to buy a pet when so many are being put to death because of lack of homes…

You founded a submission blog “Curating the Unseen”, featuring emerging and unknown photographers. How did you start with this idea and why?

I had recently graduated with my AS degree in photographic technology from the Southeast Center of Photography and was in a transitional phase. I decided I hated freelancing and stepped out of the job market while I figured out what I wanted to do with my own work. I was reading Lenscratch when it just struck me, I’m perfectly qualified to do this kind of blog. I love to edit, I know a lot of photographers, I understand social media… And CtU has a very different collection of work. I don’t think any of us are doing the same thing because the people running these blogs have such varied tastes.
Of course Curating the Unseen, like most blogs, make no money at all. But it’s far more fulfilling then photographing at a portrait studio was for me. It’s my life now. I work on it for several hours every day and I plan to keep it going for life.

How does this project work?

I have different type of entries. A lot of them are Featured posts where the work is from one single photographer and then I interview them. There is one theme I call, “Imaginary Places” where I construct a fictional world using various artists’ photos. Those are my favourite entries to put together.
There are also different themes I put together when different inspiration strikes me from the photos I collect from the artists or often it is something I read or music I am listening to. Like with my own photography, I pull inspiration from different sources.

How did Internet and this blog help you and other artists?

The internet itself is an unparalleled tool for me. The ability to be in so many different photo communities, make so many connections with other artists, show my work to the staggering amount of people I am able to… I would not be the photographer I am without it. Fluster Magazine, and the other submission blogs out there that properly credit the photographers and get permission to publish them are tantamount to the growth of this industry. Both those things are equally important- if you credit without permission it is still theft. Fluster is one of the few places that understands that. I wouldn’t be here otherwise. If you are not creating the blog to help the artists whose work you show then you shouldn’t be doing it.

On your personal blog there’s a section called “Conversations with my mother”. Why?

I have the best conversations with my Mother. After years of talking to her through online chat I realized I should be saving them because she’s not going to be around forever and I want her exact words. My memory is not reliable. One day I might have a daughter that will want to get to know her grandmother at an age she would not have otherwise.

There are also some portraits in the “I shoot film” section. Who are your models?

There is one from a 4×5 camera of a goth kid and that’s my favourite. His name is Bobby Love and he’s the biggest sweetheart in the world. I yanked him out of the darkroom at school- pretty much pointed at him and said, “YOU! YOU WILL POSE FOR ME!”, something obnoxious like that. I was way too thrilled that day over getting my hands on a 4×5. Most of those shots are people I went to school with. One, the girl in the large glasses is a contributing photographer to CtU, Alyson Bowen.

What are your plans for future works?

Right now I am attempting the photo a day project for maybe the 10th time. I’m not good at it. As for my next portfolio, I really hope to start photographing a nearby sustainable ‘Voluntary Simplicity” group that grows their own food, lives in small eco housing, live off the land as much as possible… I haven’t been able to take these steps in my life but I have a deep interest because I believe they put far more thought into how they live then I have been and I want to learn from that. The only way I am comfortable interacting is through photography, and I think it would be a great documentary project.

(Images © Quenby Sheree)

More of Quenby Sheree’s work here  and here

You can find No Shelter Here project here

**Italiano**

Quenby Sheree ha 30 anni, è cresciuta a Eugene, Oregon e attualmente vive a Maitland, Florida. Si è laureata presso il Southeast Center of Photography a Daytona Beach nel 2012. Prima era fotografa freelance e documentarista, al momento è la curatrice/fondatrice di Curating the Unseen, un blog che tratta di artisti emergenti e non famosi. Il suo progetto No Shelter Here è stato esposto quest’anno presso il Southeast Museum of Photography.

Ciao Quenby! Come sei arrivata alla fotografia?

Come ho iniziato a scattare foto è una storia abbastanza divertente. Il mio ragazzo dell’epoca possedeva una fotocamera digitale molto costosa che non mi lasciava mai toccare, così per dispetto: mi iscrissi a un corso di fotografia di collage per capriccio. Acquistai una fotocamera analogica Canon Rebel con un kit di obiettivi e un po’ di pellicola diapositiva. Due settimane dopo l’inizio del corso, tornai a casa molto eccitata e gli dissi che ora sapevo che sarei voluta diventare una fotografa. Lui replicò: “Ma se nemmeno ti piace la fotografia!”, e io risposi: “Già, ma amo FARLE!” Da allora, naturalmente, amo la fotografia. Ma aveva ragione riguardo agli inizi, ero solo interessata nel procedimento dello scattare la foto e mi preoccupavo molto poco del risultato finale.
Alcuni anni più tardi la nostra relazione finì molto male, così raccolsi la mia roba e partii per il Southeast Center of Photography, attraversando il paese, seguendo un altro capriccio. Tendo a prendere decisioni impulsive, ma le porto fino in fondo.

Ci hai detto che il tuo lavoro preferito, tra quelli che hai fatto, è il progetto No Shelter Here. Cos’è e perché lo hai realizzato?

No Shelter Here si compone di ritratti di cani nell’ambiente del rifugio per animali, con un testo di accompagnamento che spiega la ragione per cui sono stati abbandonati dai loro proprietari. Penso che iniziò come uno sfogo emotivo per me, perché faccio la volontaria presso i rifugi di quando in quando da quand’ero adolescente, ma l’esperienza ti prosciuga davvero a livello emotivo. Ho continuato il progetto perché le loro storie dovevano essere raccontate. Le persone hanno bisogno di capire la realtà di cosa stanno facendo quando abbandonano i loro animali e il resto della gente deve vedere che questi cani non sono deboli o inadeguati solo perché qualcun altro non li ha voluti.

Cosa diresti alle persone che hanno abbandonati i loro cani, se potessi parlarci in questo momento?

Gli direi che non esiste una ragione valida per abbandonare il loro cane. Che il cane era spaventato, confuso, e nella gran parte dei casi, probabilmente condannato a morte. Che non mi importa quanto scomodi fossero diventati – quando prendi un cane, è per sempre, non finché il cane ti fa comodo o per divertimento.

C’è un lieto fine per questi cani? Hanno trovato una nuova casa e persone che si occupassero davvero di loro?

Nessuno di questi cani, per quanto ne sappia, ha trovato casa.

Pensi che le leggi possano fare qualcosa per gli animali abbandonati o è solo un problema di educazione?

Abbiamo bisogno di leggi più severe, che puniscano coloro che abusano e trascurano gli animali. E l’educazione riguardo l’importanza di sterilizzare e castrare gli animali domestici, come addestrarli in modo adeguato, quanto costoso sia prendersene cura, I pericoli degli “allevamenti clandestini”, dove ignoranti allo sbaraglio che non pagano per i test genetici allevano e vendono cani, il fatto che NON c’è MOTIVO per comprare un animale domestico quando molti sono condannati a morte a causa della mancanza di case che li accolgano…

Hai fondato “Curating the Unseen”, un blog che presenta fotografi emergenti e sconosciuti. Come hai iniziato con quest’idea e perché?

Di recente mi sono laureata in tecnologia fotografica presso il Southeast Center of Photography ed ero in un periodo di transizione. Ho deciso che detestavo lavorare come freelance e sono uscita da quel giro mentre cercavo di capire cosa volevo farne del mio lavoro. Stavo leggendo Lenscratch quando mi ha colpito, sono perfettamente qualificata per tenere questo tipo di blog. Amo occuparmi dei contenuti, conosco un sacco di fotografi, ne capisco di social media… E CtU ha una serie di lavori molto diversa. Non penso che nessuno di noi stia facendo la stessa cosa, perché le persone che si gestiscono questi blog hanno gusti così tanto diversificati. Di certo Curating the Unseen, come la gran parte dei blog, non procura dei soldi per niente. Ma è molto più soddisfacente che scattare ritratti in unstudio, per me. E’ la mia vita, ora. Ci lavoro per molte ore, ogni giorno, e progetto di farlo continuare per tutta la mia vita.

Come funziona questo progetto?

Ho tipi diversi di contributi. Un sacco di questi sono Post di presentazione, dove il lavoro proviene da un singolo fotografo che poi io intervisto. C’è un argomento che chiamo “Luoghi immaginari”, dove creo un mondo di finzione, utilizzando varie foto di questi artisti. Quelli sono i miei contributi preferiti da mettere insieme. Ci sono poi argomenti diversi che metto insieme, quando un’ispirazione diversa mi colpisce dalle foto che ricevo dagli artisti, o spesso è qualcosa che leggo o la musica che sto ascoltando. Come con la mia stessa fotografia, ricavo ispirazione da varie fonti.Come hanno aiutato Internet e questo blog te e altri artisti?Internet stesso è uno strumento impareggiabile per me. La capacità di essere in così tante, diverse community di foto, tracciare così tante connessioni con altri artisti, mostrare il mio lavoro allo sbalorditivo numero di persone cui riesco… Non sarei la fotografa che sono senza. Fluster Magazine e gli altri blog in rete cui si possono inviare dei contributi che, in maniera giusta, citano i fotografi e ottengono l’autorizzazione per pubblicarli, sono pari alla crescita di quest’industria. Entrambe queste cose sono importanti allo stesso modo – se citi senza permesso è ancora rubare. Fluster è uno dei pochi posti che lo capisce. Non sarei qua altrimenti. Se non stai creando il blog per aiutare gli artisti di cui mostri il lavoro, allora non dovresti crearlo.

Sul tuo blog personale c’è una sezione chiamata “Conversazioni con mia madre”. Perché?

Le mie migliori conversazioni le ho con mia madre. Dopo anni di dialoghi con lei tramite chat, ho capito che avrei dovuto salvare quelle conversazioni, perché non sarà al mondo per sempre e voglio conservare le sue parole esatte. La mia memoria non è affidabile. Un giorno potrei avere una figlia che vorrà conoscere sua nonna a un’età in cui altrimenti non potrebbe.

Ci sono anche alcuni ritratti nella sezione “Scatto su pellicola”. Chi sono i tuoi modelli?

Ce n’è una, fatta con una fotocamera 4×5 di un ragazzo goth, e quella è la mia preferita. Il suo nome è Bobby Love ed è il più gran tesoro del mondo. L’ho strattonato fuori dalla camera oscura a scuola – in sostanza l’ho indicato e ho detto, “TU! TU POSERAI PER ME!”, qualcosa di detestabile del genere. Ero così su di giri quel giorno all’idea di mettere le mani su una 4×5. La gran parte di quegli scatti sono persone con cui andavo a scuola. Una, la ragazza con grandi occhiali è una fotografa che collabora a CtU, Alyson Bowen.

Che progetti hai per i tuoi lavori futuri?

Adesso sto tentando di fare la foto per un progetto del giorno, forse per la decima volta. Non sono brava in queste cose. Come per il mio prossimo portfolio, spero sul serio di iniziare a fotografare un quasi ecosostenibile gruppo, “Voluntary Simplicity”, che coltiva il proprio cibo, vive in piccole abitazioni ecologiche, vive della campagna per quanto possibile… Non sono stata in grado di intraprendere questi passi nella mia vita, ma ho un interesse molto profondo perché credo che ci mettano molta coscienza nel modo in cui vivono di quanto abbia fatto io, e voglio imparare da ciò. Il solo modo in cui mi sento ad agio nel rapportarmi è la fotografia, e ritengo che sarebbe un grande progetto documentario.

“My impulse photographically is closer to poetry than it is to essay writing” (Alec Soth in an interview at le Jeu de Paume, Paris). This is exactly how Rislaine B. would sum up her work.  Her first steps into Arts were through poetry that she began at the age of 12, and at 16 her first book was published. Poetry is what she seeks in her photographical practice. In 2007, she discovered Jack Kerouac and as a character he fascinated her, and she began to dream about her own life on the road. She read most of his books and even if she has a very different way of apprehending life-on-the-road, he still was her biggest inspiration. Her trips began in 2011 when she had her car and at the same all the freedom that goes with it. 

Everywhere on the Road, she works on collecting those traces that humans leave behind. What interests her is the relationship between humans and landscape. When she photographs people whether it’s in a landscape, their houses, her house or anywhere else, her first preoccupation about the picture is to capture the intimacy of the moment, and not the intimacy of the person, because she doesn’t believe in capturing the “souls” of people while photographing them. Constantly looking for links between photography and other arts, she likes to give a voice to those silent strings that remind us all arts tessellate.

[Traduzione in italiano in basso]

( Images © Rislaine B.)

More of Rislaine B.’s work here

**Italiano**

Aurélien Buttin (27) lives in Amiens, France. He studies geography and plans to travel from Canada to Argentina and take photos on his way. He likes photography since he was a child, with photography he can express his feelings and how he sees life. He considers photography more than an art: the power to catch a special moment. Aurélien does not like to explain his photographies, he thinks people can see what they want in them. His subjects are often his friends but he likes  landscapes too. He has visited 40 countries and took what he saw and what he felt.

[Traduzione in italiano in basso]

( Images © Aurélien Buttin)

More of Aurélien Buttin’s work here

**Italiano**