Sonia Marpez (Galicia, Spain, 1987) is photographer and student of art history. She has collaborated in different art projects and has been in charge of diverse editorial and poster projects, beside being coauthor of some blogs.

[Traduzione in italiano in basso]

Hi Sonia! How did you come to photography?

When I was a teenager I took shelter behind the camera.

Are there photographers who influenced you?

In the beginning, artist like Robert Bresson and Larry Clark showed me that reality is full of beauty. But actually my work has been influenced more by personal experiences; besides that, film and music have been the arts that have inspired me most.

You usually choose black and white tones for your works. Why?

I started doing color photography, but I began to see the world from another perspective, perhaps more sadly; the black and white photography was better to tell how I was feeling.

Your photographs remind me of Surrealism; a lemon slice in a pocket watch, some door handles in the sand… Is there any link with that art movement?

Maybe, after all, on many occasions I seek an approach to the subconscious.

Analogue or digital?

Digital, although I have little affairs with analog photography, when my pocket permits.

Some pictures of yours show a little human being, closed in a glass bottle. What is their meaning?

Loneliness, solitude, melancholy (and the infinite sadness), isolation, alienation, the impossibility of real communication…

Are you interested in other forms of art, for example painting or writing? Do they influence your photographs?

Yes, when I was a little girl I enjoyed very much drawing, now I still like it but I’m not very good at it. With writing I have a little stormy relationship, I quite like it but we fight a lot.

Do you have a favourite subject? Why?

I guess the melancholy, everyone says that my photographs transmit it.

You live in Spain. What do you think about the photographic field in your country? And in Europe? Would you like to move to another country to improve?

I think there are very good people to discover. Regarding move to another country, I think about it constantly, especially for economic issues; if the country continues longer without providing opportunities for young people I will have to emigrate.

What are your goals for the future?

Right now to get a job, perhaps then I’d can fantasize about the future.

( Images © Sonia Marpez)

More of Sonia Marpez’s work here

**Italiano**

Sonia Marpez (Galizia, Spagna, 1987) è una fotografa e una studentessa di storia dell’arte. Ha collaborato con diversi progetti artistici ed è stata a capo di molti progetti editoriali e di cartellonistica, oltre ad essere co-autrice di alcuni blog.

Ciao Sonia! Come sei arrivata alla fotografia?

Quand’ero adolescente ho trovato riparo dietro la fotocamera.

Ci sono fotografi che ti hanno influenzato?

All’inizio, artisti come Robert Bresson e Larry Clark mi hanno mostrato che la realtà è piena di bellezza. Ma in verità, il mio lavoro è stato influenzato di più dalle mie esperienze personali; oltre a quelle, i film e la musica sono state le arti che mi hanno ispirato maggiormente.

Di solito utilizzi tonalità in bianco e nero per i tuoi lavori. Perché?

Ho iniziato facendo fotografie a colori, ma ho preso a vedere il mondo da un’altra prospettiva, forse in maniera più triste: la fotografia in bianco e nero era il modo migliore per comunicare cosa stavo provando.

Le tue fotografie mi ricordano il Surrealismo: una fetta di limone inserita in un orologio da taschino, alcune maniglie nella sabbia… C’è qualche collegamento con quel movimento artistico?

Forse, dopo tutto, in molte occasioni cerco un approccio con il subconscio.

Analogico o digitale?

Digitale, sebbene abbia qualche volta a che fare con la fotografia analogica, quando le mie tasche me lo consentono.

Alcune tue foto mostrano un piccolo essere umano, chiuso in una bottiglia di vetro. Qual è il loro significato?

Isolamento, solitudine, malinconia (e la tristezza infinita), separazione, alienazione, l’impossibilità di una comunicazione reale…

Sei interessata ad altre forme d’arte, per esempio dipingere o scrivere? Influenzano la tua fotografia?

Sì, quand’ero una bambina mi piaceva moltissimo disegnare, ora mi piace ancora ma non sono molto portata. Con la scrittura ho una breve relazione tormentata, mi piace abbastanza ma bisticciamo un sacco.

Hai un soggetto preferito? Perché?

Credo la malinconia, tutti dicono che le mie fotografie la trasmettono.

Vivi in Spagna. Cosa pensi della scena fotografica del tuo paese? E in Europa? Ti piacerebbe spostarti in un altro paese per migliorare?

Penso che ci siano molte persone valide da scoprire. Riguardo lo spostarsi in un altro paese, ci rifletto di continuo, in particolar modo per motivi economici: se il paese persevera nel non fornire opportunità ai giovani, dovrò emigrare.

Quali sono i tuoi obiettivi per il futuro?

In questo momento, trovare un lavoro, forse poi potrò fantasticare sul mio avvenire.

Peter Hayes is an independent curator, artist, and advocate for the arts. Currently, he works in Silicon Valley, curates an online art gallery, Pivot Art Gallery, and lives in Oakland, CA. He is deeply interested in the history of art (photography specifically) and how it relates to the history of our culture as a whole. Peter found some expired film and decided to shoot it. This is the story of his experiment.

[Traduzione in italiano in basso]

I was cleaning out some boxes that had been in storage for some time. (I used to have a type of ‘mobile’ darkroom set-up that I would install in a bathroom or closet of each new apartment that I moved to). In this box, I came across several rolls of film that had never been shot. The expiration date was 2001 or 2002 if I remember correctly and it was 2011 when I found it.

Not being able to throw the film out (what potential!) I brought out my old Pentax K100 and went for a hike in the hills of California. After shooting several rolls in both color and black and white, I dropped them off at the local 1 hour lab (though they are becoming harder and harder to find…). They noted the expiration and asked me if I was sure I wanted to bother. I confirmed and a little while later picked them up. The black and white results turned out to have interesting color shifts, contrast, and tones.

The unpredictability added an exciting dimension to the act of shooting. All in all it was a great experience and since I have been keeping an eye out for expired film of all sorts.

( Text and images © Peter Hayes)

**Italiano**

Peter Hayes è un curatore d’arte libero professionista, artista e promotore d’arte. Al momento, lavora nella Silicon Valley, gestisce una galleria d’arte online, Pivot Art Gallery, e vive a Oakland (California). Si interessa profondamente di storia dell’arte (in particolare di fotografia) e di come si intreccia alla storia della nostra cultura nel suo insieme.

Stavo svuotando alcune scatole che erano rimaste da parte per un po’ di tempo. (Era mia abitudine avere una sorta di attrezzatura da camera oscura “mobile”, che avrei potuto installare in un bagno o in un ripostiglio in qualsiasi nuovo appartamento in cui avessi traslocato). In questa scatola, mi sono capitati per le mani diversi rullini di pellicola che non erano mai stati utilizzati. La data di scadenza era il 2001 o il 2002, se ricordo bene, ed era il 2011 quando li ho trovati.

Non sentendomela di gettare via la pellicola (quanto potenziale!), ho tirato fuori la mia vecchia Pentax K100 e sono partito per un’escursione sulle colline della California. Dopo aver usato parecchi rullini, sia a colori che in bianco e nero, li ho portati al laboratorio di sviluppo in un’ora del posto (sebbene stiano diventando sempre più difficili da scovare…). Hanno fatto caso alla data di scadenza e mi hanno chiesto se fossi certo di volermi prendere quella briga. Ho detto di sì e poco dopo li ho ritirati. I risultati in bianco e nero si sono rivelati avere interessanti varianti di colore, contrasti e tonalità.

L’imprevedibilità ha aggiunto un lato eccitante all’atto di scattare. Nel complesso, è stata un’esperienza grandiosa e da allora sto all’erta in caso di rullini scaduti di ogni tipo.

Giannis Papanikos was born in Thessaloniki. In 2011 he bought his first camera and began studying photography in Stereosis school of Photography in the center of Thessaloniki. At the same time he started working as a photojournalist,  and doing assignments for a Free Press Ecological Journal. The first project he worked on was called ” Trisomy 21 ” and deals with the lives of people with Syndrome Down. His inner need for traveling led him into two projects in India and Morocco. Since the beginning of 2013 he identify himself as a Freelance photojournalist covering news for news agencies . His work has been published in European and Greek media. 

[Traduzione in italiano in basso]

The reason I got involved with photography was the need for traveling . So in April 2013 I chose to travel to Morocco and to deal with a short time project. I always had a big question about this country , and the question became larger after the storm of the Arabian Spring. Morocco was the only North African country that stayed out of the dramatic events, and maybe today is the only stability pole in the region.

Throughout the trip I had the opportunity to visit three completely different cities. The cosmopolitan capital of Rabat, the touristic Marrakech and the enigmatic town of Ouarzazate . From the beginning, the purpose of my images, was to show both faces of Morocco. The first face of the Morocco which is trying to modernize itself , according to the Western standards , but also the opposite face of Morocco which refuses to abandon its strong Islamic traditions and lifestyle.

Also another term that I put on this project was the lighting. My pictures should necessarily be characterized by a throw warm light. So I narrowed myself on photographing only in the afternoon or early in the morning. Many things passed in front of my lens, such as, children playing in ancient cities , middle class people who faithfully followed the plans of their everyday life , yuppies dressed in expensive suits passing out of modern shopping centers , excited tourists who were discovering the attractions and restaurants, suggested by the tourist guides, and people making a relaxed afternoon stroll at the seaside of Rabat .

I think that from a very young age, the man gets the stimulus of photography, as something strictly personal, and usually a family affair. We usually get photographed by persons familiar to us, which usually record the most memorable moments of our lives. So, intimate there is an ingrained desire to face the lens only when we are happy and beautiful. If all of these, in combination with our strong faith in a religion or a political doctrine, then we are doomed to face any kind of art and especially photography as a hostile act against us, and the photographer, as like someone who has the will to use our figure in order to satisfy dark purposes, that aim to slander us or endanger our faith.

The reason I write these lines is to make an introduction to the main problem I encountered in Morocco. And this problem was the photography itself. The prohibition to make frames that included people inside was a very common phenomenon. I tried to respect the wishes of those who didn’t like to lie on my pictures.

Otherwise I’ve never had any complaints from the hospitality of Moroccan people. After every trip, I try to remember each country through very specific memories, that I gained from my wanderings. Morocco for me is the spring breeze of the Atlantic ocean in Rabat, the night exploring in the narrow streets of the Marrakech medina and the amazing light that bathes the town of Ouarzazate, against the tranquil desert landscape.

( Images © Giannis Papanikos)

More on Giannis Papanikos’ work here

**Italiano**

Giannis Papanikos è nato a Tessalonica. Nel 2011 ha acquistato la sua prima fotocamera e ha iniziato a studiare fotografia alla Scuola di Fotografia Stereosis, nel centro di Tessalonica. Allo stesso tempo, ha iniziato a lavorare come fotogiornalista, svolgendo incarichi per un giornale ecologista di stampa libera. Il primo progetto su cui ha lavorato è stato “Trisomy 21”, che tratta della vita delle persone con Sindrome di Down. Il suo bisogno interiore di viaggiare lo ha condotto a realizzare due progetti in India e Marocco. Dall’inizio del 2013 si definisce fotogiornalista freelance, documentando ciò che accade per le agenzie di stampa. Il suo lavoro è stato pubblicato sui media greci ed europei.

Il Paese della Luce

Il motivo per cui sono diventato un fotografo è stato il bisogno di viaggiare. Così, ad Aprile 2013 ho deciso di andare in Marocco e di occuparmi di un breve progetto. Mi sono sempre posto un grosso interrogativo su questo paese, e l’interrogativo si è ingigantito dopo la tempesta della Primavera Araba. Il Marocco è stato il solo stato nordafricano che è rimasto fuori da quegli eventi drammatici, e forse oggi rappresenta il solo polo di stabilità nella regione.

Attraverso il viaggio, ho avuto la possibilità di visitare tre città completamente diverse fra loro. La capitale cosmopolita di Rabat, la turistica Marrakech e l’enigmatica città di Ouarzazate. Da principio, lo scopo delle mie immagini era di mostrare ambo le facce del Marocco. La prima faccia del Marocco che sta tentando di modernizzarsi, secondo i parametri occidentali, ma anche il rovescio della medaglia, il Marocco che rifiuta di abbandonare le forti tradizioni e lo stile di vita islamico.

Inoltre, un’altra condizione che ho inserito in questo progetto è l’illuminazione. Le mie fotografie dovevano per forza essere contraddistinte da una calda luce diretta. Perciò, mi sono limitato a scattare foto soltanto di pomeriggio o di prima mattina. Molte cose sono accadute davanti al mio obiettivo, per esempio, bambini che giocavano in antiche città, persone della classe media che seguivano accuratamente gli schemi della vita di tutti i giorni, yuppies che indossavano completi costosi fagocitati dai moderni centri commerciali, turisti eccitati che si lanciavano alla scoperta di attrazioni e ristoranti, suggeriti loro dalle guide, e persone che trascorrevano un pomeriggio rilassante passeggiando sul litorale di Rabat.

Penso che, fin dalla giovane età, l’uomo riceva lo stimolo a fotografare come qualcosa di strettamente personale, di solito una questione di famiglia. Di solito, veniamo immortalati da persone che ci sono familiari, che in genere registrano i momenti più memorabili delle nostre esistenze. Dunque, nell’intimo c’è un desiderio radicato di mettersi di fronte all’obiettivo solo quando siamo felici e carini. Se tutto ciò si combina alla nostra forte fede in una religione o in una corrente politica, allora siamo destinati a avere a che fare con ogni tipo d’arte e in particolar modo la fotografia, in quanto atto ostile contro di noi, e il fotografo, come qualcuno che ha il potere di usare la nostra immagine per soddisfare scopi oscuri, che mirano a diffamarci o a mettere a repentaglio la nostra fede.

Il motivo per cui scrivo queste righe è introdurre il problema più grave che ho riscontrato in Marocco. E questo problema era la fotografia stessa. Il divieto di scattare foto che includessero persone è stato molto frequente. Ho provato a rispettare il volere di coloro che non desideravano comparire nelle mie foto.

A ogni modo, non ho mai avuto occasione di lamentarmi dell’ospitalità dei marocchini. Dopo ogni viaggio, cerco di ricordare ogni paese attraverso ricordi molto dettagliati, che ricavo dal mio girovagare. Il Marocco per me è la brezza primaverile dell’Oceano Atlantico a Rabat, la notte trascorsa esplorando le strette viuzze della medina di Marrakech e la luce favolosa che avvolge la città di Ouarzazate, in contrasto con il silenzioso panorama del deserto.

Blaz Kutin is a filmmaker and photographer. Born in Ljubljana, Slovenia, he is currently based in Berlin, Germany. He graduated in Ethnology and Sociology, but soon started working as a film writer/director. He directed several shorts and received a New Media award at the Cannes Film Festival for his screenplay “Lara” (2006), while his first feature film “We’ve Never been to Venice” screened at numerous film festivals around the world. For the last year and a half he has been building his photography portfolio in which he is predominantly exploring abstract photography. His latest project, called “I was Here”, shows fading photos of people on the walls of Berlin cityscape.

[Traduzione in italiano in basso]

Hi Blaz! How did you come to photography?

It happened spontaneously while I was developing my next film. I started exploring the medium more and more, and soon there was no way back.

You were born in Slovenia but you currently live in Germany. What important differences can you find between these two countries? Do they affect your art and how?

Perhaps the biggest difference is in size. Slovenia is very small, it has only 2 million people, and I think many other differences are direct consequences of this. But being here I don’t really feel so much as living in Germany, but in Berlin. The city has a special feel, it’s very open, and you can feel it immediately. The environment of course always affects one deeply, but I think what was important for me after moving here was that Berlin offered me a psychological distance. I could suddenly look at myself and the themes I was exploring with fresh eyes.

Your work explores especially abstract photography. Can you explain us what this kind of photography is and why are you interested in it?

For me, abstracts are pictures that do not directly represent reality. It takes the involvement of the viewer to put meaning to them. While I take a photograph, my goal is usually to transcend the medium. I’m told that many of my pictures could easily be paintings, for example, and the viewer wouldn’t guess that they’re actually watching a detail of a container or a wall. It’s hard to explain why I’m interested in this, it’s freeing I guess. I see it as opposite to, let’s say, street photography which often tends to bore me as a viewer. With abstractions and their shapes and colour I try to find something new, I’m excited to explore, to invent and discover, using my imagination and the subconscious.

Do you think your field of study (sociology and ethnology) influences your photographs?

It’s no coincidence that I studied them although it’s not very important either. I do have – as far as ethnology goes – a passion for the old, and most of my photography work represents that. Sociology, on the other hand, is something I needed to explore when I was younger – before turning to more personal, psychological and philosophical areas.

Analogue or digital? Why?

Nowadays I only use digital for abstracts and I’m grateful for all the convenience it offers. It gets the job done much more easily. But visually I prefer analogue. It does not matter much for my abstracts, but if I’d be taking different kind of photographs I’d probably use analogue.

You are also a filmmaker. Tell us something about this art area of yours. Does it relate to your work as a photographer?

I consider myself predominately a film writer/director. I did some shorts and one feature film; I’m developing the next one. I wouldn’t say still photography much relates to filmmaking, but it can supplement it. While making your film you depend on many people, and when I take photographs, I’m alone. Photography doesn’t cost much to do, at least not in comparison to filmmaking which is very expensive. The process of making films is, unfortunately, all about money, and it’s extremely stressful. I experience still photography as relaxing and liberating. But – and there’s the catch – when it’s all said and done, seeing the finished film is pure magic. For me personally, no other art form can come close to it.

Can you explain us your creative process?

It’s very intuitive, no matter if I work within a specific project or a theme, or not. I search around the city – Berlin is very rewarding that way. Lots of old surfaces, textures, it’s like a supermarket for me. Then I look through what I shot and see what works and what doesn’t, and apply some post processing to bring the pictures alive.

What is the role of colors and materials in your works?

Colour is very important to me. I like black and white a lot, but I’m really a colour guy. But if I don’t have a way of completely controlling it, I prefer not to go there at all. There’s nothing worse than badly chosen colour, it destroys the whole thing. But when it works … In regards to materials, I like my abstracts to be printed on paper and then attached to aluminium for stability. No frame, no glass. I like them to have an immediate quality, to hang like a painting.

If you could go anywhere in the world for your next job, where would you like to go?

I wouldn’t mind Rome. I love the city and it too – not unlike Berlin – offers numerous decaying surfaces that I look for.

Tell us something about your upcoming projects.

At the moment I’m very much wrapped up in filmmaking, so I don’t have as much time for still photography as I’d like. But I’m looking forward to a solo exhibition in February.

( Images © Blaz Kutin)

More on Blaz Kutin’s work here

**Italiano**

Blaz Kutin è filmmaker e fotografo. Nato a Lubiana (Slovenia), al momento vive a Berlino (Germania). Si è laureato in Etnologia e Sociologia, ma ha iniziato presto a lavorare come sceneggiatore e regista. Ha diretto diversi corti e ricevuto il premio per la categoria Nuovi Media al Festival del Cinema di Cannes per la sceneggiatura di “Lara” (2006), mentre il suo primo lungometraggio “We’ve never been to Venice” è stato proiettato durante diversi festival del cinema in giro per il mondo. Nell’ultimo anno e mezzo, si è dedicato al suo portfolio fotografico, nel quale sta esplorando soprattutto la fotografia astratta. Il suo ultimo progetto, chiamato “I was here”, mostra ritratti sbiaditi sui muri del paesaggio urbano di Berlino.

Ciao Blaz! Come sei arrivato alla fotografia?

E’ successo in modo spontaneo, mentre stavo lavorando al mio prossimo film. Ho iniziato a esplorare il mezzo sempre di più, e presto non c’è stata possibilità di tornare indietro.

Sei nato in Slovenia ma attualmente vivi in Germania. Che differenze rilevanti hai trovato tra questi due paesi?

Influiscono sulla tua arte e in che maniera?Forse la differenza più rilevante è la dimensione. La Slovenia è molto piccola, ha solo due milioni di abitanti, e penso che molte altre differenze siano la diretta conseguenza di questa. Ma, stando qui, non sento molto di vivere in Germania, quanto piuttosto a Berlino. Questa città ha un sentire speciale, è molto aperta, e puoi percepirlo subito. L’ambiente di certo influenza sempre la gente in profondità, ma credo che ciò che veramente contasse per me, dopo essermi trasferito qui, fosse che Berlino mi offriva una distanza psicologica. Potevo d’un tratto guardare me stesso e le tematiche che stavo esplorando con occhi nuovi.

Il tuo lavoro indaga in particolar modo la fotografia astratta. Puoi spiegarci di che genere di fotografia si tratta e perché te ne interessi?

Per me, le foto astratte sono immagini che non rappresentano direttamente la realtà. E’ richiesto coinvolgimento da parte dello spettatore per attribuirvi del significato. Mentre scatto una foto, il mio obiettivo di solito è trascendere il mezzo. Mi è stato detto che molte delle mie fotografie potrebbero essere semplicemente dei dipinti, per esempio, e lo spettatore non riuscirebbe a capire che in verità sta osservando un particolare di un container o di un muro. E’ difficile spiegare perché me ne interessi, è liberatorio, credo. Lo vedo come opposto, diciamo, alla fotografia di strada, che spesso tende ad annoiarmi in quanto spettatore. Con le astrazioni e le loro forme e colori, provo a trovare qualcosa di nuovo, mi eccita esplorare, inventare e scoprire, usando la mia immaginazione e il subconscio.

Ritieni che il tuo campo di studi (sociologia e etnologia) influenzi le tue fotografie?

Non è una coincidenza il fatto che le abbia studiate, sebbene non sia nemmeno molto rilevante. Avevo davvero – per quanto l’etnologia se ne occupi – una passione per il vecchio, e gran parte della mia fotografia rappresenta questo. La sociologia, d’altro canto, è qualcosa che avevo bisogno di indagare quand’ero più giovane – prima di indirizzarmi verso aree più personali, psicologiche e filosofiche.

Analogico o digitale? Perché?

Al giorno d’oggi, uso solo il digitale per i miei lavori astratti e sono grato a tutta la praticità che offre. Permette di lavorare molto più agevolmente. Ma a livello visivo preferisco l’analogico. Non conta molto per i miei lavori astratti, ma se dovessi scattare un genere diverso di fotografie, probabilmente userei l’analogico.

Sei anche un filmmaker. Dicci qualcosa su questa tua attività artistica.

E’ collegata al tuo lavoro di fotografo?Mi considero soprattutto uno sceneggiatore e regista. Ho realizzato alcuni corti e un lungometraggio: sto lavorando al prossimo. Non direi che la fotografia statica sia tanto collegata al fare cinema, ma può integrarla. Mentre giri il tuo film, dipendi da molte persone, e quando fai fotografie, sono solo. La fotografia non costa molto in termini di produzione, almeno non quanto girare un film, facendo il paragone, cosa che è invece molto costosa. Il processo del fare cinema è, purtroppo, del tutto meramente economico, ed è estremamente stressante. Ritengo l’esperienza della fotografia statica qualcosa di rilassante e liberatorio. Ma – e c’è il trabocchetto – quando tutto è stato detto e fatto, vedere il film finito è pura magia. Per me personalmente, nessun’altra forma d’arte può avvicinarvisi.

Puoi spiegarci il tuo processo creativo?

E’ molto intuitivo, non conta che io stia lavorando a un progetto definito o a una tematica, o no. Vado in cerca per la città – Berlino in questo senso è molto gratificante. Un sacco di vecchie superfici, consistenze, è come un supermercato per me. Poi, guardo attraverso ciò che ho immortalato e vedo cosa funziona o meno, e effettuo qualche ritocco per dare vita alle fotografie.

Qual è il ruolo dei colori e dei materiali nei tuoi lavori?

Il colore è importantissimo per me. Mi piace un sacco il bianco e nero, ma sono sul serio un appassionato del colore. Ma se non hai un metodo per gestirlo del tutto, preferisco non andare oltre. Non c’è niente di peggio di un colore scelto in modo sbagliato, distrugge tutto l’insieme. Ma quando funziona… in termini di materiali, mi piace che le mie foto astratte siano stampate su carta e poi attaccate all’alluminio per dare stabilità. Nessuna cornice, nessun vetro. Mi piace che abbiano una qualità immediata, che siano appese come un dipinto.

Se potessi andare dove più ti piace nel mondo per il tuo prossimo lavoro, dove ti piacerebbe andare?

Non mi dispiacerebbe Roma. Amo la città e anch’essa – come Berlino – offre numerose superfici decadenti del tipo che cerco.

Dicci qualcosa sui tuoi progetti futuri.

Adesso sono molto preso con il cinema, per cui non ho altrettanto tempo a disposizione per la fotografia statica come vorrei. Ma ho in programma una mostra personale a febbraio.

Chiara Raffo is an Italian/French photographer. She was born and grew up in Genoa, Italy. She took a BA in Civil Engineering, attending at the same time courses about photography. She completed her studies in photography with a one year MA in Photography and Visual Design at Forma, Foundation for Photography in Milan, Italy. Chiara assisted the photographer Jacopo Benassi, following him in editorial projects, like Talkinass Selfpublishing. She currently works as freelance for ASAblanca, an austrian agency for photographers and journalists, and also on her own personal projects.

[traduzione in italiano in basso]

Documentary photography attempts to produce objectively places, people and objects of a certain society through image chronicle. Fake Places is a documentary reproduction based on places which never existed. Everyone has watched a movie and hoped or thought those places were real. In this case, what you see is in fact what you would never want to see, because it is the proof that what you saw was some kind of sensory perception’s distortion, a hallucination, proved by a distorted view of “fake” objects’, unreal colors and a secret structure.

(Images © Chiara Raffo)

More about Chiara Raffo’s work here

***Traduzione Italiana***

Chiara Raffo è una fotografa italofrancese. E’ nata e cresciuta a Genova. Ha conseguito una laurea triennale in Ingegneria Civile, frequentando al contempo corsi di fotografia. Ha completato gli studi in fotografia con un master di un anno in Fotografia e Visual Design presso Forma, Fondazione per la Fotografia di Milano. Chiara è assistente del fotografo Jacopo Benassi, lo segue nei suoi progetti editoriali, come Talkinass Selfpublishing. Al momento lavora come freelance per ASAblanca, un’agenzia di fotografi e giornalisti austriaca e anche ai suoi progetti personali.

La fotografia documentaristica si propone di riprodurre oggettivamente luoghi, persone ed oggetti di una società attraverso una sorta di cronaca per immagini. Fake Places è sì una riproduzione documentaristica, ma di luoghi mai realmente esistiti. A tutti è capitato di vedere un film e di sperare, o quantomeno di pensare, che i luoghi raccontati fossero reali. Ma in questo caso ciò che si vede è in realtà quello che non si vorrebbe vedere perché è la dimostrazione che ciò che si è visto è stato una sorta di distorsione della percezione sensoriale, ovvero un’illusione, confermata dalla visione di oggetti “fasulli”, di colori inesistenti e di impalcature nascoste.

Mohammad Rakibul Hasan is a documentary photographer based in Bangladesh, represented by Falcon Photo Agency, Australia. He has studied Film & Video Production at the UBS Film School, University of Sydney, and later completed a Post Graduate Diploma in Photojournalism through a scholarship program of World Press Photo at the Konrad Adenauer Asian Center for Journalism (Ateneo De Manila University). He was nominated for the Joop Swart Masterclass, UNICEF photo of the year, short-listed in the Ian Parry scholarship and Sony World Photography Awards. He has achieved several accolades in photography worldwide. Hasan is currently studying Art History through an online program at the University of Oxford.

[traduzione in italiano in basso]

City parks are places for refreshment. People come here to seek solitude and breathe fresh air – indeed it gives urban people a sense of openness. With the rapid urbanization of Dhaka city, greenery is diminishing day by day. The city has a burden of more than twenty million people most of them migrated here for opportunities. The fate of existence of vegetation and natural water reservoirs are determined by powerful people – corruption and lack of good governance are the causes. Public parks, open spaces and playgrounds around the city are the only resorts for the general people. A few of these parks are the floating slums fraught with unhygienic conditions and diseases. The flora of Dhaka is totally threatened by desperate urbanization and industrialization. Areas with extensive vegetation are not only the source of oxygen but also helps prevent air pollution as well as maintain ecological balance by providing refuge for birds and stray animals. The city has already been declared as the most unlivable city in the world. It is important to decentralize the city of Dhaka as well as to increase the number of parks and other recreation facilities to save the city from any impending disaster.

 (Images © Mohammad Rakibul Hasan)

More about Mohammad Rakibul Hasan’s work here

***Traduzione Italiana***

Mohammad Rakibul Hasan è un fotografo documentarista che vive in Bangladesh e fa parte dell’agenzia fotografica australiana Falcon. Ha studiato Produzione cinematografica e video alla UBS Film School, all’Università di Sidney, e in seguito ha conseguito un diploma post-lauream in Fotogiornalismo, grazie a una borsa di studio del World Press Photo, al Konrad Adenauer Asian Center for Journalism (Università dell’Ateneo De Manila). E’ stato candidato al Joop Swart Masterclass, foto UNICEF dell’anno, selezionato per la borsa di studio Ian Parry e i Sony World Photography Awards. Ha ottenuto diversi riconoscimenti per la fotografia in giro per il mondo. Hasan al momento studia Storia dell’Arte attraverso un corso online dell’Università di Oxford.

I parchi delle città sono posti fatti per rilassarsi. La gente viene qui in cerca di pace e di aria fresca – dà sul serio alla gente di città un senso di spaziosità. Con la veloce urbanizzazione della città di Dhaka, il verde è diminuito poco a poco. La città ha una popolazione di oltre venti milioni di persone, la maggior parte delle quali vi si è trasferita in cerca di opportunità. Il futuro della sopravvivenza della vegetazione e delle riserve naturali di acqua è in mano ai potenti – corruzione e mancanza di buon governo ne sono le cause. I parchi pubblici, spazi aperti e campi giochi intorno alla città sono gli unici luoghi di vacanza per le persone normali. Alcuni di questi parchi sono negli slum di palafitte, dove regnano condizioni igieniche precarie e malattie. La flora di Dhaka è totalmente minacciata dall’urbanizzazione estrema e dall’industrializzazione. Aree con vegetazione intensiva non sono soltanto una riserva d’ossigeno, ma anche aiutano a prevenire l’inquinamento atmosferico, così come a mantenere l’equilibrio ecologico, fornendo rifugio agli uccelli e agli animali randagi. La città è già stata dichiarata la città più invivibile del mondo. E’ fondamentale decentrare la città di Dhaka, così come aumentare il numero di parchi e altre aree ricreative, per salvare la città da qualsiasi disastro incombente.

Finally we made it!

SWAPPA Photo Contest has been running through most of the summer and autumn involving 200 photographers from 32 different countries for a total of more than 2000 photos received!

Lets cut to the chase, the wait has been way too long!

The winner of a Lomography Diana Mini sponsored by Lomography Italia is: Raimon Chin (Hong Kong)

The winner of a Figosa leather neck strap is: Christopher Cerretti (USA)

and the winner of a a film supply for a year* is: Kimiko Tsukame (UK)

all the finalist photographers (see list) have been published in the photobook:

“SWAPPA – The World From Your Point Of View” that you can purchase HERE! (Click for a preview)

88 pages of analogue randomness, visual serendipity and inspiring beautiful photos!

Insert the code SAVING-10 at the check out to get a 10% discount!

Hurry up valid until 31/12/13!

We would like to thank all the contestants who took part to the SWAPPA Photo Contest for making this  project a success.We would also like to thank Laura Arbanelli & Andrea Morando from Figosa,  Silvia Ianniciello from Lomography Italia and Michael Krebs & Hanna Pribitzer from Revolog for sponsoring the contest.

Special thanks to Chiara Costantino, Giulia Bertelli and Pretty in Mad for contributing and supporting the project.

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And now….are you ready for the next contest?

Marco Marucci was born in 1982 and lived nearly 20 years in Bari – south Italy. Starting from the curiosity about this land and the desire to document it, his love for photography grew up. Research on territory, portraits and reportage are part of the interest of his eye, which is everyday more and more hungry to try and express its personal view of experiences, sensations and emotions. He lives now in Turin.

[traduzione in italiano in basso]

The Apollo Circus was founded in 2007 and then has toured Italy and other countries, with the new partner Nando Orfei. His famous name boasts the signs at the entrance, although it is now disconnected from the past in which he was identified as the “tamer” of wild beasts. Actually the Nando Orfei’s circus it is today one of the few in Italy to bring to the public a show of  human artists only, without animals.

It is August when I reach the company in Lido di Classe in Ravenna. I enter the circus with caution and discretion , the same way would use a stranger who enters the house of one who has left the door open. I look around and try to meet soon someone else’s eyes with a smile and tear the implicit allowance to disturb their place. It’s all quiet, everybody sleeping in their trailer, far from the heat, throughout the afternoon until seven in the evening. In the morning the workers are busy spreading the tickets on the beach or cleaning and maintaining, while the artists start to sweat from seven in the evening, when they begin the preparation of the show: everything starts from the makeup (which takes about a long hour! ) and keeps on going after the show when, after midnight, to take advantage of the cooler temperature, under the huge empty chapiteau, they prepare and rehearse the new performances for the next show.

I soon find out that the inhabitants of this small company can be divided into two distinct categories. There are artists, almost all of them are Italians, many related to each other, well payed, great trailers. The workers are in identical number of the artists, many Romanians, some Indian and Bulgarian, which deal with everything that is not the show on stage: they work hardly and are essential gears for this ancient machine to run smoothly. The authorization Elvio, the owner of the Apollo Circus, gave me, does not prevent me from introducing me to everyone I meet, distrustfully asking who I am.

Nevertheless, I soon become friend with almost everyone, starting from the workers, supported by the fact that they do not have the large homes artists have, so they use to live in common spaces and are more likely to talk, maybe because I ask too much and they do want to tell somebody about their lives. Nello is the first one, he tells me about how he arrived in Italy, like many people as a truck driver, and how is now able to send home each month the money that in Italy are not so much, but in Romania makes the
difference.

The artists are divided into few large families: sisters, childrens, cousins. All of them have followed their parents’ footsteps: someone can boast in the family tree lion‐tamers, someone else clowns or great presenters. Lenny is the only exception:  his mother is a math teacher and his father is responsible in a large company, he got a diploma in accounting. But the path he chooses is different and brings him into the Apollo circus. There he earned Elvio’s respect, who entrusted him with the responsibility of the company accounts, and moreover of the artistic direction of the shows.

When I share the moments of the show’s preparation with the artists in their caravans, I can also get some answers to many questions that I have about the nomadic life they lead, especially when they are children. How do they arrange things with the school? What about friendships? Not easy to understand for those who do not live in movement: a movement made of places that are constantly changing under the wheels of the trailer, characters that bring stories, new or younger artists which learn the art of circus and propose new artistic techniques to be included into the show.

Elvio helps me to realize how difficult it is to carry on this ancient art and keep it as a job that can also feed the mouths of those who work there. The golden days are over, he says, and you have to deal with a culture and public opinion becoming everyday less welcoming.

(Images © Marco Marucci)

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***Traduzione Italiana***

Marco Marucci è nato nel 1982 e ha vissuto quasi 20 anni a Bari. Partendo dalla curiosità per questa terra e la voglia di ritrarla è nato l’interesse per la fotografia, all’età di 18 anni. La ricerca sul territorio, ritrattistica di posa e reportagistica costituiscono gli interessi di un occhio sempre più affamato di cercare ed esprimere la sua personale visione delle esperienze, delle sensazioni e delle emozioni. Vive ora a Torino.

Il circo Apollo nasce nel 2007 e da allora gira l’Italia, e non solo, con il nuovo socio Nando Orfei. Il suo famoso nome fregia le insegne all’ingresso, nonostante sia ormai slegato da quel passato in cui si identificava con il “domatore” di bestie feroci. Il circo Nando Orfei è oggi, infatti, uno dei pochi in Italia a portare al pubblico uno spettacolo di soli artisti, senza animali.

E’ agosto quando raggiungo la compagnia a Lido di Classe, nel ravennate. Il mio ingresso nel circo è cauto e discreto, come farebbe uno sconosciuto che entra in casa di uno che ha lasciato la porta aperta. Mi guardo attorno e cerco di incrociare presto gli sguardi di qualcuno e con un sorriso strappare quell’implicito permesso di disturbare il loro luogo.

Tutto è silenzioso, tutti dormono nelle roulotte, al riparo dal caldo, tutto il pomeriggio fino alle sette di sera. Il mattino serve agli operai per “sbigliettare” in spiaggia o per i lavori di pulizia e manutenzione, mentre gli artisti sudano dalle sette di sera, quando cominciano la preparazione dello spettacolo: si parte dal trucco (momento che porta via circa un’ora di tempo!), fino al dopo spettacolo quando, a mezzanotte passata, per approfittare della temperatura più mite, sotto lo chapiteau ormai vuoto preparano i numeri del prossimo spettacolo.

Scopro presto che gli abitanti di questa piccola società si dividono nettamente in due categorie. Ci sono gli artisti, tutti o quasi italiani, molti imparentati tra di loro, buona paga, grandi roulotte. In numero identico agli artisti ci sono gli operai, molti rumeni, qualche indiano e un bulgaro, che si occupano di tutto ciò che non sia lo spettacolo sul palco: lavori spesso duri ma comunque ingranaggi indispensabili al buon funzionamento di questa antica macchina.

L’autorizzazione di Elvio, il titolare del Circo Apollo, non mi esime dal dovermi presentare a tutti quelli che incontro, che chiedono diffidenti chi io sia e perché abbia la macchina fotografica in mano. Ciò nonostante, non tardo a diventare amico di quasi tutti, a partire dagli operai, complice il fatto che loro non abbiano delle case spaziose come gli artisti, vivono maggiormente gli spazi comuni e sono più propensi a parlare, forse perché faccio tante domande e loro hanno tanta voglia di rispondere e raccontare le loro vite. Il primo è Nello, mi parla di come è arrivato in Italia, come molti da autista di camion, e ci è rimasto per poter spedire a casa ogni mese i soldi che qui non sono tanti, ma in Romania fanno la differenza.

Gli artisti si dividono in poche numerose famiglie: sorelle, figli, cugine, cognati. Tutti figli d’arte: chi può vantare domatori di leoni, chi clown, chi grandi presentatori nell’albero genealogico.

Solo Lenny rappresenta l’eccezione: madre professoressa di matematica e padre responsabile in una grande azienda, lui un diploma in ragioneria. Ma la strada che sceglie è differente, e lo porta all’interno del circo Apollo e lì a guadagnarsi la stima e la fiducia di Elvio, che gli affida non solo la responsabilità della contabilità della società, ma anche la direzione artistica degli spettacoli.

Condividere i momenti della preparazione dello spettacolo con gli artisti nelle loro roulotte porta anche alcune risposte ai tanti interrogativi che mi ero posto sulla vita nomade che conducono, specialmente quando sono bambini. Come si organizzano con la scuola? E la residenza? E le amicizie? Non facile da capire per chi non vive in movimento: un movimento costituito dai luoghi che cambiano costantemente sotto le ruote delle roulotte, dai personaggi che si succedono portando storie sempre nuove o dai più giovani che imparano l’arte circense e propongono nuove tecniche artistiche da inserire nello spettacolo.

E’ Elvio che mi fa capire come sia difficile portare avanti questa antica arte e mantenerla un mestiere che possa anche sfamare le bocche di chi ci lavora. I tempi d’oro son finiti, dice, e bisogna far i conti con una cultura e un‘opinione pubblica sempre meno accogliente.

Cody and Giselle are two vegan travel lovers and animal rights activists making their way around the globe volunteering at animal shelters and sanctuaries along the way. They hope to open minds, encourage free thought and start conversations about the state of animals around the world today. 

[traduzione in italiano in basso]

We headed down to Phuket where the Vegetarian festival is celebrated in full force around 9 major temples where sacred rituals and offerings are conducted.
The Vegetarian festival started about 150 years ago in the Kathu district of Phuket, Thailand by a Chinese theatre company. When the actors became feverishly ill they chose to go with a strict vegan diet to please the 9 Chinese gods hoping they would be relieved of their illness.
The Vegetarian festival is held on the ninth lunar month of the Chinese calendar and is mostly observed by the Thai-Chinese community.

Last year it was held from October 5th to October 13th
The most ghastly rituals at the festival take place at the street processions where devotees are in a trance. People walking barefoot over hot coals, cutting their cheeks open to insert a plethora of different objects into them, and piercing their tongues with spikes.
The devotees claim to feel no pain as they are in a trance.
The point of the festival is for merit making, spiritual cleansing, good fortune, and to banish evil.
Participants also abstain from alcohol, and other vices.

(Images © Cody Kuchirka and Giselle Correia)

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***Traduzione Italiana***

Ci siamo diretti verso Phuket, dove si celebra il festival vegetariano in pompa magna attorno a nove templi principali, dove si svolgono i rituali sacri e le offerte votive.
Il festival vegetariano è stato fondato circa 150 anni fa, nel distretto di Kathu a Phuket, in Tailandia, da una compagnia teatrale cinese. Quando gli attori si ammalarono di febbre, scelsero di seguire una stretta dieta vegana come voto per le nove divinità cinesi, sperando che queste avrebbero alleviato la loro malattia.
Il festival vegetariano si tiene nel nono mese lunare del calendario cinese ed è celebrato principalmente dalla comunità cinese residente in Tailandia.
Lo scorso anno si è tenuto dal 5 al 13 ottobre.
I rituali più agghiaccianti del festival hanno luogo durante le processioni di strada, dove i fedeli cadono in trance. Le persone camminano a piedi nudi sui carboni ardenti, si tagliano le guance e vi inseriscono svariati oggetti, si forano la lingua con delle punte.
I fedeli dichiarano di non sentire alcun dolore dal momento che si trovano in uno stato di trance.
Lo scopo del festival è conquistare merito (secondo il buddismo tailandese, seguendo alcuni precetti  tra cui praticare alcuni riti religiosi con regolarità, si ottengono miglioramenti nella vita successiva NdT), purificarsi spiritualmente, avere buona sorte e scacciare il male.
I partecipanti inoltre si astengono dall’alcol e da altri vizi.

Chiara Baragatti is an Italian photographer based in Tuscany, with a passion for analogic – digital photography and darkroom since she was younger. She is 33 years old, and she is a social assistant. She likes thinking that photography takes shape together to her being, to her way of thinking. Photography as an expression of the soul, creating a contact, establishing a feeling with what she wants to shoot. Photographic projects about herself such as: “In the bathroom”, published in some magazines and collective expositions.
Other projects such as “Summer Time” where she tries to establish a contact with her territory. She reflects her feelings through photography; “Summer time” represents a mirror of a summer lived during sunrise, at sunset, when everyone are still sleeping or are resting enjoying their holidays in peace. And she looks for her sea, her beach, places off the beaten track, timetables not noisy. The lonely landscape is the protagonist, heated by beautiful lights. Colorful and minimal instants, symbols of human presence: umbrellas, beach chairs. Warm and isolated spaces, the quiet of sounds in an atmosphere of relaxation.

[traduzione in italiano in basso]

(Images © Chiara Baragatti)

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***Traduzione Italiana***

Chiara Baragatti è una fotografa italiana che vive in Toscana, appassionata di fotografia analogica e digitale e camera oscura da quando era più giovane. Ha 33 anni e fa l’assistente sociale. Ama pensare che la fotografia prenda forma insieme al suo essere, al suo modo di pensare. La fotografia come espressione dell’anima, come creazione di un contatto, come fondazione di un legame sentimentale con ciò che vuole immortalare. Suoi progetti fotografici sono: “In the bathroom”, pubblicato su alcune riviste e in mostre collettive. Altri progetti come “Summer Time”, in cui prova a stabilire un contatto con il suo territorio. Riflette sui suoi sentimenti attraverso la fotografia: “Summer Time” rappresenta uno specchio di un’estate vissuta attraverso l’alba, il tramonto, quando tutti stanno ancora dormendo o riposando, godendosi le vacanze in pace. E cerca il suo mare, la sua spiaggia, posti al di fuori del solito itinerario turistico, programmi poco rumorosi. Il paesaggio solitario è il protagonista, riscaldato da luci meravigliose. Istanti colorati e minimi, simboli della presenza umana: ombrelloni, sedie a sdraio. Posti caldi e isolati, la quiete dai rumori in un’atmosfera di rilassamento.

Probal Rashid is a documentary photographer based on Dhaka, Bangladesh. He completed MBA, and later studied photojournalism from Pathshala, The South Asian Media Academy and Institute of Photography. He participated in many workshops under reputed photographers; Raghu Rai, Morten Krogvold, Peter Fryer and others. His works have been published in many national and international newspapers and magazines and his photographs exhibited in Bangladesh, Germany, Indonesia, Japan, Thailand, Malaysia, UK and USA. He is the recipient of numerous awards for his work.

[traduzione in italiano in basso]

Varanasi is the holiest city in India, situated on the banks of the Ganges River in Uttar Pradesh, North India. One of the oldest continuously inhabited cities in the world, the city is the beating heart of the Hindu universe, a crossing point between the physical and spiritual worlds, and the Ganges is viewed as a river of salvation, an everlasting symbol of hope to past, present and future generations.

Hindu pilgrims come to bath and wash away a lifetime of sins in the Ganges and to cremate their loved ones at the burning Ghats before their ashes are placed in the river. Hindus believe that bathing in the Ganges remits sins and that dying in this holy city ensures release of a person’s soul from the cycle of its transmigrations.

(Images © Probal Rashid)

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***Traduzione Italiana***

Probal Rashid è un fotografo documentarista di Dhaka, in Bangladesh. Ha conseguito un MBA e in seguito ha studiato fotogiornalismo presso Pathshala, The South Asian Media Academy and Institute of Photography. Ha preso parte a diversi workshop sotto la guida di fotografi affermati: Raghu Rai, Morten Krogvold, Peter Fryer e altri. I suoi lavori sono stati pubblicati su molti giornali e riviste nazionali e internazionali e le sue fotografie sono state esibite in Bangladesh, Germania, Indonesia, Giappone, Tailandia, Regno Unito e Stati Uniti. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro.

Varanasi è la città più sacra dell’India, situata sulle rive del fiume Gange nell’Uttar Pradesh, nel nord dell’India. E’ una delle più antiche città abitate in maniera continuativa nel mondo, e il cuore pulsante dell’universo Hindu, un punto di incontro tra i mondi fisico e spirituale. Il Gange è visto come un fiume della salvezza, un simbolo imperituro di speranza per le generazioni passate, presenti e future.

I pellegrini Hindu si recano a bagnarsi e lavano via un’esistenza di peccati nel Gange, cremano i propri cari presso le pire sulle scalinate prima che le loro ceneri siano disperse nel fiume. Gli Hindu credono che bagnarsi nel Gange rimetta loro i peccati e che morendo in questa città sacra assicuri la liberazione dell’anima di una persona dal ciclo delle sue trasmigrazioni.

Sebastian Wesman is a composer and filmmaker born in Argentina, currently living in Estonia, where he produces his work. His work includes albums like “Invento” (2006), “Astronomic Panoram” (2010), “Otros Parámetros” (2013) and film projects “A Blue Bird” (2012), “Visual Poems” (2013) and  a short film, “New World” (2014). This year sees the birth of a feature film. In 2012 he founded Otros Parámetros Films under which he produces his cinematographic works. As a composer and performer he has presented his solo violin concerts in Europe, South-America and Asia. He also composes music for choirs and string quartets. His works as a filmmaker and composer have been presented on the four continents.

  [traduzione in italiano in basso]

Hi! Who is Sebastian Wesman and his team? Introduce yourselves!

Our team varies from project to project. We collaborate with different technicians and artists from Estonia, Argentina, Germany, Finland, Croatia, Spain, Italy, Hungary etc. Throughout the years, the people who have always figured in our team are: Anneli Kõressaar (excecutive producer, Estonia), Kalev Quartet (string quartet from Estonia), Spirit Voices (choir, Estonia), Grete Schneider (sound engineer, Germany), Martin Eero (technical assistant, Estonia), Stella Maris Santiago (art and design, Argentina), Sebastian Wesman (director, Argentina/Estonia).  During the latest projects, we have had the participation of the poet Ellom (Elo-Mall Toomet) in short films „My friend“ (2013) and „New World“ (2014); Mart Aas, Siiri Sillat and others in the feature film that will soon be presented.  We generally work from Estonia, but for example our sound engineer processes the sound in Germany.

You are a composer, a performer and a filmmaker. How did you come to these forms of  art?

I have passed through different artistic expressions: painting, theatre, music, photography. But I was always accompanied by musical composition. All of this has taken me to the art of cinema in a very natural way. Cinema represents for me the sum of all arts. This type of expression allows me to incorporate the notions I have learnt from other forms of art.

Are there artists who influenced you?

I feel close to many artists, both contemporary and not, without feeling a complete identification with any of them. I have also been inspired by old Japanese poetry and Impressionism, but anonymous art is what impresses me the most. From cave paintings to the art on the walls of a modern city – everything that is fundamental might end up being anonymous. In cinema I like directors who work without being part of any dogma, the ones who during their search of identity take on the risk of not being understood. I also feel influenced by my mother, who is a tailor – I find a similarity between her way of making clothes and the way I make music and films.

Your work is divided into two main parts: music projects, such as “Invento” and “Astronomic Panoram”, and film projects, for example “Visual Poems” and “New World”. Tell us more about them.

Maybe every project represents a perspective of the same object of study. The form may vary, but maybe the message remains the same. Each of the works mentioned in your question represent a time in my life, a search, a way of thinking, the world I live in. I try to go towards simplicity.

On your site you define your film project “A Blue Bird” as “A visual journey to a new sound”. What does it mean? Can this definition be used for your art?

“A visual journey to a new sound” was a definition used by a critic that we found interesting at the time of presenting “A Blue Bird”. I felt that it was a concept that defined a part of the work. On the other hand I find it difficult to define what we do. Maybe it is best defined by someone standing outside.

Can you explain us your creative process?

The creative process sometimes starts from a small impression, an image. Then I work on the concept and define how it will be expressed: in film, music or something else. We are constantly processing information and this transmits to all our actions. In my case, the creative process can also start while I sleep. This is what happened with our next feature film – I dreamt it from beginning to end and then I just wrote it down, looked for the locations (which are actually the ones I saw in my dream) and everything went very naturally.

I read on your site about “etymophonic language”. What is it?

In 2006 I recorded the album “Invento” under the pseudonym Isabelasnacho. Some of the songs on the album are represented in a language that I developed for the project. During that time I was very interested in language, in that many times the signification of a word is not associated with the phonetic aspects. As if the sound of each word would carry in it another meaning than the one given to it. I had the idea to discover my signification in each word, but the project was left behind before reaching that goal and the only registered material of this now is the album “Invento”. The album was re-released three times in Spain by the label Luscinia Discos.

Leila Golberg, a film critic, underlines about your last film “New World”: “the visual domain and metaphoric language of the camera”. You realized it with the cooperation of the Estonian poet Ellom (Elo-Mall Toomet). Fluster Magazine published an article about another project of yours, “Visual Poems”. You call them “haiku as an image”. How is important poetry for you and how do you apply it to music and film?

I think poetry is one of the most sincere and selfless forms of expression. In a way I feel that all my work tries to go towards poetry. It is like the center, the power of a metaphor can awaken change in a person and widen their emotional capacity. All art is based on construction of metaphor, including the humor.

Please tell us more about your “New World” film (2014).

“New World” (2014) is a short film accompanied by the presence, poetry and voice of Ellom (Elo-Mall Toomet), an Estonian poet currently residing in the city of Tartu. “New World” was filmed with the first snow of the winter and is a part of a trilogy that will be finalized this year. For this short film the music I composed was to be performed together with violins, wind instruments and a voice quartet. I wanted to represent the introspective and reflective atmosphere that I experience every winter in Estonia – a place that the snow transforms into a white canvas where you can paint your ideas, dreams and fears.

What are your goals for the future, as a person and as an artist?

This year we will present a feature film with the participation of the Estonian actor and playwright Mart Aas, actress Siiri Sillat, to name a few. It was filmed during all of the four seasons, in different places in Estonia. The soundtrack of the film was composed for a string quartet, vocals and wind instruments. The general goal is to continue making what inspires us and to continue sharing our work. As a person, this allows me to not lose the amazement and to understand people better so I can thereafter better know myself.

(Images and videos © Sebastian Wesman)

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***Traduzione Italiana***

Sebastian Wesman è un filmmaker nato in Argentina, al momento vive in Estonia, dove produce il suo lavoro. I suoi lavori comprendono per esempio album come “Invento” (2006), “Astronomic Panoram” (2010), “Otros Parámetros” (2013) and progetti di film come “A Blue Bird” (2012), “Visual Poems” (2013) e il cortometraggio “New World” (2014). Quest’anno ha visto la nascita di un lungometraggio. Nel 2012 ha fondato la Otro Parámetros Films, sotto la quale produce i suoi lavori cinematografici. Come compositore e esecutore ha presentato i suoi concerti per violino solista in Europa, Sud America e Asia. Compone anche musica per cori e quartetti d’archi. I suoi lavori come filmmaker e compositori sono stati presentati nei quattro continenti.

Chi è Sebastian Wesman e la sua squadra? Presentatevi!

La nostra squadra varia da progetto a progetto. Collaboriamo con diversi tecnici e artisti dall’Estonia, Argentina, Germania, Finlandia, Croazia, Spagna, Italia, Ungheria etc. Nel corso degli anni, le persone che hanno sempre fatto parte del nostro team sono: Anneli Kõressaar (produttore esecutivo, Estonia), Kalev Quartet (quartetto d’archi, Estonia), Spirit Voices (coro, Estonia), Grete Schneider (tecnico del suono, Germany), Martin Eero (assistente tecnico, Estonia), Stella Maris Santiago (arte e design, Argentina), Sebastian Wesman (regista, Argentina/Estonia). Durante gli ultimi progetti, abbiamo avuto la partecipazione del poeta Ellom (Elo-Mall Toomet) nei cortometraggi „My friend“ (2013) e „New World“ (2014): Mart Aas, Siiri Sillat e altri nel lungometraggio che sarà presto presentato. In genere lavoriamo in Estonia, ma per esempio il nostro tecnico del suono si occupa del suono dalla Germania.

Sei un compositore, un esecutore e un filmmaker. Come sei arrivato a queste forme d’arte?

Sono passato attraverso diverse forme artistiche: pittura, teatro, musica, fotografia. Ma ero sempre accompagnato dalla composizione musicale. Tutto ciò mi ha condotto all’arte del cinema in maniera molto naturale. Il cinema rappresenta per me la summa di tutte le arti. Questo tipo di espressione mi consente di incorporare tutte le nozioni che ho appreso dalle altre forme d’arte.

Ci sono artisti che ti hanno influenzato?

Mi sento vicino a molti artisti, sia contemporanei che non, senza provare una completa identificazione con nessuno di loro. Sono stato ispirato inoltre dall’antica poesia giapponese e dall’Impressionismo, ma l’arte anonima è ciò che mi colpisce di più. Dalle pitture rupestri all’arte su i muri di una città moderna – ogni cosa basilare può finire per diventare anonima. Nel cinema mi piacciono i registi che lavorano senza far parte di alcun dogma, quelli che durante la ricerca della propria identità si assumono il rischio di non essere compresi. Inoltre, mi sento influenzato da mia madre, che è una sarta – rinvengo una similitudine tra il suo modo di creare abiti e il modo in cui io creo musica e film.

Il tuo lavoro si divide in due parti principali: progetti musicali, come “Invento” e “Astronomic Panoram”, e progetti di film, per esempio “Visual Poems” e “New World”. Raccontaci qualcosa di più a riguardo.

Forse ogni progetto rappresenta una prospettiva dello stesso oggetto di studio. La forma può variare, ma forse il messaggio resta lo stesso. Ognuno dei lavori citati nella tua domanda rappresenta un tempo della mia vita, un modo di pensare, il mondo in cui vivo. Provo ad andare incontro alla semplicità.

Sul tuo sito definisci il tuo progetto di film “A Blue Bird” come “un viaggio visivo verso una nuova sonorità”. Cosa vuol dire? Questa definizione si può applicare alla tua arte?

“Un viaggio visivo verso una nuova sonorità” è stata la definizione usata da un critico, l’abbiamo trovata interessante al tempo della presentazione di “A Blue Bird”. Sentivo che era un’idea che definiva una parte del lavoro. D’altra parte, trovo difficile definire ciò che facciamo. Forse è meglio che sia definito da qualcuno che non ne è coinvolto.

Puoi spiegare il tuo processo creativo?

Il processo creativo a volte inizia da una piccola impressione, un’immagine. Dopo, lavoro sull’idea e definisco come sarà espresso: sotto forma di film, musica o qualcos’altro. Elaboriamo di continuo informazione e questo si trasmette a tutte le nostre azioni. Nel mio caso, il processo creativo può iniziare anche mentre dormo. Questo è ciò che è accaduto con il nostro prossimo lungometraggio – l’ho sognato dall’inizio alla fine e poi l’ho buttato giù, ho cercato le location (che in verità sono quelle che ho visto nel mio sogno) e ogni cosa è venuta in modo naturale.

Ho letto sul tuo sito di “linguaggio etimofonico”. Di cosa si tratta?

Nel 2006 ho registrato l’album “Invento” sotto lo pseudonimo di Isabelasnacho. Alcune delle canzoni dell’album sono rappresentate in un linguaggio che ho sviluppato per il progetto. Durante quel periodo, ero molto interessato al linguaggio, poiché molte volte il significato di una parola non è associato con gli aspetti fonetici. Come se il suono di ogni parola portasse in essa un altro significato rispetto a quello assegnatole. Avevo l’idea di scoprire il mio significato in ogni parola, ma il progetto si è arrestato prima di raggiungere quell’obiettivo e il solo materiale registrato a riguardo è l’album “Invento”. L’album è uscito tre volte in Spagna con l’etichetta Luscinia Discos.

Leila Goldberg, un critico cinematografico, sottolinea a riguardo del tuo ultimo film “New World”: “ il dominio visivo e il linguaggio metaforico della macchina da presa”. Lo hai realizzato con la collaborazione del poeta estone Ellom (Elo-Mall Toomet). Fluster Magazine ha pubblicato un articolo su un altro tuo progetto, “Visual Poems”. Li hai definiti “haiku sotto forma di immagine”. Quant’è importante la poesia per te e quanto la applichi alla musica e ai film?

Penso che la poesia sia una delle più sincere e altruistiche forme di espressione. In un certo modo, sento che tutto il mio lavoro prova a andare verso la poesia. E’ come un centro, il potere di una metafora può svegliare il cambiamento in una persona e ampliare la sua capacità emotiva. Tutta l’arte è basata sulla costruzione di metafora, incluso l’umorismo.

Per favore, parlaci di più del tuo film “New World” (2014).

“New World” (2014) è un cortometraggio accompagnato dalla presenza, poesia e voce di Ellom (Elo-Mall Toomet), che è un poeta estone che al momento vive nella città di Tartu. “New World” è stato girato con la prima neve invernale ed è parte di una trilogia che sarà conclusa quest’anno. Per questo cortometraggio, la musica che ho composto doveva essere eseguita insieme da violini, strumenti a fiato e un quartetto di voci. Volevo rappresentare l’atmosfera introspettiva e riflessiva che esperisco ogni inverno in Estonia – un posto che la neve trasforma in una tela bianca dove puoi dipingere le tue idee, sogni e paure.

Quali sono i tuoi obiettivi per il futuro, come persona e come artista?

Quest’anno presenteremo un lungometraggio con la partecipazione dell’attore e drammaturgo Mart Aas, l’attrice Siiri Sillat, per nominarne alcuni. E’ stato girato durante tutte le quattro stagioni, in posti diversi dell’Estonia. La colonna sonora del film è stata composta per un quartetto d’archi, voci e strumenti a fiato. L’obiettivo generale è continuare a fare ciò che ci ispira e continuare a condividere il nostro lavoro. Come persona, questo mi permette di non perdere la meraviglia e di capire meglio la gente, cosicché posso poi conoscere meglio me stesso.

Shan Bhattacharya is a self-taught photographer based in Kolkata, India. His work has previously been published in many magazines and has been exhibited in Gallery Gold, Kolkata. He has self-published a book titled ’13′ in December, 2013. His work is mostly concerned about abandonment, decay, memory and detachment.

[traduzione in italiano in basso]

‘Blow’ takes a metaphorical look at modern-day consumerism and how it affects our inner state. All the diptychs in this collection individually may lead to different interpretations, but as a whole they represent us, and give a commentary on the culture that surrounds us.

Selection of subjects on the left of each image was done to concentrate on various articles that goes inside the mouth, not essentially food in some cases. The right part of each image consisting of x-ray plates, CAT scans or ultrasonograms exposing different internal structures of our body stands for our inner state. All the objects photographed are shown either in a state of decay or in abandonment to represent an idea of post-consumption. Similarly, these x-ray plates and scans are not of any healthy individual; all of them carry signs of disease. 

The association between the two parts of a diptych is not only based on structural similarity but they also share something else in common in each case. For example, the image containing the apple and the brain refers to the concept of ‘the apple of wisdom’. But this connection is best left to the viewer to identify.

(Images © Shan Bhattacharya)

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***Traduzione Italiana***

Shan Bhattacharya è un fotografo autodidatta di Kolkata, in India. Il suo lavoro è stato pubblicato in passato su molte riviste e esposto a Gallery Gold, a Kolkata. Ha autopubblicato un libro intitolato “13″ a dicembre 2013. Il suo lavoro riguarda soprattutto l’abbandono, la decadenza, il ricordo e la separazione.
“Blow” getta uno sguardo metaforico sul consumismo del giorno d’oggi e su come questo influenza il nostro stato interiore. Tutti i dittici di questa collezione possono portare, presi di per sé, a diverse interpretazioni, ma come un intero ci rappresentano, e danno un commento sulla cultura che ci circonda.
Una selezione di soggetti sulla sinistra di ogni immagine è stata effettuata per concentrarsi su vari oggetti che si introducono in bocca, non necessariamente cibo in alcuni casi. La parte destra di ogni immagine consiste di lastre ai raggi X, TAC o ecografie che mostrano diverse strutture interne del nostro corpo, in rappresentanza del nostro stato interiore. Tutti gli oggetti fotografati sono mostrati o in uno stato di decadenza o di abbandono, al fine di raffigurare l’idea di post-consumismo. Allo stesso modo, queste lastre ai raggi X e le scansioni non appartengono a un individuo sano: ognuna di esse reca tracce della malattia.
L’associazione tra le due parti di un dittico non si basa solo su una somiglianza strutturale, ma esse condividono anche qualcosa in ogni caso trattato. Per esempio, l’immagine che contiene la mela e il cervello si riferisce al concetto di “mela della sapienza”. Ma questa connessione è meglio che sia lasciata allo spettatore, affinché la compia egli stesso.

Giannis Papanikos is a freelance photojournalist. He was born and raised in Thessaloniki- Greece. In 2011 he started attending photography lessons at the “Stereosis” School of Photography in Thessaloniki.At the same time, he started  his photojournalism career doing assignments for an environmental free press magazine and photographing art festivals and theatrical performances. In 2012 he started working on his first project called “Trisomy 21″ photographing people with Down Syndrome with the cooperation of the Hellenic Down Syndrome Association.He has also worked in many travel photography projects and he has taken part in group exhibitions organized by “Stereosis” School of Photography.His work has been published in Greek and foreign media.

 [traduzione in italiano in basso]

Hi Giannis! How did you come to photography? You studied at the “Stereosis” School of Photography (Thessaloniki). How did this experience help you?

The reason I decided to get involved with photography it is my love for traveling. In 2011 I bought my first camera. The same year I started attending lessons at “Stereosis” School of Photography in Thessaloniki. The lessons made me see the subject of photography as something more than a perfect frame, and of course they helped me develop my personal photographic style.

Nowadays Internet helps very much young talented photographers to show their works worldwide. On the other hand they have to stand out among a lot of pictures everyone of us puts on the web. What do you think about photography as an art today?

Yes it’s true that the web offers enormous opportunities to show your work. That’s the reason why the photography industry has become hyper saturated. To make stunning pictures is simply not enough anymore. Nowadays the majority of photographers are able to make stunning pictures. The websites are full of those images. The most important thing is the subject you choose, how you decide to photograph it and what you have to say with your images. The consistency is the main factor for a project to be successful. Beyond that, you must be open to experiment with different styles of photographing. For example the ways to shoot a simple table are infinite. You have to find a specific recipe that will become your signature. A year ago I got involved with photojournalism. I identify myself as a freelance photojournalist. It is known that the news agencies pay the photographers a long time after their images have been published. That’s how the industry works. However you have to be in the financial condition to invest in self financed projects.

Are there artists who influenced you?

How could I not be influenced by other photographers. There is no progress in your style of photography if you don’t have a look at what others do. The first photographer that inspired me is Steve McCurry. Some other photographers that have influenced the way I shoot are Alex Webb and Harry Gruyaert.

Fluster Magazine published an article about your project “Land of Light”. You were in Morocco and showed “The first face of the Morocco which is trying to modernize itself , according to the Western standards , but also the opposite face of Morocco which refuses to abandon its strong Islamic traditions and lifestyle.” How do you think situation is developing there?

Morocco was always a pole of stability in Northern Africa. It’s the only country in the area not affected by the “Arabian Spring”. Morocco has a European perfume, and you can understand this from the first time you go there. In the big cities of Morocco you can find the greatest cultural contrast. The modern tries to replace the tradition. Undoubtedly I think that Morocco does the greatest modernization effort in the region. However you must not forget that you are in a muslim country where the roots of religion lie deep inside the firmament of society.

You are working on a project about immigrants. Tell us more.

Yes I am working on such a project. Three months earlier I start visiting a block of apartments which hosts about fourteen families of refugees mainly from Syria and Afghanistan. People living in this guesthouse left their home country with a view to built a better life in Greece. I don’t think that the refugees coming to Greece have a realistic picture of the financial status of the country. The result was to encounter a broken by the financial crisis state, which is unable to offer them the necessary conditions to survive. They are unemployed and in very short time they will be forced to abandon the building due to a lack of funding. Now, totally disappointed their plan is to find a small amount of money and the necessary papers in order to abandon Greece for another EU country.

Your “Trisomy 21” project deals with Down Syndrome. Like other human conditions, people do not always come far in accepting people with it. Tell us about your experience.

Yes it was early in 2012 when I visited for the first time the facilities of the Hellenic Down Syndrome association in Thessaloniki. It was my first project. I think that is an element of human nature to look what is different with suspicion, pity or even hostility. Before getting involved with this I had the wrong impression that down syndrome is a very serious illness, and the individuals who have this illness suffer until the end of their life. Down syndrome is not even considered an illness. I realized that the people I was photographing live in a micro community having their own codes of communication, a world in which the only different element is me. The conclusion I took is that the individuals with down syndrome can do much more things than I thought they could. So I focused on photographing the activities in which they were participating. I am no longer surprised when I hear news, that individuals with down syndrome study in universities or becoming actors or successful businessmen or whatever. I tried my images to be as more objective and less dramatic they could.

Analogue or digital photography? Why?

I shoot in digital. When I first got involved with photography, in 2011, digital had already dominated the art of photography. The first two semesters I studied at “Stereosis” School of Photography were about analogue photography. At the beginning, analogue photography fascinated me a lot, because when you shoot in film you don’t really know what you will obtain exactly. This made me to be more careful in framing. When you have only 36 frames, each one is precious. After these two semesters, for practical reasons, I went back to digital. Digital photography offers you speed and reliability and as digital technology develops, it also offers you extraordinary image quality and the ability to shoot in very low light situations.

If you could go anywhere in the world for your next job, where would you like to go?

There are many places on the earth I would like to go. It depends from the project I will choose to work. There are three countries I am thinking a lot the last month. These are Indonesia, Philippines and Mexico.

What is the last book you read?

It was the “Words” I think, written by Jean Paul Sartre.

A question you would never answer to, is…

Yes perhaps a question that I honestly don’t know the answer.

( Images © Giannis Papanikos)

More on Giannis Papanikos’ work here

See also the Giannis` reportage “Land of Light” here

**Italiano**

Giannis Papanikos è un fotogiornalista freelance. E’ nato e cresciuto a Tessalonica (Grecia). Nel 2011 ha iniziato a frequentare lezioni di fotografia presso la scuola di fotografia “Stereosis” a Tessalonica. Al contempo, ha intrapreso la carriera nel fotogiornalismo, ricevendo incarichi da una rivista ambientalista di stampa libera e lavorando come fotografo per festival d’arte e spettacoli teatrali. Nel 2012 ha iniziato a lavorare al suo primo progetto, “Trisomy 21”, riprendendo persone con la Sindrome di Down, in collaborazione con l’Associazione Greca Sindrome di Down. Ha lavorato anche per diversi progetti di fotografia di viaggio e ha preso parte a esposizioni collettive, organizzate dalla scuola di fotografia “Stereosis”. Il suo lavoro è stato pubblicato in Grecia e su media stranieri.

Ciao Giannis! Come sei arrivato alla fotografia? Hai studiato alla scuola di fotografia “Stereosis” (Tessalonica). In che modo ti ha aiutato quest’esperienza?

La ragione per cui ho deciso di impegnarmi con la fotografia è stata il mio amore per il viaggio. Nel 2011 ho comprato la mia prima fotocamera. Lo stesso anno ho iniziato a frequentare le lezioni alla scuola di fotografia “Stereosis” a Tessalonica. Le lezioni mi hanno fatto vedere il soggetto in fotografia come qualcosa di più di un’inquadratura perfetta, e di certo mi hanno aiutato a sviluppare uno stile fotografico solo mio.

Al giorno d’oggi Internet aiuta molto i giovani fotografi di talento a esibire il loro lavoro a tutto il mondo. D’altro canto, però, devono fare i conti con la mole di immagini che tutti noi carichiamo sul web. Cosa pensi della fotografia come arte oggigiorno?

Sì, è vero che il web offre enormi opportunità per mostrare il tuo lavoro. Questo è il motivo per cui l’industria della fotografia è giunta al punto di saturazione. Fare foto mozzafiato ormai semplicemente non basta più. I siti web sono pieni di quelle immagini. La cosa più importante è il soggetto che scegli, come decidi di immortalarlo e cos’hai da dire con quelle immagini. La coerenza è il fattore principale affinché un progetto abbia successo. Al di là di quello, devi essere aperto a sperimentare diversi stili fotografici. Per esempio, i modi di fotografare un semplice tavolo sono infiniti. Devi trovare una ricetta specifica, che diventerà la tua cifra stilistica. Un anno fa, ho iniziato a occuparmi di fotogiornalismo. Mi definisco un fotogiornalista freelance. E’ risaputo che le agenzie di stampa pagano i fotografi un sacco di tempo dopo che le loro immagini sono state pubblicate. Questo è il modo in cui l’industria opera. Comunque, bisogna essere nelle condizioni economiche di investire in progetti autofinanziati.

Ci sono artisti che ti hanno influenzato?

Come potrei non essere influenzato da altri fotografi. Non c’è alcun progresso nel tuo stile fotografico se non dai un’occhiata a ciò che fanno gli altri. Il primo fotografo che mi ha ispirato è Steve McCurry. Alcuni altri fotografi che hanno influenzato il modo in cui scatto sono Alex Webb e Harry Gruyaert.

Fluster Magazine ha pubblicato un articolo sul tuo progetto “Land of Light”. Sei stato in Marocco e hai mostrato “La prima faccia del Marocco che sta tentando di modernizzarsi, secondo i parametri occidentali, ma anche il rovescio della medaglia, il Marocco che rifiuta di abbandonare le forti tradizioni e lo stile di vita islamico”. Come pensi che stia evolvendo la situazione laggiù?

Il Marocco è stato sempre un polo di stabilità nel Nord Africa. E’ il solo paese della zona a non aver vissuto la “Primavera araba”. Il Marocco ha un profumo europeo, e puoi capirlo dalla prima volta che ci vai. Nelle grandi città marocchine si possono trovare i più grandi contrasti culturali. Il moderno prova a rimpiazzare la tradizione. Senza dubbio credo che il Marocco faccia il più grande sforzo di modernizzazione nella regione. Comunque non bisogna dimenticare che si è in un paese musulmano, in cui le radici religiose affondano profondamente nel tessuto sociale.

Stai lavorando a un progetto sui migranti. Raccontaci di più.

Sì, sto lavorando su un progetto di questo tipo. Tre mesi fa ho iniziato a visitare un blocco di appartamenti che ospita quattordici famiglie di rifugiati, provenienti per lo più dalla Siria e dall’Afganistan. Le persone che vivono in questa casa-famiglia hanno lasciato il loro paese natio con l’obiettivo di ricostruirsi una vita migliore in Grecia. Non penso che i rifugiati che vengono in Grecia abbiano una visione realistica della condizione finanziaria del paese. Il risultato è stato che si sono ritrovati in un paese piegato dalla crisi finanziaria, che non è in grado di offrir loro le condizioni basilari per sopravvivere. Sono disoccupati e in breve tempo saranno costretti a lasciare l’edificio, a causa della mancanza di fondi. Ora, totalmente delusi il loro piano è di recuperare una piccola somma di denaro e i documenti necessari e lasciare la Grecia per un altro paese dell’Unione Europea.

Il tuo progetto “Trisomy 21” tratta delle persone con Sindrome di Down. Come per altre condizioni umane, le persone non sempre arrivano al punto di accettare coloro che hanno questa sindrome. Parlaci della tua esperienza.

Sì, è stato all’inizio del 2012 che ho visitato per la prima volta le strutture dell’Associazione Greca Sindrome di Down a Tessalonica. E’ stato il mio primo progetto. Credo che sia un elemento della natura umana guardare ciò che è diverso con diffidenza, commiserazione o persino ostilità. Prima di essere coinvolto in questo progetto, avevo l’impressione errata che la Sindrome di Down fosse una malattia molto grave, e che le persone che ne erano affette soffrissero fino alla fine dei loro giorni. La Sindrome di Down non è neppure da considerare una malattia. Ho capito che le persone che stavo fotografando vivevano in una piccola comunità, con i propri codici comunicativi, un modo in cui l’unico elemento estraneo ero io. La conclusione cui sono arrivato è stata che le persone con la Sindrome di Down possono fare molte più cose di quelle che ritenevo possibili. Così, mi sono focalizzato sul riprendere le attività in cui erano impegnati. Non mi sorprendo più, quando ascolto le notizie, che le persone con la Sindrome di Down studino all’università o diventino attori o uomini d’affari di successo o qualsiasi altra cosa. Ho cercato di fare in modo che le mie immagini fossero quanto più obiettive e quanto meno melodrammatiche possibile.

Fotografia analogica o digitale? Perché?

Scatto in digitale. Quando per la prima volta ho iniziato a fare fotografia, nel 2011, il digitale dominava già l’arte fotografica. I primi due semestri che ho trascorso preso la scuola di fotografia “Stereosis” si trattava della fotografia analogica. Da principio, la fotografia analogica mi affascinava un sacco, perché quando scatti su pellicola non sai esattamente cosa otterrai. Questo mi ha reso molto più attento a come inquadro. Quando hai solo 36 fotogrammi, ognuno di essi è prezioso. Dopo questi due semestri, per motivi pratici, sono tornato al digitale. La fotografia digitale ti offre velocità e affidabilità, come tecnologia digitale si innova, offre inoltre un’eccezionale resa qualitativa dell’immagine e la possibilità di scattare in situazioni in cui la luce è molto tenue.

Se potessi andare dovunque desideri nel mondo per il tuo prossimo lavoro, dove ti piacerebbe andare?

Ci sono molti posti sulla Terra in cui vorrei andare. Dipende dal progetto che sceglierò di realizzare. Ci sono tre paesi a cui sto pensando un sacco nell’ultimo mese. Sono l’Indonesia, le Filippine e il Messico.

Qual è stato l’ultimo libro che hai letto?

E’ stato “Le Parole” credo, scritto da Jean Paul Sartre.

Una domanda alla quale non risponderesti mai, è…

Sì, forse una domanda a cui onestamente non saprei come rispondere.

Chris Collins is a freelance artist whom makes his living doing creative projects and helping other people and business to be more creative. He has a number of projects including the Nonsense Society (an arts blog), Indie Music Box (royalty-free music), Today I Evolve (zen and growth), and Nonsense Thoughts (art/comics!) . Through comics, music, zen, and graphic design, he aims to push for social progress through the arts. 

The first Nonsense Thoughts were created at an old job in a meeting. I was doodling and came up with about ten ideas. Some of them were doodles, others were just statements like “I wonder if Indiana Jones uses the whip in bed.” I was overcome by the idea and bought a little notepad on the way home and drew all the ideas down. I decided to take pictures of the notebook pages and post them on my arts blog. 

After I found out how much people liked them (and I how much I liked drawing them!), I decided to make a new website and take things up a notch. I now draw mostly comics. I use Micron pens and Prismacolor art markers (for shading). I also try to frame the pictures using a background. I’ve often considered scanning the images or using a tablet to draw, but I like to think the backgrounds add a little something to the composition. The pictures are taken wherever I am while I’m drawing. Sometimes it’s around the house, in my office, or outside. 

The comics are inspired by people. Humans are my inspiration. We’re really weird, wonderful, terrible, and fascinating. I try to make statements and get people to think about life with my art. Hopefully some of them are funny too…

(Pictures © Chris Collins)

More on Chris Collins’ work

**Italiano**

Chris Collins è un artista freelance che si procura da vivere con i suoi progetti creativi e aiutando altre persone e imprese a essere più creativi. Ha realizzato diversi progetti, tra cui the Nonsense Society (un blog d’arti), Indie Music Box (musica royalty free), Today I Evolve (zen e crescita), e Nonsense Thoughts (arte e fumetti!). Attraverso i fumetti, la musica, lo zen e il graphic design, il suo scopo è contribuire al progresso sociale con le arti.

I primi Nonsense Thoughts sono stati creati durante un vecchio lavoro, a una riunione. Stavo scarabocchiando e ne sono venute fuori almeno dieci idee. Alcune erano scarabocchi, altri erano semplicemente delle frasi, del tipo “Chissà se Indiana Jones usava la frusta a letto”. Sono stato avvinto dall’idea, così ho acquistato un taccuino mentre tornavo a casa, e ho buttato giù tutte le idee. Ho deciso di scattare delle foto alle pagine del taccuino e di postarle sul mio blog d’arti.

Dopo aver scoperto che un sacco di persone le apprezzavano (e che mi piaceva un sacco disegnarle!), ho deciso di fare un nuovo sito web e di alzare il livello. Ora disegno per lo più fumetti. Uso penne Micron e pennarelli Prismacolor (per le ombreggiature). Provo anche a incorniciare i disegni, usando uno sfondo. Ho spesso preso in considerazione l’idea di scannerizzare le immagini o di usare un tablet per disegnare, ma mi piace pensare che gli sfondi aggiungano un qualcosa in più alla composizione. Le foto sono scattate ovunque mi trovi mentre disegno. A volte è in giro per casa, o nel mio ufficio, o fuori.

I fumetti sono ispirati dalla gente. Gli esseri umani sono la mia ispirazione. Sono davvero strani, meravigliosi, terribili, e affascinanti. Provo a fare delle dichiarazioni e condurre la gente a riflettere sulla vita con la mia arte. Spero che alcuni miei lavori siano anche divertenti…

Alexandria: And this freedom?

Photos and text by Jean-Marc De Coninck

Egypt’s most occidental and second town, continues actively with the participation of evicting Mohamed Morsi, the in 2012 democratically elected president and founder of the party for Liberty and Justice (PJL) emerging from the Muslim Brotherhood.

Alexandria, once housing one of world’s seven Wonders, crossroad to occidental as well as oriental intellectuals and artists, represents actually nothing more than a fallow town, beaten by the winds coming from the sea, knocked out by the
sun, collapsing under garbage, having bumpy roads and worn buildings…

Remains her old crowded train, her dubble-deck tramway, some stylish houses, the remnants of the old lighthouse, the illustrious library and the beaches giving the sentiment of a recovered liberty.

The general deployed his tanks at the crossroads and nearby the mosques but cafes remember to everybody that smoking the shicha or sipping tea has to be done together and the ‘corniche’, is still the main axis, Lada taxi-cabs, old carts
and strollers rushing through. Some among them proudly waving banners to the glory of the military, others, pro- or anti Morsi groaning inwardly. To some of them their kidnapped president, to the others a sentiment of stolen democracy.

More of Jean-Marc`s work here
Jean-Marc De Coninck was born on a sunny day in 1965 in Brussels, Belgium. He graduate in Photography at INRACI in Brussels in 1988. He works as a free-lance photographer. His work has been exhibited at FotoMuseum Antwerpen, Museo de San Francisco – Granada – Nicaragua).

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Richard Smith explores unexpected interrelationships between everyday images through surrealist photomontage. Working with elements from nature, pedestrian objects, specially-commissioned photos, and scenes from his travels and neighborhood, he fuses these components into ethereal yet cohesive views that transcend their origins. A self-taught graphic artist with 20+ years of professional experience, Smith incorporates assimilated photographic techniques and modern photomanipulation approaches into his hand-crafted compositions at rsmithings.com.

Hi Richard or do you prefer “rsmithing”? Really, what are the roots of nickname “rsmithing” that you chose to use as an artist?

Hello, and thanks for asking — just call me Richard. The “rsmithing” term is my quick online handle, giving some more personalization to my otherwise very standard name. It originated way back when Google rolled out Gmail. By the time I got on board, “rsmith” was already taken, so I added “-ing” as a concise means of personalization. In a metaphorical sense, I like to think of it as the verb form of my name, representing action. It also works for “Richard + Smith + Blogging = rsmithing,” which is my blog (rsmithing.com) and “Richard + Smith + Things = rsmithings” which is where I showcase my art (rsmithings.com). This is the most I’ve ever revealed in one place about the rsmithing handle!

Richard, how did you come to photography and graphic art?

I’ve always loved art, and I remember getting a thrill from when my mom would post my drawings on the refrigerator. Come puberty, I discover rock ‘n’ roll and take up music, and I also get into producing flyers. Little did I know I was teaching myself graphic design. Finally in college, it all comes together at the university newspaper when I discovered Aldus Pagemaker — the digital way of doing what I’d been creating by hand with photocopiers and cutouts from newspapers. From there, I decided on a career in graphic design, and it’s been great. Along the way I continued making music and writing, but graphic art — and more so these days, photography, is the passion that sets me on fire.

Please, tell us more about the special technique you have developed for the composition of your images.

My technique is this: I constantly snap photos of whatever’s around that I find interesting. Once the urge to create strikes, I then start a synthesizing journey. Sometimes I know exactly where I’m headed; other times I’m just along for the ride, letting magic from the universe do the driving.
My process is like carving a sculpture, with the edges of my fingers forming lines to define shapes and reveal serendipitous relationships — not unlike physically placing individual elements as in a paper collage — except I do this through masking, blending and mimicking established photographic techniques like solarization or vignetting. Each piece is meticulously crafted with these and other ingredients, using direct touch to form a hierarchy of narrative. A final composition is the culmination of fusing disparate elements into a kind of empyrean abstract union.
From a technical point of view, I mainly use a now-extinct app called PhotoForge2 on my iPhone, which functions much like Photoshop with layers and masking, only in what I see as a more personal manner. With a smartphone app, your fingers become the brushes; your movements become the brush strokes, and you literally cradle a creation as it comes into existence. Far from being impersonal through a degree of technology, I believe art created this way is extremely intimate. The end result taken in by viewers is something the artist has stared at, in hand, literally touching over and over as the elements come into place.

Your images are constructed in many different levels, composed from multiple images. What is the visual message that you want to pass to the people who see your work?

I want people who see my work to understand that beauty is everywhere and that we should take time to notice it. Art surrounds us, whether in architecture, words, music, or just in nature. And having an appreciation for that can make life more meaningful. Through surrealist juxtaposition and taking artistic license with the limits of visual reality, I aim to slow down viewers’ processes of perception enough so that a “wow” moment can happen. Maybe I do that at first with something that’s just visually striking on an initial level, but then layers of meaning can emerge and previously unexplored connections can form. That’s really the most exciting thing for me about any art — experiencing meaning through new connections.

Do you prefer to create color or B&W images and why so?

I prefer creating and viewing black and white images. While there’s nothing wrong with color and I greatly respect many artists who use a full range of hues, for me working strictly in black and white is part of distilling intent and message down to the essence.
Also, blending stuff happens faster when there are just two colors. =)

Richard, how long have you been practiced on this special technique?

I’ve incorporated collage and photomontage in my professional (non-artist-day-job) work for at least a decade now. Much as I do these days for personal expression, I would work montages into advertising materials wherever the fit was right for the client and project. But I’ve been in love with surrealism and, specifically, the photomontage format ever since I was a teenager.

Are there any other special process/composition techniques that you have practiced, too?

Sometimes I experiment with rules. Working within a set of restrictions can be oddly liberating and extremely satisfying. What can you do in only one hour? What can you do only with photographs from this weekend? What can be done with photos only from one certain location? I’ve often thought, “why do anything if you can do everything?” So the idea of working within limitations and then pushing myself to do all I can in those paramaters is a process I enjoy and recommend.

Are there any specific photographers or artists who have inspired your work?

I owe everything to Jerry Uelsmann. He is the undisputed master of photomontage and my ultimate inspiration. I’ve even done some recreations of his work in my format just to grow my understanding of his vision. I always want to acknowledge Uelsmann wherever possible since his work has been such an inspiration. If anyone reading this likes my work, I recommend immediately seeking out Jerry Uelsmann. It was a mind-blowing experience when I first saw his creations, and hopefully others will have that experience as well.
My direct visual inspirations also include fine artists such as Dalí and Escher; photographers Man Ray, Francesca Woodman, and Minor White; along with contemporary creators like Sion Fullana and Tommy Ingberg.

As I know, you are a musician, too. You play guitar and sang. Do you think that your relationship with music has influenced your work on photography and how is that?

Most definitely, music influences my art. It’s as obvious as the occasional song title or lyric being adapted as a title of one of my visual compositions. Personally, I feel creativity comes from one area in the soul, and it manifests itself in different ways — be that visual art, writing, music, dance… or whatever captures your passion. I loved art before music as a child; I loved music before writing as an adolescent; I loved writing along with art and music as a young adult; and I’ve managed to make a living as a creative person as an artist and writer who also plays music for fun. Inspiration and expression can come from anywhere — you just have to be open to the experience and do what you can to get it out there.

A common characteristic of your images is accuracy and symmetry. We could say that this is mainly a special characteristic of European photographers and artists and that American schools of art are more liberal. As a man who has grown in an American thinking environment, how do you explain that?

Having a formal understanding of graphic design is now in my DNA, so I naturally consider grids, the rule of thirds, white space, contrast, and other traditional elements in my compositions. I employ elements of symmetry and accuracy in my own art as one more way of drawing a viewer in. The human eye generally seeks to understand and organize information, so things like balance and detail help make this happen — part of what I do is to establish this foundation, then take the mind’s eye even deeper through subtle deviation. I’ve been fortunate enough to spend time in Rome, Florence and Paris, and have a deep reverence for the masters, so maybe that figures in my art at a subconscious level. I would sure like to think so.

Do you thing that your images as a work of art, are closer to photography, painting, graphic design or something else?

It all starts with photography, but I certainly don’t consider or bill myself a photographer at all. I have a sense of what makes a good photo or interesting subject, but I’m always thinking in terms of ingredients for photomontages. It’s certainly not graphic design, since that implies a more formal structure than what my pieces have, and also implies missing elements like typography, lines, or mainstream commercial appeal.
My images are closer to painting or even sculpture, since forming the compositions is such a physical act of moving things into place, bending reality into new shapes.

If you had the possibility -only for one day- to photograph one famous person, one object and one place in order to compose an image, what would you choose?

My famous person choice would be Dalí just so we could hang out. Or maybe Jimi Hendrix for the same reason, and to see him play with my own eyes in the same room. An ultimate object photograph for me would be Stonehenge, right up close, really taking in the textures and incredible angles from inside and around the rocks. If I could compose an image in one place, anywhere? That’s easy: Hawaii. It’s paradise.

(Images © Richard Smith)

More about Richard Smith’s work here

Tom Teodosijev was born in 1975 in Prague, Czech Republic. He took up photography when he was 15 years old. Five years after that came a fifteen-year long pause. In 2010 he rediscovered photography and began his studies at Photogenia Institute at Brno (CZ).
He does not prefer either digital or classic technique in his work. The technique is actually chosen according to the type of the project. As for the Triffids Age project, he worked exclusively with analog camera that allowed him to slow down the process. Exposed film material was then processed by a hybrid process.
The Triffids Age counts among works combining an eerie atmosphere with components of civilization – specifically the author is fascinated with the structures and surfaces of large billboards against the emptiness of night-time landscapes. With help of effects fully in power of the photographic medium, he transforms reality into a science fiction world: that, at the same time, is a dangerously common part of our everyday lives.

[traduzione in italiano in basso]

„It’s ten p.m., shortly after rain. The ideal time to search for THEM. Take a map, hot tea, a telescope, and let’s not forget the other equipment – the one for taking pictures. And perhaps even a cellphone, if by any chance…
I get into the car and leave civilization quickly. Lately the big ones are to be found at the borders between the city and open landscape. Another long night is waiting for me.
They are everywhere around us. Hungry for our attention, they tower over the landscape like insatiable beacons, changing its character, slowly overpowering it. Sleeping statues by day, by dark they come to life and send their shining message. It’s been quite a few years since they came in our country.“

I’ve started this project in late 2010 sort of upset. Again and again I’ve been coming across new places occupied by this new advertising medium. More and more bits and pieces were being ripped off of the landscape. I tried to ignore it. And I realized that I‘m ceasing to be immune to this rampant madness. One day I took a backpack and went out to take my first picture of some billboards. After a few weeks I cut most of the negatives to pieces and threw them away. Nothing is ever just black and white.  

I’ve been calling them Triffids ever since. They are eloquent symbols of our modern civilization. Cursed because of their appearance and aesthetics  and at the same time necessary for the advertising that sells products of companies we work for and where we make our living. We became dependent on advertising. But is it good or bad? I would say both. And so, gradually, I started to seek for some kind of light-based beauty in these structures, justifying their existence. Yes, it was at that time they got their name inspired by the dangerous yet necessary protagonist of John Wyndham’s famous novel .

Eventually I‘ve switched completely to night shooting when I  started working more with light pollution. This element is important in the collection and helps me express dimensions and perhaps even some aesthetics of these structures. Three years ago, I started touring new spots and I’ve been returning to the previous ones too. In a different time and different weather, so that I could capture my ideas and the thoughts anchored in my head as well as I could.

For me, the project became a fully personal response to the uncontrolled construction of billboards in the open landscape of the Czech Republic .

„And nights in our country are slowly turning into days. It won’t be long and I will travel from one town to another without meeting night at all.“

(Text and images © Tom Teodosijev)

More about Tom Teodosijev

***Traduzione Italiana***

Tom Teodosijev è nato nel 1975 a Praga (Repubblica Ceca). Ha iniziato a fare fotografia quando aveva quindici anni. Cinque anni più tardi è seguita una pausa lunga quindici. Nel 2010 ha scoperto nuovamente la fotografia e ha iniziato a studiare al Photogenia Institute di Brno (CZ). Non ha preferenze per la tecnica digitale o analogica. In verità, sceglie che tecnica usare in base al tipo di progetto. Nel caso del progetto Triffids Age, ha lavorato esclusivamente con la fotocamera analogica, che gli ha permesso di rallentare il procedimento. La pellicola impressionata è stata poi sviluppata con un processo ibrido.
Il Triffids Age si inserisce tra lavori che mettono insieme un’atmosfera straniante con elementi della civiltà: in particolare, l’autore è affascinato dalle strutture e dalle superfici degli ampi cartelloni pubblicitari che si stagliano nel vuoto dei paesaggi notturni. Con l’aiuto di effetti tipici del mezzo fotografico, trasfrma la realtà in un mondo di fantascienza: che, allo stesso tempo, è una parte pericolosamente comune della nostra vita di tutti i giorni.

„Sono le dieci di sera, da poco ha smesso di piovere. Il momento ideale per andare a CERCARLI. Prendere una mappa, the caldo, un telescopio, e non dimentichiamo il resto dell’equipaggiamento: quello per scattare fotografie. E forse anche un cellulare, se per caso…

Salgo in macchina e lascio in fretta la civiltà. Più tardi scoverò quelli più grandi ai confini tra la città e l’aperta campagna. Un’altra lunga notte mi sta aspettando.

Sono ovunque intorno a noi. Affamati della nostra attenzione, svettano sul paesaggio come insaziabili segnali di luce, plasmando il suo aspetto, prendendone lentamente il controllo. Statue addormentate di giorni, di notte prendono vita e inviano il loro messaggio luminoso. Ormai saranno alcuni anni da quando sono giunti nel nostro paese.“

Ho iniziato questo progetto sul finire del 2010 con una specie di turbamento. Di continuo mi trovavo a constatare che sempre più nuovi posti venivano occupati da questo mezzo pubblicitario. Sempre più spizzichi e bocconi venivano strappati via al paesaggio. Ho provato a non farci caso. E ho capito che non riesco più a essere immune a questa follia crescente. Un giorno, ho preso uno zaino e sono uscito per scattare la mia prima foto ad alcuni cartelloni. Dopo alcune settimane, ho fatto a pezzi la gran parte dei negativi e li ho gettati via. Niente è mai soltanto bianco e nero.

Li ho sempre chiamati trifidi da allora. Sono chiari simboli della nostra civiltà moderna. Maledetti per via del loro aspetto e forme e allo stesso tempo necessari per la pubblicità, che vende prodotti di compagnie per cui lavoriamo e dove ci guadagniamo da vivere. Siamo diventati dipendenti dalla pubblicità. Ma è un bene o un male? Direi entrambi. E così, a poco a poco, ho iniziato a cercare una sorta di bellezza basata sulla luce in queste strutture, giustificando la loro esistenza. Sì, è stato allora che hanno preso il nome ispirato dal pericoloso ma fondamentale protagonista del famoso romanzo di John Wyndham.

Alla fine, sono passato del tutto allo scatto in notturna quando ho iniziato a lavorare di più con l’inquinamento luminoso. Quest’elemento è importante nella serie e mi aiuta a esprimere i livelli e forse persino l’estetica di queste strutture. Tre anni fa, ho cominciato a girare per posti nuovi e sono anche tornato in quelli precedenti. In un momento diverso e con condizioni climatiche diverse, in modo da poter immortalare le mie idee e i pensieri fissati nella mia mente, meglio che potevo.

Secondo me, il progetto è diventato una piena reazione personale alla costruzione incontrollata di cartelloni pubblicitari sul territorio della Repubblica Ceca.

„E le notti nel nostro paese si stanno lentamente mutando in giorni. Tra non molto tempo io viaggerò da una città all’altra senza incontrare mai la notte, nemmeno una volta“

 Marinos Tsagkarakis was born in island of Crete, in Southern Greece in 1984. At the age of 17 he moved to Thessaloniki and studied Economic Science, Business Administration in Finance and finally Information Systems. He works as an economic analyst and Deputy Director in an international non-profit organization for trade & exports. He started dealing with photography approximately 10 years ago and he studied photography  at STEREOSIS Photography school. He has participated in many team exhibitions in Greece. In 2013 he obtained winning award in 7th Photoday Contest among 192 professional and amateur photographers. Also, he has attended many workshops with renowned photographers.

 SKG is the International Air Transport Association code for the city of Thessaloniki, located in Northern Greece. Thessaloniki is not the place I was born or grew up, but it is the place I learnt to love the last 13 years of my life. Thessaloniki has always been considered as one of the most beautiful cities of Greece, atmospheric, erotic, mysterious and vivid. Thessaloniki for many decades of the 20th century played a central role in the wider Balkan area. However, the lights and shine for Thessaloniki fell sharply a few years before Greece faced financial crisis and economic depression.

 This project deals with the transformation/metamorphosis of this city from a bright, extrovert and vibrant city, into a place which is dominated by aesthetic and social decline. It is a record of the existing urban landscape, with sceneries which are placed at key points in the city. The common feature of these images is reduced aesthetic, which now causes no sense in transit residents.

(Images © Marinos Tsagkarakis)

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